Milano

Del brano è stato realizzato un videoclip, visibile sul sito www.tgcom.it e, da lunedì 30 gennaio, anche su tutti i canali ufficiali dell’artista: protagoniste del video sono persone comuni, scelte attraverso un contest via Facebook.

“Le Viole” è un brano incentrato sul tema della violenza sociale. “In questo momento storico di grande incertezza – dichiara Lighea – abbiamo costruito una società schiava di false ritualità. Oggi si respira nell’aria la voglia di ritornare a nutrirsi dell’essenziale. La mia canzone vuole proprio essere un inno alla semplicità, verso un ritorno alle cose autentiche”.

L’album “Temeraria” rappresenterà un’occasione di visibilità per i giovani artisti: la copertina ed il booklet dell’album, ispirati ai testi dei brani, saranno infatti realizzati da alcuni studenti di arte. Dal 10 febbraio, inoltre, verrà indetto un contest per giovani talentuosi video maker: il vincitore avrà la possibilità di realizzare il videoclip del secondo singolo estratto dall’album.

Spazio ai giovani talenti, quindi: la sfida sta per aprirsi.

Nadia Galliano

Foto || via Paroleedintorni

Los Angeles –

Era da tempo che il musicista di Detroit aveva smesso di deliziare i propri fan con la sua voce e soprattutto col graffiante suono delle sue chitarre. Nemmeno i due side project Raconteurs e Dead Weather, seppur con produzioni di buonissimo livello, hanno avuto un seguito, ma ora Jack White è davvero tornato.

Per apprezzare l’intero disco bisognerà aspettare aprile, ma è già online ascoltabile in streaming sul sito ufficiale di White, il singolo che ne anticipa l’uscita americana, la stupenda “Love interruption” (video sotto).

“Blunderbuss” è un album fatto in casa, visto che il lavoro è stato assemblato interamente presso lo studio della Third Man Records, etichetta dello stesso ex White Stripes, il quale ha così commentato la sua nuova produzione: “Ho tralasciato fare dischi a mio nome per molto tempo, ma queste canzoni potevano essere rappresentate solamente a nome mio. Queste canzoni sono state scritte ex novo, non hanno niente a che fare con nessuno e sono solo mia espressione, miei colori e mie tele”.

Il suono di Love Interruption non ha la potenza di Seven Nation Army o l’aggressività di Hang You From The Heavens dei Dead Weather e probabilmente nemmeno la stessa musicalità e cantabilità di Steady As She Goes dei Raconteurs, ma rappresenta senza dubbio il segnale di una crescita significativa del musicista di Detroit, una delle menti più creative della recente storia del rock n’ roll.

foto: sheknows.com

 Davide Lopez

Il gruppo pop di fine anni '90 tornerà a suonare assieme?

Londra – Le Spice Girl potrebbero tornare ad esibirsi assieme sul palco in occasione del Giubileo di Diamante della Regina Elisabetta II dal 2 al 5 giugno 2012, almeno stando a quanto si sarebbe fatta scappare Melanie Janine Brow, comunemente conosciuta come Mel C, durante un’intervista rilasciata ad Auastralian Tv.

Dopo i Take That e i Backstreet Boys, le fan delle cinque reginette del pop inglese di fine anni ’90, sembrava dovessero riunirsi in occasione del Giochi Olimpici di Londra 2012 anche se, come ha ammesso la Sporty Spice all’emittente australiana: «Il Giubileo di Diamante della Regina Elisabetta è un’occasione più importante per riunirsi ben prima delle Olimpiadi», ha spiegato Melanie Janine Brow che, resasi conto dell’errore ha cercato di rimeridare alla gaffe prontamente ripresa dal The Sun, grazie al quale la notizia ha già fatto il tam tam della rete.

A rovinare gli entusiasmi dei fan ci ha pensato Victoria Beckham che, attraverso un membro del suo staff, ha spiegato come i suoi impegni nel mondo della moda non le permetterebbero di concentrarsi sullo spettacolo musicale.
Le Spice Girls si sono sciolte nel 2000 dopo aver pubblicato tre album e dopo essersi riunite momentaneamente nel 2007 per un breve tour mondiale, che ha visto la cancellazione di parecchie date a causa di presunti problemi familiari delle cinque protagoniste.

Eleonora Ottonello

Roma – Dal 21 al 24 giugno l’Arena Fiera di Rho sarà La Mecca per i migliaia di appassionati del metal che avranno l’occasione di godersi Gods of Metal, quattro giorni di musica e quest’anno il calendario è davvero stuzzicante.

Giovedì 21 giugno in programma ci sono i Manowar di Joey DeMaio e Ross the Boss, gli Unisonic di Michael Kiske, e gli HolyHell lanciati nel 2007 dallo stesso DeMaio.

Venerdì 22 giugno giornata sconvolgente con Guns n’ Roses, Within Temptation, Sebastian Bach degli Skid Row, la metalcore band Killswitch Engage, Black Stone Cherry e i californiani Ugly Kid Joe.

Sabato 23 giugno sul palco saliranno gli attesissimi Mötley Crüe, forse la band hair metal più trasgressiva, eccessiva e violenta del panorama.

Domenica 24 giugno è il turno dei Black Sabbath, degli Opeth, Lamb of God, Trivium, DevilDriver e August Burns Red.

Per chi fosse interessato c’è anche la possibilità di campeggiare nei pressi dell’area dove si svolgeranno i concerti e di parcheggiare automobili e camper in uno spazio adiacente, ma i posti sono limitati e quindi conviene organizzarsi prima e prenotare sia per il campeggio che per i concerti: i Pit Tickets per i Black Sabbath sono già esauriti.

L’organizzazione dell’evento mette a disposizione anche una rete di bus per raggiungere l’Arena Fiera di Rho e segnala una serie di strutture in cui possibile pernottare a prezzi contenuti e raggiungere facilmente la zona dei concerti. Per informazioni consultare il sito della manifestazione www.godsofmetal.it.

Francesca Penza

Adriano Celentano (fullsong.it)

Una buona parte dei soldi del canone (quello che tutti i tg Rai vi stanno ossessivamente ricordando di pagare entro la fine del mese) sappiamo già come verrà investita. Se poi sarà un investimento felice, ce lo dirà l’audience: Adriano Celentano ha detto sì allo status di ospite straordinario del Festival di Sanremo 2012.

E straordinario sarà anche il suo cachet: 300mila euro a puntata (anche se per un massimo cumulabile di 750 mila euro, come da normativa aziendale) per avere praticamente carta bianca sui propri monologhi al Festival di Sanremo. Un cachet che, stando alle indiscrezioni degli scorsi giorni, dovrebbe essere devoluto interamente in beneficenza, anche se per le ufficializzazioni del caso avrà valore assoluto l’attesissima conferenza stampa di presentazione di martedì 31 gennaio.

La firma arriva dopo un lungo tira e molla tra il Clan Celentano e la Rai, che avevano lasciato arenare la trattativa dopo le iniziali limitazioni che la Rai voleva porre ai monologhi del cantante, che adesso non avrà invece nessun diktat da seguire, se non il rispetto della legge e del codice etico dell’azienda.

Il primo monologo del Molleggiato, considerato evento eccezionale al pari di quello di Benigni dello scorso anno, non verrà interrotto da nessuno spot pubblicitario (e di conseguenza avranno valore commerciale esponenziale i blocchi che lo precederanno e lo seguiranno), mentre per i successivi interventi Celentano dovrà rispettare i tempi tecnici e televisivi. Tempi che, comunque, non saranno inferiori ai 25 minuti.

Dopo la cacciata della Ecclestone, arriva quindi adesso la conferma di Celentano. Forse ad alcuni sembrerà strano, ad altri un po’ meno: di musica, per adesso, non se ne è proprio sentito parlare.

Francesco Guarino

Fiorella Mannoia

Roma – ‹‹Umana prima che musicale››. Così Fiorella Mannoia racconta e si racconta parlando dell’esperienza emotiva che ha vissuto preparando il suo ultimo album di soli inediti, Sud, da domani nei negozi.

Il disco è dedicato al Sud del mondo. ‹‹Ho maturato l’idea del disco dopo aver letto il libro di Pino Aprile. Terroni – ha raccontato Mannoia all’agenzia di stampa ANSA.- Sono rimasta scioccata dal fatto che quello che abbiamo letto nei libri di scuola è lontano da quello che è veramente successo intorno all’Unità d’Italia. Volevo nel mio piccolo fare qualcosa per ridare al Sud un po’ della dignità che le era stata tolta. Poi naturalmente lo sguardo si è allargato a tutto il Sud del mondo, a tutti quei paesi saccheggiati, violati e abbandonati a se stessi come l’Africa, terra di conquista per eccellenza. ‹‹Non pretendo di cambiare le cose, ma cercare attraverso la musica di rappresentarne la gioia, la disperazione, la nostalgia, e la migrazione dei popoli››. Per Fiorella, ‹‹l’educazione, la cultura fanno paura››. E a proposito che il fatto che il Sud resti arretrato, Mannoia sentenzia ‹‹ci hanno mangiato tutti, la politica, la religione…››. ‹‹Il Sud è ucciso dalla criminalità perchè non c’è lo Stato. Basterebbe fermare la corruzione. L’Italia – si sfoga la Mannoia – non è un paese in crisi, è un paese corrotto››.

Secondo la cantante, la canzone-simbolo dell’album è Luce di Luca Barbarossa, scritta con la collaborazione vocale del palestinese Faisal Thaer. ‹‹E’ un pezzo sulla compassione. Il primo verso dice “non c’è figlio che non sia mio figlio”: basterebbe questo per ritrovare questo sentimento ormai perduto››. E ancora: Vuelvo al Sur di Astor Piazzolla, tradotto in italiano; Quando l’angelo vola, cantata didicata a Thomas Sankara, presidente del Burkina Faso dall’‘84 all’’87 prima di rimanere ucciso all’età 38 anni. Il pezzo si apre con una citazione dello stesso Sankara, regitata da Gabin Dabiré: ‹‹Noi dobbiamo accettare di vivere africano››.

E poi: Quanne vuo bene, il personale omaggio della cantante alla città di Napoli. La musica è di Andrea Zuppini, il testo di Titina De Filippo. Afferma Mannoia orgogliosa: ‹‹la famiglia De Filippo non ha mai voluto darla a nessuno. Quando hanno saputo che sarei stata io a cantarla, hanno accettato. E’ un onore per me››. Per quanto riguarda l’inflessione napoletana, Fiorella ha spiegato  ‹‹Una amica napoletana mi ha fatto da coach. Si sente che non sono napoletana, ma spero di esserci andata vicina››.

Se solo mi guardassi, invece, è scritta dalla stessa cantante con la musica di Ivano Fossati e Paolo Buonvino. Il tema sono gli “invisibili” d’Italia ovvero, i fratelli stranieri che vivono con noi. Altro componimento testule di Fiorella è In viaggio, dedicato ad una figlia immaginaria: ‹‹Canto le parole che le avrei detto prima di partire per il viaggio della vita. In questo disco la dimensione del viaggio di chi lascia la propria terra è preponderante››.

Altra illustre collaborazione al disco è quella con Frankie HNRG per Non è un film. I due artisti, inoltre, continueranno la cooperazione perché si ritroveranno sul palco per le 8 tappe del tour della Mannoia, in partenza dal 21 marzo. Prima tappa, Napoli. ‹‹Volevo collaborare con lui da molto tempo – dice Fiorella – Non sapevo come fondere i nostri due mondi, ma (Frankie) ha centrato in pieno l’argomento››.

Chantal Cresta

Foto || ansa.it

Giunta nella East Coast, divise il suo tempo tra lavori occasionali, la permanenza presso lo storico Chelsea Hotel, dove si intratteneva con artisti come Allen Ginsberg e William S. Burroughs, e i reading di poesia nell’underground newyorkese.
Fu la chitarra di Lenny Kaye a trasformare le sue parole in puro Rock ‘n’ Roll. Scarno, allucinato, furioso, sensuale, fiero.
Nel 1973, insieme a Kaye tiene una performance intitolata “Rock `n Rimbaud”. Nel 1974 ai due si unisce il tastierista Richard Sohl, per incidere “Hey Joe” di Jimi Hendrix, uno dei primi singoli “indipendenti”, finanziato da Robert Mapplethorpe e con Tom Verlaine (dei Television) alla chitarra. Il lato “b” del 45 giri è “Piss factory”, scritta da Patti.

Il suo nome comincia a diventare uno dei più noti di un circuito “underground” che ha come tempio il CBGB’s di New York. Con il chitarrista cecoslovacco Ivan Kral e il batterista Jay Dee Daugherty, il gruppo attrae l’attenzione di Clive Davis, fondatore della Arista. Nel novembre 1975 John Cale produce l’album di debutto HORSES, contenente tra l’altro la “cover” di “Gloria”, il brano reggae “Redondo Beach”, e poesie in musica come “Birdland”. L’album, uno dei precursori della scena new wave (sulla cui copertina viene immortalata dagli scatti dell’amico e amante Mapplethorpe), entra nella top 50 americana.

Da allora non si è più fermata: idealista, forse utopica, forte ma anche fragilissima, intellettuale bohèmienne e istintiva, Patti Smith rappresenta la sintesi perfetta del rocker al femminile. Un’eroina del proto-punk, nata per fare del antico, consunto rock un’arte del futuro.
Eccola quindi tornare al suo pubblico, con una nuova fatica musicale ancora priva di titolo, ma che conterrà due grandi dediche, una delle quali alla cantante Amy Winehouse.

L’icona punk-rock della musica internazionale avrebbe tratto la traccia da una sua poesia scritta dopo la morte della Winehouse lo scorso luglio.
La notizia sarebbe stata confermata direttamente dalla Smith, la quale avrebbe dichiarato, al noto sito di informazione online Uncut, che la canzone apparirà nel suo nuovo album.

A riguardo la cantante ha dichiarato: «The little song for Amy just blossomed in the studio. We were at [New York studio] Electric Lady doing a whole other song and I wrote Amy a little poem when she died and my bass player, Tony Shanahan, wrote a piece of music and the two matched perfectly».
Il tutto, tradotto, suona un po’ così: «La piccola canzone per Amy è sbocciata in studio. Eravamo al [New York studio] Electric Lady al lavoro con altri brani e ho scritto una piccola poesia per Amy quando è morta, mentre il mio bassista, Tony Shanahan, ha scritto una parte di musica e le due cose si sono unite perfettamente».

L’altro pezzo in memoriam è invece un omaggio all’attrice Maria Schneider, amica di vecchia data della Smith, nonché indimenticata protagonista del film “Ultimo tango a Parigi” di Bertolucci.

Gli anni dunque passano ma non sembrano scalfire questa leggenda del rock internazionale che non si adagia sugli allori. Dopo essere stata premiata al National Book Awards, che l’ha vista protagonista con il bestseller “Just Kids”, il 23 agosto scorso è uscito “Outside Society”, che lei stessa ha definitivo il “regalo/assaggio alle nuove generazioni”, una raccolta dei suoi brani più popolari e più amati dal pubblico.

In occasione della presentazione del documentario “Pivano blues. Sulla strada di Nanda” di Teresa Marchesi, alla Mostra del Cinema di Venezia nella sezione Controcampo italiano, aveva già annunciato l’uscita del prossimo album di inediti.
La sua dedizione alla musica e all’arte è stata ulteriormente riconosciuta, ad agosto, in occasione del Polar Music Prize, un evento svedese dedicato alla musica, durante il quale la cantante è stata premiata dal sovrano di Svezia in persona. Una sorta di premio alla carriera per un’artista – sempre tenera e appassionata, socialmente sensibile e attiva – che ha fatto, della musica e dell’arte, una ragione di vita.

Grazie Patti.

Natalia Radicchio

Foto| via www.toylet.it

Los Angeles -

Ad Etta James era stata diagnosticata la leucemia nel 2010, ma soffriva anche di demenza senile e epatite C. Ricoverata a dicembre, era uscita dall’ospedale di Riverside il 6 gennaio per morire nella sua casa.

Nata a Los Angeles da madre afro-americana e padre bianco, Etta James debutto’ nella musica a soli 5 anni. Con i suoi capelli biondo platino, la cantante divenne un mito già dal suo primo album d’esordio ‘At Last’ del 1960, ed il singolo omonimo dell’anno successivo balzò subito in vetta alle classifiche e divenne la sua canzone-firma. Capace come pochi di combinare ritmi blues, rock&roll, soul, jazz, Etta James è stata nominata dalla rivista ‘Rolling Stone’ una tra le cento più grandi artiste di tutti i tempi.

I suoi successi artistici, tuttavia, sono stati spesso oscurati da problemi personali. Vittima della dipendenza dalla droga, la James è più volte entrata e uscita dai centri di disintossicazione e nel 1969 venne condannata assieme al marito Artis Mills a dieci anni di prigione per possesso di eroina.

Vi proponiamo”At Last”, uno dei suoi brani piu’ celebri.

Davide Lopez

Copertina di "Grande nazione", il nuovo disco dei Litfiba

Permettete una sola domanda: perché tornare insieme dopo tanti anni pur sapendo, probabilmente, di non avere poi tutte queste grandi idee artistiche in testa? Per soldi? Per richiamare alla memoria una certa fama, vista la discendente parabola sia solista (da una parte) che legata (dall’altra) all’esperienza con i pur bravissimi Gianluigi “Cabo” Cavallo (checchè se ne dica, Insidia, malgrado, assieme agli altri, sia stato sciaguratamente eliminato dalla discografia ufficiale sulla relativa pagina del sito ufficiale, era un bel disco) e Filippo Margheri (le cui tracce sono tuttora ricercate: se qualcuno sa che fine gli hanno fatto fare, ce lo comunichi)? Per la voglia (reale ed effettiva) di suonare di nuovo il sano rock con il quale si è riusciti a riempire ed incendiare per anni e anni interi palazzetti?

I Litfiba del ritrovo con il buon Pierò Pelù, insomma, pare proprio che non si riesca bene a capirli. «Non ci siamo riuniti per soldi». Va bene. Ma allora perché dare immediatamente alle stampe, malgrado due brani inediti (Sole nero e Barcollo) comunque abbastanza discutibili, un disco live (Stato libero di Litfiba) buono ma registrato e prodotto in fretta e furia durante le prime quattro date del rispolvero di repertorio? Era proprio necessario? Proprio non si poteva rinchiudersi subito in studio per vedere se il consenso ottenuto era davvero quello più auspicabile?

Se è vero che è meglio tardi che mai, comunque, la strana coppia (perché strana davvero è apparsa nel corso dell’ultimo anno e mezzo, almeno nei video personali diffusi in rete: si saranno davvero riappacificati senza portafogli?), a partire dallo scorso 17 gennaio, ha ripreso ufficialmente (e continuerà, vista l’idea di una “trilogia degli stati”, recuperata abitudine seriale) a sfornare inediti con un nuovo lavoro in studio, frutto di quella che viene confermata dai diretti interessati, appunto Piero Pelù e il sempreverde chitarrista Ghigo Renzulli, come l’eterna e matta voglia di imbracciare gli strumenti e calcare palchi di legno.

Chiariamolo subito: Grande nazione è un buon disco di sano e semplice rock duro. Su questo non occorre obiettare alcunché se non l’unico (ma grosso) difetto interiore e assolutamente evidente. Sano e semplice rock duro, dunque: forse anche troppo semplice, però. Caratteristica che innesca nella nostra mente e nella nostra anima da vecchi fan sfegatati della storica band toscana (consapevoli dei tempi irrecuperabili dei dischi più belli in assoluto: Desaparecido, 17 re, Tre o il primo ep omonimo, tasselli che comunque la band ha sempre provveduto a recuperare a piccole dosi, di tanto in tanto) l’istinto di scovare già nelle primissime note del supporto audiofonico (anche vinile) diverse somiglianze con il periodo a cui la band, sia per look e abbigliamento dei membri principali, sia per formazione (tre quinti di quella pre-litigio, col bravissimo Daniele Bagni al basso), sembra volersi riferire, vale a dire quel triennio d’oro che seguì l’apice del successone di El diablo, dal 1992 al 1995, con dischi di un impatto e di una determinazione senza precedenti come il roboante e concettualmente arrabbiatissimo (per questo indimenticabile) Terremoto e il più diretto Spirito. Se, dunque, la vena lirica di Pelù (come la voce e soprattutto il carisma da vero animale da palcoscenico nonostante i quasi cinquanta anni d’età) appare finalmente recuperata al di là di lezzosi corpi che cambiano, mascherine, amori immaginati e saluti alle mattine, per tornare (era ora) ad orientarsi corposamente sulla scena sociale e politica italiana (anche se con molta meno poeticità dissacrante di un tempo), è la vena compositiva a destare pochi ma seri dubbi.

Piero Pelù e Ghigo Renzulli

Con molta probabilità e un pizzico di delusione, allora, non è forse un caso se questo nuovo album (ripetiamo: comunque buono) si apre con una Fiesta tosta che tanto (troppo!) ricorda l’apertura del secondo disco di riferimento da noi menzionato, ovvero Spirito. Il brano in questione è, dunque, Lo spettacolo (si vada a riascoltare): malgrado la tonalità differente (come per ogni altro semi-autoplagio in questa sede), il riff, l’impostazione vocale e la ritmica sono davvero molto ma molto simili. Alla maniera in cui, poi, Spirito avanzava con la lenta ma estroversa Animale di zona, anche qui il ritmo complessivo cala con Squalo, primo singolo radiofonico e videoclip diffuso dalla band alcune settimane prima dell’uscita del disco, nonché brano, si, di muro sonoro comunque energico e gradevole ma esempio lampante di una carenza lessicale che affligge Pelù già da qualche anno a questa parte (nonostante il tema sia comunque importante a livello di critica sociale). Elettrica, poi, forse lascia spifferare un minimo di ventata di novità, anche se la successione melodica (come per altri brani del disco) sembra, a momenti, davvero estrapolata stando seduti ad un tavolino con carta copiativa posta su migliaia di melodie già ascoltate (il che non fa così tanto onore alla band fiorentina, una delle più creative di sempre almeno in territorio tricolore). La successiva e molto bella Tra te e me, oltre ad un testo finalmente molto profondo, sentito umano e forse personale (probabile una forte vena di autobiografismo reciproco dei due leader), chiama ancora in causa una certa carenza di inventiva, pur rappresentando quasi certamente uno degli elementi migliori del disco, malgrado si tratti, ancora, di qualcosa apparentemente tirato via su basi già cotte e assaggiate da moltissimi altri, proprio come fa la successiva e ben movimentata Tutti buoni, consistente grido di protesta civile e politica ma, anche qui, strutturato sulle basi di una semplicità che, a memoria, non tanto rispecchia la genialità dei Litfiba migliori e non pop-dipendenti. Mentre Luna dark abbassa momentaneamente i toni con una semi-ballata distorta, è Anarcoide (nonostante una solida rabbia espressa con tanto di riferimenti orwelliani) ad illudere l’ascoltatore di trovarsi forse di fronte al brano migliore dell’intero lavoro, prima di sprofondare, però, dopo un intro duro e compatto in puro stile punk rock, in una sorta di commerciabile frammento alla Green Day o Offspring più radiofonicamente telecomandati (eccome se si percepisce una somiglianza con la The kids aren’t alright di Americana). Il tassello successivo, poi, l’omonima Grande nazione, di certo ricorda di cosa sono capaci le sei corde del buon Renzulli (anche se i riff di Il mistero di Giulia da Terremoto…) per mezzo di un muro sonoro molto ben architettato, mentre Brado riporta di nuovo la mente a quell’intramontabile Terremoto anche solo per via dell’utilizzo di uno scacciapensieri nella parte iniziale del brano (si veda Dimmi il nome), corpo sonoro che comunque si pone molto bene alla percezione emotiva e concettuale. Ma se ci eravamo un attimo dimenticati, salvo qualche minuziosa perfidia, di uno spiraglio di potenziale mancanza di idee, ecco che arriva il fanalino di coda, ovvero il secondo singolo estratto dal disco, la pur sempre molto bella La mia valigia, le cui gesta si destreggiano sugli accordi (anche qui, magari, di altra tonalità) della splendida No frontiere, ancora dal memorabile (indovinate un po’) Spirito, pur concedendo al senso stesso del brano, a versi raramente così sinceri e umani, e ad una struttura estremamente coinvolgente il privilegio di riportare l’ascoltatore appassionato e consapevole delle precedenti gesta della band toscana all’essenza stessa dell’agglomerato fiorentino, caratteristica (quella del viaggio e della libertà…di “spirito”) portante di ogni avvenimento e di ogni alchimia interna.

Ribadiamolo: Grande nazione è un buon disco rock. Nient’altro, però. Fareste meglio, dunque, ad ascoltarlo per intero prima di scegliere se entrare o meno in un negozio di dischi. A meno che non vi siate lasciati ingolosire dai nostri raffronti coi rispettivi predecessori (da recuperare assolutamente).

Stefano Gallone

L’unica data dei Metallica prevista in Italia si terrà presso lo Stadio Friuli di Udine, domenica 13 maggio 2012. Primo special guest confermato sono i Gojira.
Di seguito alcuni dettagli:

METALLICA
performing The Black Album In Its Entirety
13 maggio 2012 – UDINE, Stadio Friuli

I biglietti saranno disponibili esclusivamente per il fan club della band dalle ore 9:00 di venerdì 20 gennaio sul sito www.metclub.com, mentre la vendita generale prenderà il via alle ore 9:00 di lunedì 23 gennaio sul sito www.ticketone.it e nei punti vendita autorizzati.

Alla pagina http://www.metallica.com/tour_date_list.asp?show=current del sito ufficiale della band è possibile visualizzare tutte le date del loro tour europeo fin ad oggi confermate.

Alberto Staiz

Giancarlo Bigazzi

LUCCA – È morto stanotte a 71 anni il compositore e paroliere Giancarlo Bigazzi. Era ricoverato da qualche giorno nell’ospedale Versilia di Viareggio.
Bigazzi ha scritto successi come Rose rosse, Lisa dagli occhi blu, Ti amo, Gloria, Si può dare di piu, Gente di mare, Self control, Gli uomini non cambiano.
Bigazzi aveva compiuto 71 anni a settembre. Si è spento questa notte intorno alle 2 all’ospedale Versilia di Viareggio dove era ricoverato da qualche giorno.

Nato e vissuto a Firenze, era uno dei più prolifici autori della musica italiana, ma anche produttore discografico e scopritore di talenti. Dalla fine degli anni ’60 a oggi ha firmato brani per grandi autori come Massimo Ranieri, Adriano Celentano, Ornella Vanoni, Milva, Loretta Goggi, Gianni e Marcella Bella, Mia Martini, Francesco Guccini, Umberto Tozzi, Gianni Morandi, Enrico Ruggeri, Pupo.

Negli anni ’70 in collaborazione con Toto’ Savio realizza per Massimo Ranieri Vent’anni e Erba di casa mia, Eternità cantata dalla Vanoni e dai Camaleonti e Montagne verdi di Marcella Bella. Nel 1971 insieme a Daniele Pace, Totò Savio, Alfredo Cerruti e Elio Gariboldi forma il gruppo degli Squallor con cui inciderà album per 25 anni.

Tra gli anni ’80 e ’90, spesso in collaborazione con l’autore e amico Beppe Dati, produce e scrive i brani che porteranno al successo Raf, Marco Masini, Paolo Vallesi, Aleandro Baldi, Alessandro Canino. Insieme allo stesso Dati ha scritto anche Gli uomini non cambiano di Mia Martini e Cirano di Francesco Guccini.
La salma di Giancarlo Bigazzi arriverà questa sera alla Badia Fiesolana (san Domenico, Fiesole) dove da domattina sarà aperta la camera ardente. Domenica, sempre alla Badia Fiesolana, si svolgeranno.

Alberto Staiz

ansa.it

Beyoncé è troppo bianca. Questa è la polemica in corso nel mondo del pop, innescata dalla foto di copertina dell’ultimo album della cantantante afroamericana.

Nell’immagine, Beyoncé appare ritratta in una sensuale mise: un costume leopardato molto sexy che fa risaltare una pella decisamente bianca.

Il dibattito si è acceso nei blog e nei social network. C’è chi accusa la popstar di aver tradito le proprie origini, negando la sua appartenenza alla comunità afro americana. Ma non è la prima volta che Beyoncé appare troppo “pallida” in immagini pubbliche.

Già nel 2008 ci fu un certo clamore perché Beyoncé, allora testimonial l’Oreal, in occasione di una campagna pubblicitaria di un prodotto della linea, si mostrava con la pelle schiarita ed i capelli biondi. Identico copione che si è proposto anche l’anno scorso quando vennero divulgate alcune foto di accompagnamento al nuovo album 4.

Ora si replica ancora ma questa volta a rendere ancora più saporita la polemica per giornali di gossip & Co., oltre allo scatto, c’è anche la voce dell’esperto. O meglio degli esperti, specialisti dermatologi il cui parere sarebbe il seguente: a schiarire la pelle della regina del pop non sarebbero un paio di gradazioni in meno di Photoshop, ma un mix di medicinali. Una cura a base di acido cogico e didrossibenzene, sostanze capaci di alterare la pigmentazione dell’epidermide in virtù del loro potere “schiarente”. Verità o trovata pubblicitaria per il lancio del nuovo disco è difficile dirlo. Certo è che le sostanze non sono del tutto sconosciute al largo pubblico.

Anche Michael Jackson, anni fa, era stato additato come un grande consumatore del mix farmaceutico proprio con lo scopo di sbiancare la tonalità della pelle ritenuta troppo scura. Pare fosse la sua più tenace ossessione.

Chantal Cresta

Foto || ansa.it; ilcorriere.it

Giunto alla sua quattordicesima edizione, l’Heineken Jammin’ Festival 2012 si trasferisce nel capoluogo lombardo dopo diverse edizioni in cui la kermesse si è svolta al Parco San Giuliano di Mestre. Cambia la location ma la formula del festival rimane immutata: tre giorni di grande musica con gli artisti più importanti del panorama italiano ed internazionale.

Roberto De Luca, esponente dei vertici di Live Nation, dichiara: «Quelle a Parco San Giuliano sono state 4 edizioni indimenticabili. Abbiamo organizzato con il pubblico di Mestre delle serate davvero speciali. Heineken Jammin’ Festival 2012 si sposta a Milano con il meraviglioso ricordo di un parco ed una ospitalità straordinari ma con la sicurezza di offrire, anche quest’ anno, un cartellone davvero sensazionale e unico per il pubblico italiano, che sarà presentato insieme ad Heineken nelle prossime settimane».

The Cure

La scaletta delle band è ancora tutta da confermare. Oggi però è arrivato il comunicato che i The Cure saranno presenti il giorno 7 luglio. Due giorni fa sono circolate le prime indiscrezioni riguardo ad un tour europeo della band capitanata da Robert Smith, e oggi è arrivata la conferma di due concerti in Italia. Infatti, oltre alla partecipazione al festival milanese, la band suonerà anche due giorni dopo a Roma, ospite del Rock in Roma all’Ippodromo Capannelle.

Alberto Staiz

Nati nella firenze dell’esplosione wave dei primi anni ’80, gli stessi Litfiba, però, farebbero bene a non dimenticarsi di aver avuto molto da spartire con i Diaframma del sempreverde Federico Fiumani, anche loro in arrivo sugli scaffali dei negozi di dischi con il nuovo interessantissimo lavoro in studio Niente di serio, ennesima importante autoproduzione (ormai marchio di fabbrica della band toscana nonché unica via per prestare etrnamente fede alla propria essenza creativa in perenne divenire) anch’essa molto lontana dall’epoca (andata) di capolavori come Siberia ma ormai annoverata nel limbo delle migliori espressioni rock nostrane. Dopo tre anni dal precedente e notevole Difficile da trovare, dunque, Fiumani e soci tornano alla ribalta con un mai perduto appiglio punk che ha sempre caratterizzato la band con estrema sincerità sia nella composizione strumentale dei brani che nell’espressione di quanto più puro ci sia da poter espletare. Malgrado appaiano comunque saltuari spunti di matrice wave, qualità comunque mai completamente estinta, il disco dimostra come i Diaframma, malgrado l’eterna convivenza con un circuito mediatico mai veramente favorevole tranne rare eccezioni, sono stati e restano tuttora una delle migliori band in assoluto nel panorama musicale italiano.

Trasferendoci oltremanica, invece, incontriamo con piacere un’altra band molto importante, anche se di genere completamente differente. Sono tornati nei negozi di dischi, infatti, anche i New Order, stavolta con un documento dal vivo, vale a dire Live at the troxy. Nati nei primi ’80 dalle ceneri dei Joy Division, anche un po’ per elaborare il terribile lutto che convolse i membri in seguito al suicidio del ventitreenne e ormai mitico frontman e (soprattutto) oscuro paroliere Ian Curtis, Bernard Sumner, Peter Hook e Stephen Morris documentano con questo doppio disco una carriera trentennale fatta di sperimentazioni ed incursioni pop comunque dotate di una importante qualità legata a capacità di arrangiamento con pochi pari. Nonostante il continuo prendersi e lasciarsi, sa legale che personale, i tre leader hanno ritrovato, nel corso degli ultimi due anni, una freschezza emotiva e compositiva che ha permesso loro di tornare alla ribalta con una voglia di imporsi prossima a quella di un esordiente. Largo dunque ad un vero e proprio revival con brani ormai quasi storici come la celeberrima True faith o Regret e Blue monday, senza però dimenticare brani meno noti ma comunque validi come Elegia o 586 e, nota delle note, importanti recuperi dal periodo Joy Division come la storica Love will tear us apart e Ceremony, uno degli ultimissimi tocchi di penna con firma Curtis.

Buon ascolto.

Stefano Gallone

Si scaldano i motori per Sanremo 2012 (rockol.it)

Un po’ di maretta intorno ai protagonisti del festival di Sanremo, anzi, non proprio protagonisti a dire il vero. E’ il caso di Marcella Bella, agguerrita contro il festival della canzone italiana proprio per essere stata esclusa dalla lizza dei big in gara, e della vedova del grande Lucio Battisti, contraria all’omaggio che al cantautore stanno preparando due giovani artiste, Emma e Noemi.

Marcella aveva proposto il suo brano L’amore che ho dentro in duetto con la spagnola Monica Naranjo, ma l’artista non è entrata nella lista e così si è ‘lamentata’ riguardo il comportamento di Morandi: «Gli costava tanto farmi una telefonata per dirmi che non mi avrebbe incluso nel cast dei big?». Riguardo la vedova Battisti il suo disappunto – e la sua diffida – concerne le esibizioni di Emma e Noemi. La prima dovrebbe cantare con con Gary Go la famosa Paradiso, mentre la seconda vorrebbe proporre Amarsi un po’ insieme a Sarah Jane Morris.

Le nuove polemiche piovono sul teatro Ariston che si sta preparando all’edizione 2012 non certo in clima sereno, visto che gli organizzatori hanno dovuto anche aprire una verifica sul regolamento in seguito ad un fatto: il manager di Daniele Magro ha infatti, negli ultimi giorni, denunciato il brano di una delle ultime ‘ammesse’ alla gara, Chiara Civello, in quanto non inedito ma già eseguito in pubblico. Il direttore artistico Mazzi ha replicato dicendo che il regolamente del festival è un po’ cambiato negli ultimi anni, per cui dubbio è l’uso di termini come ‘nuovo’ e ‘inedito’.

Che dire poi del giudizio di Enzo Iacchetti su Sanremo Social («Una porcata») e delle chiacchiere sul brano della strana coppia D’Alessio-Bertè, anche quella già data in pasto al pubblico su Youtube? Tutto contribuisce a far parlare dell’evento e accrescere l’attesa.

La gestione dei ‘problemi’ interni non impedisce di continuare a lavorare per definire i superospiti internazionali: Stevie Wonder sembra ormai una certezza, mentre continua la ‘trattaviva’ con Adele; di Madonna il direttore artistico Gianmarco Mazzi ha detto «La teniamo sotto controllo». Il sogno di Morandi però, si sa, è Lady Gaga, mentre è assodato che non ci sarà Anastacia.

Ma l’ospite più attesso è il Celentano nazionale che – pare – avrà assoluta ‘carta bianca’, compresa la serata in cui presentarsi, a sorpresa. Morandi l’ha addirittura invitato a cantare, ma Adriano Celentano ha prontamente risposto: «Gianni, adesso non esagerare! Comunque non avete la minima idea di ciò che farò a Sanremo, mi piacerebbe entrare nella vostra testa per sapere se vi avvicinate!».

Laura Dabbene

foto www.wakeupnews.eu

I Marlene Kuntz: Riccardo Tesio, Luca Bergia, Cristiano Godano

ROMA – Questo pomeriggio, a L’arena, spazio di Domenica in condotto da Massimo Giletti, Gianni Morandi, nelle vesti di presentatore dell”imminente nuova edizione del Festival di Sanremo, ha annunciato i quattro ed ultimi nomi mancanti nella lista dei partecipanti.

Si tratta, in sostanza, di Chiara Civello (artista jazz nota non in Italia quanto all’estero) con il brano Al posto del mondo, la stranissima coppia Gigi D’Alessio / Loredana Bertè con Respirare, il sempiterno Eugenio Finardi con E tu lo chiami Dio e, notizia già nell’aria nelle ultime settimane, Marlene Kuntz con Canzone per un figlio.

Tra gli altri partecipanti: Irene Fornaciari (Il mio grande mistero), Dolcenera (Ci vediamo a casa), Samuele Bersani (Un pallone), Nina Zilli (Per sempre), Pierdavide Carone (Nani), Emma Marrone (Non è l’Inferno), Matia Bazar (Sei tu), Noemi (Sono solo parole), Francesco Renga (La tua Bellezza), Arisa (La notte).

Per chi avesse il desiderio di assistere di persona al Festival, la prevendita degli abbonamenti ha avuto inizio il 10 gennaio al prezzo di 520 euro ciascuno. I biglietti per le singole serate invece, sono già disponibili direttamente presso i botteghini del Teatro Ariston di Sanremo (platea settore unico per le prime quattro serate, euro 180 ciascuna; per la quinta serata, euro 660; per il settore galleria per le prime quattro serate, euro 100 ciascuna; per la quinta serata, euro 320).

Curiosità per gli appassionati della band in questione: visti alcuni frastornanti precedenti (è il caso della partecipazione al Festival degli Afterhours sotto la conduzione di Paolo Bonolis, evento che scatenò crude proteste e violente divisioni concettuali tra i fan del gruppo di Manuel Agnelli), i Marlene Kuntz (che di fan ne hanno già persi molti e acquistati altrettanti in seguito ad un diametrale cambio di stile e tono, dall’indipendenza dei primi fondamentali album, Catartica, Il vile e Ho ucciso Paranoia, al mainstream più recente) hanno immediatamente inserito sul loro sito web ufficiale un breve comunicato che spiega le intenzioni di Cristiano Godano e soci, oltre ai motivi che li hanno condotti alla scelta di candidarsi alla partecipazione. Questo è quanto si legge nella nota “Andiamo a Sanremo”:

«Siamo un gruppo che ha sempre cercato di non precludersi la possibilità di sperimentare nuovi approcci, assecondando la curiosità piuttosto che il calcolo. Andare a Sanremo per certi versi ha a che fare, anche, con la curiosità di cimentarsi in qualcosa di nuovo che ci potrebbe divertire. Spesso, per contro, il non andare a Sanremo da parte di certi gruppi non ha esattamente a che fare con una sorta di intransigenza o snobismo che vieta l’eventualità di mescolarsi con artisti che non si apprezza, ma con il calcolo di evitare di nuocere al proprio pubblico (più precisamente: di evitare che il proprio pubblico ti diventi nemico… E chissà poi perché il tuo pubblico dovrebbe diventarti nemico). Esattamente come qualsiasi gruppo si può imporre di non fare certe cose perché potrebbero rovinargli una carriera: cosa ampiamente ragionevole, se si pensa se un giorno noi desiderassimo, ad esempio, fare delle canzoncine allegre, del tutto pop, commerciali, argute o meno che fossero, per puro divertimento: perché no, se non per il fatto che il tuo pubblico letteralmente ti massacrerebbe? Ma questo tipo di calcolo non è forse più emblematico del senso della “marchetta” rispetto al fare e sperimentare ciò che si vuole? Ci daranno dei marchettari per il nostro andare a Sanremo, ma non è forse più marchettaro fare ciò che il tuo pubblico si aspetta da te per puro calcolo?».

(Foto: mondoinformazione.com / cdn.blogosfere.it)

Stefano Gallone

]]> http://www.wakeupnews.eu/sanremo-morandi-annuncia-gli-ultimi-quattro-partecipanti/feed/ 0 http://www.wakeupnews.eu/vasco-contro-ligabue-il-blasco-ora-dice-basta-io-meglio-sul-palco-lui-nella-vita/ http://www.wakeupnews.eu/vasco-contro-ligabue-il-blasco-ora-dice-basta-io-meglio-sul-palco-lui-nella-vita/#comments Sat, 14 Jan 2012 18:15:10 +0000 Francesco Guarino http://www.wakeupnews.eu/?p=69547 Una puntata del Chiambretti Night dedicata allo scontro-rock che ha riempito le pagine di quotidiani e web in questi mesi: Vasco contro Ligabue. Fan club avvisati alla ricerca di ragazzi per perorare ognuno la causa del proprio idolo e (forse) anche qualche telefonata ai diretti interessati. Uno dei due, però, la sua sentenza l’ha già espressa: s’è stufato del confronto. La cosa curiosa, però, è che dei due ad alzare la voce e dire basta è stato proprio Vasco Rossi, dai cui strali su Facebook negli scorsi mesi è partita la lotta a suon di frecciate unilaterali e fuoco incrociato tra i fan.

In settimana, nello show condotto da Piero Chiambretti, andrà in onda infatti un confronto tra fan di Ligabue e Vasco Rossi, probabilmente per trasportare sul piccolo schermo – che alla materia è avvezzo – un po’ dell’indegna gazzarra che negli ultimi tempi si è vista solo nel web a suon di insulti e più o meno improbabili confronti.

Poco più di un’ora fa, però, il rocker di Zocca ha voluto dire la sua sull’arena televisiva organizzata da Chiambretti, che sta registrando la puntata proprio in queste ore. «Ancora …. Ma sempre solo noi due tra l’altro. Ma vogliamo sfidarci un po – recita testualmente Vasco in una nota firmata sulla propria pagina Facebook – anche io e morgan battiato o baglioni. Va be è questa la sfida che …..tira. Ma cosa abbiamo fatto di male noi due poveri cristi per vederci ridotti ogni volta a questi confronti inutili ma soprattutto stupidi».

Una posizione abbastanza sorprendente da parte del Blasco, che finalmente sembra essersi stancato – per quanto possa dirsi seccato dalla cosa, essendone stato fautore in prima persona – di trovarsi nel mezzo della lotta tra i due mostri sacri del rock italiano. «Noi non siamo cavalli da corsa – prosegue Vasco – o galli da combattimento. Siamo ARTISTI per dio e facciamo dell’Arte. NON delle gare o delle corse. Dovete smetterla di sminuire e umiliare così il nostro impegno e il nostro lavoro. Fatele pure queste disfide…se vi divertono. Io vinco sempre. Sono uno stronzo e me ne frego».

Parole tutt’altro che di fuoco per il “rivale Liga” nel proseguio della nota: «Rinnovo stima per ligabue. Non esiste alcuna antipatia odio o rivalità tra me e lui La nostra è tutta una finta commedia [...] Lui è un bravo artista…uno dei migliori della sua generazione. Io faccio parte di un’altra….Abbiamo poco in comune se non il linguaggio del rock e l’amore per le “chitarre”…Anche a lui disturba essere sempre paragonato a me».

La conclusione, però, è nel tipico stile irriverente e orgoglioso del Komandante: «Quando sono partito nei primi anni ottanta ho preso schiaffi per cinque o sei anni…lui questo non l’ha dovuta passare. Questa cosa da un lato mi fa incazzare ma dall’altro devo anche ringraziare quella lunga gavetta. Mi ha fatto diventare il migliore sul ….palco. Non sul campo però…nella vita, dove probabilmente se la cava meglio lui».

In verità la conclusione vera e propria è per Chiambretti («E adesso …avanti un altro. Ci sono insulti per tutti …anche per te Chiambretti!!!»), ma la presa di posizione di Vasco sulla rivalità che ha infiammato la seconda metà del 2011 potrebbe finalmente scrivere la parola fine al botta e (poca) risposta sulla strada tra Zocca e Correggio. Ci voleva Pierino la peste per far sbottare il più famoso dei signor Rossi e provare a mettere una pietra sopra a 12 mesi di web-war? Che la parola torni, speriamo definitivamente, alle chitarre.

Francesco Guarino

Milano

Ma non c’è solo musica nel suo passato, presente e futuro: Stefano Piro si è dedicato anche ad importanti film documentari, come “Standing Army”, sulle basi americane nel mondo, e a spettacoli teatrali, come ““Revolver a La Milonga” (testo drammatico, interpretato da Angela Quaquarella e Mauro Rossi).

In uscita, da gennaio, il suo nuovo disco “Forme di vita del genere umano a colori”: vista la tempistica, ne abbiamo approfittato per fare quattro chiacchiere insieme.

Su cosa sarà incentrato il suo nuovo album?
Sul punto di vista più lontano possibile: avrà tratti ironici, ma duri nel loro concetto. Sento la necessità di trasmettere energia e opinioni anche sul sociale. Guardando da lontano la nostra piccolezza, immaginando, salta più all’occhio l’importanza di ogni singola esistenza: sono intristito nel vedere il mondo lasciarsi andare, senza più il minimo rispetto per se stesso.

Perché questo titolo “Forme di vita del genere umano a colori”?
Perché ogni canzone è abbinata ad un colore, ad una tinta del nostro vivere, per concludersi poi con la dolce follia nel bianco.

Ci sono canzoni a cui è più affezionato e, se sì, perché?
No, tengo a tutti i brani scritti: in ognuno, c’è un’emozione eternizzata.

Si è dedicato ad importanti documentari sulle basi americane nel mondo, come “Standing Army”: da che cosa è nato questo progetto?
Tutto è nato dalla mia fraterna collaborazione con Enrico Parenti, uomo che stimo molto: lui dà le immagini alle mie musiche, io le musiche alle sue immagini. Standing Army è scioccante e, purtroppo, è realissimo.

Per concludere, su quali progetti si concentrerà ora?
Concerti, uno spettacolo teatrale di tango, il nuovo disco degli Arm on Stage, un nuovo grande progetto con Enrico Parenti (di cui non posso dire niente) e una produzione molto particolare Neripè.

Nadia Galliano

Foto || via paroleedintorni

Curiosando tra gli scaffali dei negozi di dischi, invece, restiamo rapiti dalla riedizione di uno dei dischi più belli della storia, proveniente da una delle band probabilmente più estroverse e creative almeno del periodo di riferimento. È fresco di ristampa, infatti, il favoloso L.A.Woman, ultimo disco in studio dei mitici Doors con “the Lizard King” Jim Morrison come frontman. Festeggiando i 40 anni dall’uscita, dunque, Ray Manzarek, Robby Krieger e John Densmore colgono l’occasione di dare alle stampe, anche loro, molto materiale extra. A detta di Krieger, dunque, «abbiamo trovato dei passaggi e delle versioni diverse della maggior parte delle canzoni: le includeremo nel cofanetto insieme all’album originale in versione rimasterizzata». Saranno due bonus disc, allora, a comprendere versioni differenti e brani inediti dal sapore succulento per i collezionisti o gli appassionati della storica band californiana. Insomma, pare proprio che l’oggetto avrà un bel po’ di materiale su cui poter perdere un del tempo a girovagare tra outtakes e versioni alternative, tra le quali l’inedita She smells so nice, una pura chicca blues per i più longevi ammiratori della band, malgrado si tratti di una registrazione di discutibile qualità vocale, visto un Morrison probabilmente non proprio al meglio delle sue condizioni fisiche (morirà di lì a poco). Ad ogni modo, si tratta comunque del primo vero inedito proveniente dalla band da quarant’anni a questa parte, il cui recupero sembra essere stato opera del Bruce Botnick nel momento in cui proprio lui stava riascoltando il materiale in luce di una successiva riedizione del disco. In aggiunta a tutto questo, verrà pubblicato anche il DVD Mr. Mojo Risin’: the story of L.A.Woman, un film documentario che ritrae Morrison e soci durante le session idi registrazione del disco e in sede live.

A dare, invece, una nuova svegliata al proprio archivio, malgrado anni e anni passati ad annunciare e smentire scioglimenti e progetti alternativi, il signor Robert Smith dona alle stampe un documento dal vivo dei suoi Cure, ovvero Bestival live 2011, doppio disco a cui viene affidato il compito di trascrivere in musica quanto avvenuto sul palco, appunto, del Bestival, manifestazione artistica tenuta lo scorso 10 settembre presso l’isola di Wight. In attesa di un già annunciato nuovo disco di inediti, dunque, la storica post punk / dark band inglese si espone con un disco che, malgrado non presenti tasselli inediti, appare comunque di rilevante importanza visto il rientro del tastierista Roger O’Donnel (militante nella band in due scaglioni: dal 1987 al 1990 e dal 1995 al 2005), oltre alla presenza in scaletta di un brano praticamente mai eseguito in sede live per la bellezza di almeno vent’anni (The caterpillar dall’album The top) e un altro elemento che vuole il concerto stesso come una (la prima) delle sole due date tenute in Europa nel corso dell’intero 2011. Nel ben selezionato amalgama costituito da ben 32 brani, dunque, largo spazio hanno sia tasselli di vecchia data rispolverati che veri r propri cavalli di battaglia come Lullaby, Fascination street, A forest, One hundred years o la stessa Disintegration.

Buon ascolto.

Stefano Gallone

Van Halen

Il quartetto capitanato dai fratelli Van Halen appare in gran forma e i problemi di salute e di dipendenze da alcool sembrerebbero superati. Tattoo farà sicuramente contenti i fan della band californiana: David Lee Roth è tornato in formazione (l’ultimo album in cui cantò fu il famosissimo 1984) e gigioneggia come al solito, seppur invecchiato. I fratelli Van Halen sono musicalmente una garanzia di qualità sulla quale non si può discutere. Molta curiosità anche attorno a Wolfgang Van Halen, ventenne figlio di Eddie, che debutta ufficialmente nella band del padre come bassista, al posto del defezionario Michael Anthony.

Tattoo possiede il classico sound Van Halen: una produzione eccellente (soprattutto nei suoi di chitarra pieni e taglienti), batteria grassa e potente, un assolo in tapping come da tradizione di Eddie Van Halen, e un basso pulsante e corposo.

L’attesa per l’uscita dell’album è alta e si vocifera di un tour europeo che toccherebbe anche l’Italia la prossima estate, in quello che potrebbe essere il concerto rock dell’anno.

Alberto Staiz