di Laura Dabbene

Roma – Domenica 5 settembre, in occasione della Giornata Europea della Cultura Ebraica, la Biblioteca Casanatense di Roma ha aperto le porte del proprio Salone monumentale per presentare una preziosa esposizione di volumi provenienti dal fondo ebraico conservato nella biblioteca stessa.

Su invito dell’Ascer, l’Archivio Storico della Comunità Ebraica di Roma, si deve alla Dott.ssa Margherita Palumbo l’allestimento di un percorso espositivo che permette di approfondire la conoscenza sia della formazione del fondo ebraico della Casanatense, che dell’attività di controllo e censura esercitata dalla Santa Sede, attraverso la Congregazione dell’Indice e del Sant’Uffizio, sulla vita e sull’attività della comunità ebraica di Roma.

L’esistenza della biblioteca e quella degli organi sopra menzionati si intrecciano infatti attraverso la figura di Girolamo Casanate (1620-1700): membro del Sant’Uffizio e cardinale inquisitore, a volere nel la nascita di questa biblioteca romana e di un annesso Collegio di teologi «al servizio di Dio nella difesa della sana dottrina». Si spiega così la ricchezza del fondo librario ebraico e la sua particolare natura: si tratta principalmente di volumi d’uso e di studio, di manuali ed opere importanti soprattutto per il loro contenuto, sulla cui ortodossia occorreva vigilare. Non mancano pezzi di spicco per bellezza e ricchezza del sistema illustrativo, come il manoscritto di XV secolo con il testo del II ordine dell’Arba ‘ah Tûrîm di Ya’ Aqou Ben Asěr (ms. 3096), affine alle opere uscite dalla bottega del miniatore Bonifacio Bembo di Cremona. «I libri ebraici più preziosamente miniati o decorati provenienti da requisizioni e confische – precisa la Dott.ssa Palumbo – si trovano alla Biblioteca Vaticana, perché già parte della biblioteca del Pontefice: erano quelli più belli ed avevano quasi un valore simbolico di trofei».

La mostra è articolata in diverse sezioni, tutte complementari nel restituire informazioni sulla storia interna della biblioteca, ma anche della città di Roma e della comunità ebraica ivi stanziata.

L'Index librorum prohibitorum del 1559

Nella parte introduttiva iniziale sono visibili la Bolla papale di Giulio III (1554) e due dei tre Editti sopra gli Ebrei emanati dall’autorità pontificia tra il 1733 e il 1775: si tratta di documenti fondamentali per capire la normativa nei confronti della comunità e soprattutto per cogliere come i libri fossero fin dall’inizio bersaglio privilegiato della censura delle autorità religiose. Norme severissime sono promulgate per proibire o limitare il possesso di libri, in particolare del Talmud, l’essenza dell’esegesi biblica giudaica: una delle accuse rivolte agli Ebrei era proprio quella di essere più attenti all’interpretazione del testo biblico che non alla Bibbia stessa. Il Talmud entra naturalmente nell’Indice dei libri proibiti, di cui è esposta una copia della prima edizione del 1559. Gli anni a ridosso dei tre editti menzionati sono quelli delle grandi confische di beni librari in molte città dello Stato Pontificio, non solo nel Lazio, ma anche nelle Marche e in Emilia. «Su molti volumi della biblioteca – continua la Dott.ssa Palumbo – ho potuto rinvenire note di possesso di famiglie ferraresi».

L’esposizione continua e si focalizza sui libri ebraici del fondo Casanatense e sulla figura di Giovanni Antonio Costanzi, un ebreo convertito di cui si hanno poche notizie, ma che svolse l’attività di censore e revisore di libri per la Congregazione del Sant’Uffizio e grazie al quale, tra 1738 e 1769, entrarono nella biblioteca la maggior parte dei volumi del fondo. Si possono vedere il registro manoscritto delle acquisizioni bibliotecarie (ms. Cas. 480), spesso completo di annotazioni sulla provenienza e il costo di ogni pezzo, e a seguire esempi di libri con segni di censura o con la sottoscrizioni di Costanzi: la firma era la sigla dell’avvenuto controllo e attestazione che l’oggetto poteva restare ai legittimi proprietari.

Tra i pezzi più belli ed originali due rotoli manoscritti della Meghilla di Ester, di cui uno scritto su cuoio, ed uno membranaceo (ms. 4851) databile al secolo XIV-XV impreziosito da un fregio a colori con illustrazione dei diversi episodi narrati nel testo. Curiosissima tipologia materiale è anche quella di un altro manoscritto, sempre in pergamena, della Mahazor di rito romano (ms. 4853; secolo XIII): questo insieme di preghiere e prescrizioni è raccolto in un volume di piccolo formato i cui fogli sono chiusi tra due placche di metallo, il tutto racchiuso in una scatola protettiva  in cuoio. Di interesse anche la cosiddetta Haggadah Casanatense (ms. 2761), manoscritto di XIV secolo che entra in biblioteca nel 1742 e viene integrato in alcune pagine dallo stesso Costanzi: l’importanza della sua figura risiede anche nel fatto che era molto difficile allora trovare qualcuno che conoscesse l’ebraico in grado di comprendere i testi scritti.

Quello linguistico fu sempre un punto debole nel sistema di censura della Santa Sede perché l’ebraico era difficilmente accessibile per tutti coloro che non appartenevano alla comunità ebraica. «All’interno del ghetto invece – illustra Giancarlo Spizzichino, storico già Direttore dell’Ascer e presente all’apertura della mostra – già nel Cinquecento esisteva una scuola per i giovani, dove altissimo era il livello di insegnamento sia della lingua sia dei testi della tradizione religiosa. Tutti i membri della comunità conoscevano l’ebraico e sapevano leggerne i testi».

Sulla sezione della mostra dedicata al Costanzi spende qualche parola anche l’attuale direttrice dell’Archivio storico della Comunità Ebraica di Roma, la Dott.ssa Silvia Antonucci, per la presenza di un eccezionale documento, rinvenuto pochi giorni fa, che lo riguarda: si tratta di una ricevuta di pagamento a Costanzi per la sua attività di censore e revisore di testi datata 1781.

Dopo una serie di volumi provenienti dalle sinagoghe, dalle scuole della comunità ebraica, dalla Scola Nova e dal Collegio dei Neofiti, due sezioni finali. Prima libri a stampa e codici già appartenenti al Sant’Uffizio e poi alcune copie del Talmud, tra cui quella stampata dal tipografo Froben di Basilea nel 1758-1781: è il caso più noto di Talmud espurgato dalle autorità censorie e poi dato alle stampe, famoso non solo per la pessima qualità del controllo testuale, ma anche per il clamoroso insuccesso commerciale che rappresentò per il tipografo.

Quella allestita alla Biblioteca Casanatense, visitabile ancora oggi lunedì 6 settembre, è una mostra di grande valore non solo per approfondire la conoscenza della cultura ebraica, ma per comprendere alcune dinamiche censorie messe in atto da alcune autorità per limitarne e tenerne sotto controllo altre e come queste colpissero gli strumenti chiave della trasmissione delle idee: i libri. Il libro insomma faceva paura per la sua forza e per il potere della parola ivi contenuta: succede ancora oggi ed è compito di tutti lottare contro ogni tentativo di controllarne o impedirne la circolazione. Senza censure.

FOTO/ via http://rivista.ssef.it; www.veja.it; http://rmc.library.cornell.edu; www.beatrome.it

di Adriano Ferrarato

Locandina

«La vita ci butta giù, ma siamo noi a decidere se o no rialzarci». Con queste parole il signor Han (Jackie Chan) spiega al giovane dodicenne di Detroit Dre Parker (Jaden Smith) il senso del Kung Fu, l’arte marziale che racchiude nella sua splendida estetica l’essenza stessa dell’esistenza umana.

E il ragazzino americano ha assolutamente bisogno di sapere tutto questo, perché si è appena trasferito con sua madre (Taraji P. Henson) in Cina e in poco tempo ha conosciuto una bellissima fanciulla che suona il violino, Mei Ying, ma si è dovuto scontrare da subito con una cultura troppo differente dalla sua e soprattutto è stato preso di mira da un gruppo di bulli che continuano a vessarlo di prepotenze e che ora dovrà affrontare in un grande torneo per non avere più paura di loro. Ecco perché mister Han, un misterioso “uomo della manutenzione” scorbutico quanto esperto in tecniche di combattimento e dal passato drammaticamente oscuro, decide di istruirlo e aiutarlo.

Remake del celebratissimo film interpretato nel 1984 da Ralph Macchio e Noryiuki Pat Morita, “Karate Kid-la leggenda continua” è una pellicola perfettamente riuscita e coinvolgente. I protagonisti stavolta sono molto più giovani rispetto alla fortunata serie cinematografica degli anni Ottanta, ma lo spessore e la profondità degli attori è ancora più elevata e le immagini incantano. La macchina da presa passa infatti nell’arco dei 140 minuti di film a dialoghi di grande sensibilità, visioni idilliache della Cina (meravigliose le scene girate sulla Grande Muraglia e nel tempio dove Han darà al piccolo Dre alcune lezioni) e fotografie di vita quotidiana.

Per non parlare poi delle scene di duello, che visivamente colpiscono ed esaltano la bellezza della filosofia del Kung Fu e dei suoi stretti legami con la natura: esemplare a tale proposito il momento della donna intenta a confrontarsi con un terribile cobra e le sequenze di tecniche, proiezioni,evoluzioni in aria degli sfidanti del torneo. L’arte marziale è spettacolarizzata ed esaltata ai suoi massimi livelli.

Il fenomeno Jaden Smith

La scelta del cast è assai indovinata, partendo proprio da Jaden Smith, figlio d’arte dell’ancor più noto Will Smith (Il principe di Bel Air, Independence day, Man in Black, Io sono leggenda, La ricerca della felicità) che dimostra già di avere un ottimo talento oltre ad una scioltezza atletica e ritmica senza precedenti. Scaltro, simpatico,e a volte anche leggermente volgare, il personaggio di Dre mostra le difficoltà che un bambino di dodici anni incontrerebbe nel cambiare in poco tempo la nazione in cui vivere e i disagi nel rapportarsi con coetanei di praticamente opposta estrazione culturale e linguistica. Il piccolo Smith è però anche assai bravo nelle scene più espressive che richiedono molta serietà e una buona dose di lacrime credibili.

Chi tuttavia aveva il compito più difficile era senz’altro Jackie Chan, chiamato in causa per interpretare un ruolo il cui predecessore aveva fatto dello stranoto Myagi un mito.

Se l’è cavata tuttavia alla grande, e se il pubblico era abituato ai suoi film d’azione più o meno comici (ricordiamo in Tv “Lo smoking”), vederlo cimentarsi in una parte più impegnata non ha assolutamente sollevato alcun dubbio o perplessità sul suo ottimo lavoro e anzi, sotto alcuni punti di vista è riuscito a dare ancora più sensibilità alla figura carismatica del “maestro”, che nel film diviene quasi un padre per il giovane Dre nonché una guida per la sua vita.

Mister Han risulta essere un personaggio complesso altamente espressivo, misterioso e dal sorriso non facile, che impara nuovamente a vivere dopo aver perso la sua famiglia in un tragico incidente automobilistico. E che soprattutto onora (Come è noto Jackie Chan pratica realmente il Kung Fu nella vita) alla perfezione la filosofia del combattimento leale dove non è l’entità della violenza a decidere chi è il più forte, ma chi trova l’equilibrio tra le cose.

Jackie Chan

La pellicola migliora l’opera del passato, ampliandone i contesti, insistendo maggiormente sulle dinamiche relazionali tra gli attori messi in campo. Importante, anche se marginale, il ruolo della madre di Dre, quasi mai in grado di comprendere le difficoltà del figlio ma che nello stesso tempo si prodiga per aiutarlo ad ambientarsi. Una nota di demerito va invece all’attrice che interpreta Mey Ling, il cui personaggio, una bambina alle prese con il suo primo saggio importante (e innamorata del giovane americano con le treccine) da violinista di fronte al padre e alla madre, non mostra quell’impatto che il suo ruolo richiederebbe.

“Karate Kid- La leggenda continua” risulta così essere un film gradevolissimo ed indicato a tutti, grandi e piccini, per coloro che spesso passano l’intera esistenza agli ordini delle cattiverie degli altri pagando continuamente dazio senza mai avere il coraggio di ribellarsi. Un ammonimento a non arrendersi mai e a lottare quando la causa che si persegue è giusta. Ed è anche una importante chiave di lettura delle discipline di lotta, viste come realmente sono: più intelligenti che violente. Prima di combattere bisogna essere educati a farlo.

di Francesco Guarino

La locandina originale di Thom Pain (Vancouverplays.com)

CASERTA VECCHIA - Il palco è buio e Thom Pain lo invade senza né preavviso né applausi. È illuminato a scatti dalla luce intermittente di un accendino, mentre tortura una sigaretta nel vano tentativo di accenderla. I polmoni gli s’ingrossano e soffiano sui presenti l’aria immobile del borgo. La lingua schiocca contro il palato facendo vibrare come corde di violino i timpani in platea. La testa è perennemente inclinata sulla spalla sinistra ed Elio-Thom chiederà più avanti «Vi dà fastidio se guardo sempre a est?», ma non è altro che una delle infinite domande retoriche di un uomo tormentato, al quale non interessa la risposta e che, se può, si pente immediatamente anche della domanda. Will Eno nel 2004 ha scritto uno small masterpiece (Charles Isherwood, NY Times), consacrato definitivamente al rango di capolavoro con l’inclusione nella rosa dei finalisti del Premio Pulitzer 2005 per la sezione drammaturgia; Elio Germano ha raccolto la difficile duplice sfida della regia e messa in scena italiana di Thom Pain (based on nothing) e l’ha vinta con ampio margine di distacco.

IL DOLORE, IL TEMPO, IL TORMENTO – Al Festival Settembre al Borgo di Caserta Vecchia, il Thom Pain di Elio Germano cattura lentamente. Maltrattato dal tecnico delle luci che ne ignora le richieste, sbeffeggiato dal pubblico che ride delle sue incongruenze, Thom prova a raccontare una storia di sofferenza attraverso i gesti apparentemente senza senso di un bambino vestito da Tex Willer. Germano corre precipitosamente, sia sul palco che nella storia, ora arricchendo il racconto di particolari macabri o insignificanti, ora contraddicendosi senza troppo curarsi dell’effetto destabilizzante delle proprie parole. Il bambino gioca felice senza curarsi dell’orrore in cui vive, poi cresce ed è un adulto che soffre terribilmente per l’amore di una donna, mai conosciuta davvero eppure amata alla follia. Thom Pain si fa beffe del tempo ed allo stesso tempo ne è ossessionato: invoca a più riprese il pubblico, ma non concede ad esso il tempo di organizzare una reazione lucida, perché ne teme la reazione. «Cosa fareste se vi restassero 30 secondi da vivere? Sareste sinceri…», domanda e risponde autonomamente, negando il diritto di replica. «E se invece vi dicessero che vi restano 40 anni? Ve lo dico io, attendereste senza far nulla. Ed è assurdo». Germano-Pain evoca immagini, crea suggestioni e le infrange con impeto joyceiano in un flusso di coscienza veemente, che a più riprese toglie allo spettatore le poche certezze rimaste. L’unica, incontrovertibile sicurezza è il dolore: il bambino della storia, violentato sulla pelle da uno sciame di api e nel profondo del cuore dalle durezza della vita, è proprio lui, Thom Pain. Ed il dolore con cui convive non sparisce assieme a lui con il buio scenico di fine spettacolo, ma aleggia confuso a mezz’aria, poco sopra le teste degli spettatori splendidamente inebetiti.

Elio Germano con la Palma d'Oro vinta a Cannes (Elle.it)

FACCIA A FACCIA CON ELIO GERMANO – Incontriamo Elio a fine spettacolo: si concede volentieri a qualche domanda nei camerini improvvisati dietro le quinte. Ha smesso gli abiti sciattamente eleganti di Thom Pain e si è infilato una maglietta rossa. Sorseggia stravolto una bevanda energetica, ma è lucido e cordiale. Nelle note di regia ha scritto: “Thom Pain è un uomo solo, che soffre sotto il tiro delle luci del palco. Ha parole che non suonano come le battute di un testo teatrale, ma hanno il linguaggio e la forza di un uomo che parla, mettendosi in fila […] continuamente sospeso tra memoria e paura. Credo che questo testo non faccia sconti a nessuno, tanto meno a me. Non puoi entrarci a meno di non essere Thom Pain.”

La difficoltà di essere Thom Pain, oltre che nell’interpretarlo, sta anche nel portare in scena un testo americano su un palco italiano?

Indubbiamente. Un testo scritto nel 2005 in America è pregno di riferimenti all’humus sociale di quel periodo e, nell’adattamento al pubblico di casa nostra, non si può non considerare lo scarso appeal che avrebbero avuto quei riferimenti, ove troppo specifici. Abbiamo dovuto lavorare (con la traduttrice Noemi Abe, ndr) per rendere il testo più adeguato possibile al contesto in cui sarebbe stato presentato, senza però snaturarne troppo il contenuto.

Difficile snaturare un personaggio così ambiguo.

Tutto sommato dover essere Thom Pain è stata una fortuna: la sua spontaneità quasi violenta suscita reazioni contrastanti nel pubblico. Stasera (ieri, 1 settembre ndr) la risposta generale è stata piuttosto ridanciana, in linea con l’indole tipica dell’uditorio campano. In altre serate, invece, lo spettacolo ha assunto toni decisamente più cupi, al limite del drammatico.

Based on nothing, basato sul niente. Con questa premessa immaginiamo che Thom Pain in scena si cibi molto di ciò che gli accade attorno, per tenere il palco con un monologo di 75 minuti. È così?

Thom Pain ed io ci nutriamo di ciò che accade serata dopo serata, ma senza eccessi. Il frutto di un singolo episodio o di un volto particolare incontrato tra le prime file non stravolge mai del tutto l’essenza del personaggio. Dà un tocco di imprevedibilità e, a volte, ci consente persino di far passare per preparate cose che non lo sono, anzi…

Anzi? Non farti pregare, scommettiamo che c’è già qualche aneddoto da condividere…

Beh, qualche sera fa all’improvviso si è spento l’impianto luci durante lo spettacolo. La gente ha pensato che fosse l’ennesima volta che Thom veniva ignorato dal tecnico, invece erano proprio saltate tutte le luci! È “piacevole” fronteggiare imprevisti con un personaggio del genere: hai ampi margini di manovra per poter recuperare e, soprattutto, non corri il rischio di annoiarti ad affrontare le oltre trenta repliche previste.

Foto homepage: Teatroecolline.it

di Chiara Campanella

Una cultura antica immersa nella modernità  attraverso itinerari, visite guidate, concerti, spettacoli, mostre, conferenze, percorsi enogastronomici, incontri e confronti. È la manifestazione che aprirà le porte del mondo ebraico domenica 5 settembre 2010 in 28 Paesi europei (Belgio, Bosnia-Herzegovina, Bulgaria, Croazia, Repubblica Ceca, Danimarca, Francia Germania, ecc.) e in 62 città italiane. La Giornata Europea della Cultura Ebraica, giunta all’undicesima edizione, quest’anno ha come filo conduttore l’Arte e l’Ebraismo, un binomio affascinante e ricco di spunti e suggestioni, considerando anche il difficile rapporto tra rappresentazione figurativa e tradizione ebraica.

La cultura ebraica vive, tutti i giorni dell’anno, di studio e di scrittura, di tradizione e di sguardo al futuro, di idee antiche e moderne, di arte, letteratura e confronti, di spettacolo e di musica. È proprio la commistione tra storia plurisecolare e aderenza alla contemporaneità che l’ha resa, nei secoli, interessante e  particolare, soprattutto da quando gli ebrei hanno potuto partecipare alla vita delle società. Tuttavia, ancora oggi, nonostante il suo positivo contributo, l’ebraismo rimane una realtà poco conosciuta. È per favorire la conoscenza che tutti gli anni, la prima domenica di settembre, in Italia e in Europa si aprono le porte di sinagoghe, musei e biblioteche, mentre nelle piazze di tante città e località si da vita ad eventi che parlano di cultura ebraica. La Giornata della Cultura è quindi un modo per far conoscere l’ebraismo italiano e europeo, per abbattere pregiudizi e stereotipi e rappresenta un’apertura verso l’Altro, in una società che dovrebbe tendere ad includere e non escludere.

L’evento è sotto l’Alto Patrocinato del presidente della Repubblica e gode del patrocinio del Ministero dei Beni Culturali, del Ministero dell’Istruzione, dell’Università e della Ricerca Scientifica e del Ministero delle Politiche Europee. Livorno quest’anno è la città scelta come capofila (dopo Trieste, Milano, Mantova e lo scorso anno Trani), un altro luogo di mare da cui partono le manifestazioni.  Il mare, infatti, ha sempre significato un punto di arrivo e partenza di genti e popoli, posto di approdo e salvezza per tanti uomini, un simbolo della libertà. Il capoluogo di provincia toscano, infatti, ha avuto una notevole importanza per quel che riguarda la storia ebraica, patria di importanti rabbini e cabbalisti, di stampatori, scrittori e artisti ebrei. Livorno diede i natali ad Amedeo Modigliani, sicuramente il più importante artista ebreo del ’900 italiano.

Il programma dettagliato è consultabile sul sito www.ucei.it/giornatadellacultura e consente di partecipare e sperimentare itinerari diversi, dai convegni, alle visite guidate dei ghetti, alla partecipazione a matrimoni nelle sinagoghe, al cibo, fino ai concerti e alle letture varie. Tra le località: Alessandria, Ancona, Asti, Biella, Bologna, Bova Marina,  Bozzolo, Carmagnola, Carpi, Casale Monferrato, Cherasco, Chieri, Cittanova, Correggio, Cuneo, Ferrara, Finale Emilia, Fiorenzuola D’Arda,  Firenze, Genova, Gorizia, Ivrea, Livorno, Lugo Di Romagna, Mantova, Merano, Milano, Modena, Moncalvo, Mondovì, Monte San Savino, Napoli, Ostiano, Padova, Roma,  Venezia, ecc… È una giornata semplice e allo stesso tempo divertente, aperta a tutti coloro che vogliono conoscere o approfondire una cultura per molti ancora poco conosciut. Quindi…approfittiamone!

Foto | via www.beniculturali.it; www.eventisiena.it;

di Laura Dabbene

Il titolo completo del romanzo di Aldo Dieci è Route 66. Romanzo di formattazione: storia di un teologo che viveva in un gross-market e condensa tutti gli elementi del libro.

Il protagonista: uno studente di teologia, aspirante scrittore alle prese con il suo primo romanzo, esperto delle dinamiche degli ipermercati, di cui conosce segreti e retroscena. Il suo preferito è Pamela, «il migliore dei supermercati possibili», «laboratorio teologico» oltre che filosofico dove, di fronte a prodotti «uguali eppure diversi», Lutero avrebbe formulato una diversa concezione del libero arbitrio.

Route 66: non la mitica strada americana, ma un cd rom che permette di compiere viaggi più o meno reali scegliendo punto di partenza, di arrivo ed eventuali tappe intermedie. Da Foggia ad Anversa, passando per Leningrado: Route 66 calcola distanze, tempi di percorrenza, stima del carburante necessario in un intrico di «nodi, raccordi, inversioni e torcimenti di testa». Così contorta, nel libro, è talvolta la stessa narrazione, che torna su se stessa e ripete, in variazioni potenzialmente infinite, il racconto dello stesso episodio: dieci versioni differenti di un solo incontro sessuale, più o meno catastrofiche. A complicare il tutto le bizzarrie commerciali di un editore (Alberto Castelvecchi) alla ricerca di qualcosa di nuovo e vincente sotto il profilo del marketing, la creazione a tavolino di un best seller che nasce con uno scopo (rimorchiare Giovanna, commessa nella libreria Feltrinelli frequentata dall’autore) e in cui entrano elementi del mondo editoriale che solitamente interagiscono con l’opera dopo la pubblicazione, mai prima (pareri ed opinioni di critici ed esperti).

Se i personaggi chiamati in causa sono reali e reale è il loro ruolo in quel ramo dell’industria culturale che è l’universo dell’editoria (Alberto Castelvecchi è davvero un editore, così Emanuele Trevi e Roberto Cotroneo critici letterari, Simone Caltabellotta editor di Fazi, almeno ai tempi in cui uscì Route 66, e tutti gli altri giornalisti di varie testate da «La Stampa» a «Il manifesto»), meno ancorato al mondo sensibile risulta l’autore, Aldo Dieci. L’avvertenza «Aldo Nove compatibile!» che campeggia in quarta di copertina induce a sovrapporre le due entità (in fondo Aldo Nove è una delle “scoperte” editoriali di Castelvecchi), ma le notizie diffuse sui blog illuminano su come, in tale tranello, siano incappati anche addetti ai lavori. Chi è allora costui? Sibillina la nota biografica sempre in quarta di copertina, ma a leggerla attentamente conferma il carattere assolutamente artificioso di questa figura di giovane scrittore, dietro cui si cela un’operazione (collettiva, verosimilmente) di Castelvecchi. Nuova forma di metaletteratura quindi (se contestualizzata nel 1999, ovvio), che riflette su se stessa e sulle proprie dinamiche interne, sul perché e sul come si scrive, sul chi decide che cosa scrivere, sul quando si costruisce un caso letterario e il suo successo. Divertente. Ma nello stesso tempo, tragicamente, specchio riflettente di un’Italia che scrive incommensurabilmente più grande dell’Italia che legge.

Anais Nin

Seduzione del minotauro è il romanzo intimistico e personale della scrittrice statunitense, ma francese di nascita, Anaïs Nin. Classe 1902, la Nin fu personaggio dalla vita fuori dagli schemi, decisamente controcorrente e nota alla cronaca scandalistica per la sua relazione, erotica e letteraria, con il romanziere americano Henry Miller. Pubblicato all’inizio degli anni Sessanta con il titolo originale di Seduction of the minotaur, questo romanzo breve ebbe una prima traduzione italiana nel 1963, per SugarCo, e una nuova nel 2000, quando venne dato alle stampe da Fazi. Anche questa più recente edizione è purtroppo fuori catalogo, per cui non resta che partire alla ricerca di un remainder o ricorrere al mercato antiquario per gustare l’opera senza dover ricorrere all’originale inglese.

Nella città messicana di Golconda, descritta accuratamente nei colori e nei suoni di una natura florida capace di condizionare sentimenti e stati d’animo, giunge Lillian, pianista jazz in fuga dal mondo e da se stessa, alla ricerca di qualcosa che neppure lei è in grado di definire. Il contatto con una realtà così diversa e distante da quella cui è abituata, la conoscenza e la frequentazione di persone molto lontane da quelle che popolavano la sua esistenza in Europa e negli Stati Uniti, sembrano aprire a Lillian nuove prospettive di esplorazione del suo universo interiore ed esteriore, offrirle nuove chiavi di lettura della propria crisi e schiuderle con chiarezza il significato della sua vita precedente, dell’infanzia, del rapporto con il padre e la madre, con il marito, con l’amante, con i figli. Soprattutto i rapporti sentimentali ed affettivi di Lillian, con il pacato ex marito Larry o l’irrequieto amante Jay, si mostrano a lei sotto una nuova luce: dell’uomo che l’ha portata all’altare Lillian si rende conto di aver in fondo conosciuto, e sposato, soltanto una parte, condannando il resto all’indifferenza e all’oblio. Ma quella di una fuga pienamente salvifica è destinata a rivelarsi, almeno in parte, un’illusione, perché la donna scoprirà a proprie spese che anche nel tentativo di costruirsi una nuova vita, di allentare i legami con il passato e sostituire ai vecchi attori nuovi protagonisti, continuamente ognuno di noi non farà che ricercare nel presente le stesse identiche figure, cui affidare gli stessi ruoli, per ricreare all’infinito situazioni e luoghi ai quali si è tentato di sottrarsi.

Buona lettura e appuntamento ad ottobre con la maratona librario-alfabetica giunta alle lettere T-U: Tra donne sole di Cesare Pavese e Uno, nessuno e centomila di Luigi Pirandello.

La sfida continua.

FOTO/ via  www.castelvecchieditore.com; www.eliwell.it; www.squidcan.com

di Laura Dabbene

Per quasi tutti è il momento del rientro dalle vacanze, ma il mese che transita verso l’autunno è ancora atmosfericamente propizio per brevi week end fuori porta. Perché non approfittarne per visitare qualche città d’arte che ospita eventi dedicati al libro e alla lettura?

In Liguria sarà Sarzana (La Spezia) ad offrire dal 3 al 5 settembre la VII edizione del Festival della Mente, tutto incentrato sulla creatività. Il programma soddisfa davvero tutti gli interessi e per gli amanti della letteratura quattro sono gli eventi imperdibili. Sabato 4 settembre si discuterà sul futuro dell’editoria nell’era digitale e sui possibili percorsi della letteratura del XXI secolo (Da Gutenberg a Google, ore 11,30), mentre domenica verranno esplorati casi noti e meno noti di libri dal potere salvifico, capaci di diventare protagonisti della storia che essi stessi raccontano (Pagine fatali: i libri che fanno la storia, ore 15). Lo stesso giorno lo scrittore catalano Javier Cercas, insieme ad Aldo Cazzullo, affronterà il tema del rapporto della scrittura con la storia, interrogandosi sul ruolo della narrativa di finzione nel momento in cui diviene cronaca (Fra letteratura e realtà, ore 16,30). Sempre domenica un incontro sulla poesia contemporanea come possibile strumento politico e civile (Poesia e cronaca: le parole della tribù, ore 19).

Stesso week end settembrino per la Festa del libro di viaggio nel comune cagliaritano di Mandas. L’evento è dedicato alla figura dello scrittore inglese David Herbert Lawrence, che in questa zona della Sardegna tracciò uno dei suoi più suggestivi itinerari: sullo stesso treno su cui viaggiò Lawrence ancora oggi gli ospiti della manifestazione, compresi giurati e giornalisti, raggiungono la cittadina di Mandas. Grandi e piccoli saranno coinvolti in una serie di incontri non solo letterari, ma da varie iniziative (mostre d’arte e di fotografia, performance musicali, laboratori di scrittura) tese a scoprire come sia possibile, ed affascinante, raccontare il viaggio.

Impossibile anche solo pensare di sintetizzare il fitto calendario della XIV edizione del Festivaletteratura di Mantova, in programma dall’8 al 12 settembre.

Al centro della kermesse il confronto culturale e l’internazionalità dell’amore per il libro: per valorizzare il significato dello scambio alcuni incontri e reading saranno per la prima in lingua originale senza traduzione. Quella del festival della città dei Gonzaga è una vocazione che affianca la celebrazione di autori affermati alla valorizzazione di scrittori poco conosciuti, fino al talent scouting di scrittori in erba. Questa tendenza, rivelatasi vincente, torna ad animare l’appuntamento del 2010. Accanto ad ospiti come Vidiadhar S. Naipaul, Hanif Kureishi e Amos Oz, ci sarà spazio per il progetto Scritture Giovani e per incontri con narratori ancora ignoti ai lettori italiani. Grande attenzione sarà rivolta in particolare alla produzione artistica e letteraria dei paesi africani e del Medio Oriente (Iran, Afghanistan). Due saranno i percorsi di tipo archivistico dedicati ad Ennio Flaiano, di cui verrà “ricostruita” la biblioteca, e a Fernanda Pivano, che sarà possibile ascoltare mentre telefona ad Ernest Hemingway o intervista Don DeLillo e Charles Bukowski. Numerosi gli appuntamenti  anche per discutere di poesia, filosofia o scienza, per scoprire le affascinanti interazioni tra scrittura e arti visive, per sperimentare percorsi musicali.

Chiuso il festival mantovano si apre il 15 settembre, nel capoluogo friulano, l’XI edizione di Pordenonelegge.it. Inaugurazione con la lectio magistralis di Corrado Augias sul tema della passione per la lettura e a seguire una carrellata di ospiti attesissimi tra cui Alessandro D’Avenia e Silvia Avallone, entrambi agli esordi con prove narrative capaci di restituire una visione meno “mocciana” dell’amore adolescenziale, e Antonio Pennacchi, vincitore dell’ultimo Premio Strega con il suo Canale Mussolini.

Podenonelegge.it - edizione 2006

Due gli appuntamenti di approfondimento su quello che ormai è diventato una caso letterario: il noir nord europeo. Se ne parlerà con gli svedesi Anders Roslund e Börge Hellström e con Kurdo Baksi, amico d’infanzia di Stieg Larsson. Per che preferisce la saggistica stimolanti saranno le riflessioni di Pietro Ichino, Ilvo Diamanti e Eugenio Scalfari. Immancabili, come in ogni festival che si rispetti, gli spazi dedicati ai giovani lettori, che non resteranno immuni al fascino dei Racconti dei boschi e delle stagioni di Mauro Corona o al Viaggio ai confini del quiz! di Roberto Giacobbo. Grandi e piccoli potranno inoltre improvvisarsi artisti nel creare un murales celebrativo in onore di Gianni Rodari nel 90° anniversario della nascita.

Dieci giorni a Firenze, dal 16 al 25 settembre, per il festival letterario Ultra, dalla struttura decisamente originale.

Accanto ai più tradizioni dibattiti, workshop e incontri con gli autori, la manifestazione prevede la residenza in loco di alcuni scrittori italiani di varia origine geografica (Antonella Lattanzi, Francesco Pacifico, Luigi Socci, Peppe Fiore, Christian Frascella, Azzurra D’Agostino, cui si aggiunge il musicista Gioacchino Turù), guidati da altrettanti autori fiorentini nell’esperienza di abitare, vivere e scrivere nei luoghi storici della città medicea. Questa comunità di creativi che coabitando gli spazi urbani contribuirà alla creazione stessa del festival come work in progress e i loro scritti saranno riuniti in un catalogo. Innovazione e sperimentazione sono le chiavi di questa manifestazione, nata nel 2009, che ha come corollario alle rassegne incentrate su scrittura e letteratura (tra cui l’adunanza di riviste a fanzine Ultra/Under), vari appuntamenti musicali, dal cantautorato all’elettronica (Ultra/Suoni).

A Roma saranno i piccoli lettori a godere, per tutto il mese, dei pic-nic letterari e delle letture animate della Tribù dei Lettori presso la Casina di Raffaello a Villa Borghese. Fino al 3 ottobre per i bambini scoprire il mondo della lettura sarà facile e divertente grazie alla proposta, in forma ludica, di un menù non mangereccio quanto letterario: ogni giorno, dal martedì alla domenica dalle 16 alle 19, verrà offerta una selezione di quattro libri, dai grandi classici fino alle ultime novità, da leggere liberamente nel parco. Selezionati in base all’età, i volumi contenuti nel cestino da pic-nic potranno essere per i giovanissimi uno stimolo ad apprezzare la lettura come momento di svago e condivisione, nell’atmosfera colorata e creativa della ludoteca e degli spazi del giardino di Villa Borghese. Durante i week end il pic-nic letterario diventerà un pic-nic vero e proprio, con una merenda biologica distribuita a tutti i partecipanti. Le letture animate, anche queste giornaliere, avranno invece una durata di un’ora e mezza, dalle 16 alle 17,30.

Per tutto ciò che abbiamo dimenticato ci affidiamo come sempre a voi lettori…segnalateci tutti gli eventi interessanti per un settembre pieno di libri!

FOTO/ via fumettidicarta.blogspot.com,  www.turismoeitalia.com, http://libereparole.terzocircolo-pn.it/, http://www.casinadiraffaello.it/, http://www.festivaldellamente.it/, www.eventi-firenze.it

di Laura Dabbene

A qualche mese di distanza dalla notizia del ritrovamento di un componimento inedito, forse vergato dalla mano di Ugo Foscolo (1778-1827),  è uscito in libreria anche il volume, scritto dal possessore ed acquirente della preziosa carta, Giacomo Fiordaliso, che racconta le fasi di una ricerca tesa a consolidare l’ipotesi che si tratti davvero di versi attribuibili al grande poeta italiano e da lui stesso accuratamente tracciati. L’avventura del signor Fiordaliso, già riassunta in un articolo lo scorso aprile, ci ha ulteriormente incuriositi dopo la lettura del libro e, grazie alla sua gentile disponibilità, è stato possibile intervistarlo per capire meglio gli aspetti di una scoperta potenzialmente eccezionale, ma che non ha ricevuto accoglienza favorevole in ambito specialistico.

Quella dell’autore è stata quindi, in tutti i sensi, una sfida.

- Signor Fiordaliso, nel suo libro dice di essersi improvvisato scrittore, «cosa che non avrei voluto fare». È semplice modestia o cela il rammarico per il fatto che il manoscritto non sia stato oggetto di uno studio scientifico di approfondimento?

Francamente non sono scrittore, questa è una parola davvero grossa ed importante. Sarebbe stato un peccato, però, non scrivere nulla su una esperienza, come quella del ritrovamento del manoscritto, che mi ha molto coinvolto. Un po’ di delusione per il comportamento di buona parte del mondo accademico che, spesso, a priori non attribuiva a Foscolo lo scritto, me la porto dentro. In ogni caso è l’aspetto culturale e storico che vi è dietro l’evento che merita di essere considerato. Sono molto contento di far rivivere un grosso Personaggio, quale Ugo Foscolo.

- Due capitoli trattano del suo confronto con un perito calligrafico, «un grosso nome nell’ambiente», e con una «esperta foscoliana» di provata fama e prestigio. È stata sua la scelta di non citarne i nomi? E se sì, perché?

In previsione di possibili polemiche, e nell’assoluto rispetto della privacy, ho ritenuto opportuno non citare i nomi e poi, ripeto, il tutto si è sempre svolto in modo “ufficioso”. Mai nessuno che avesse voluto trattare l’argomento in modo canonico e prendere posizioni chiare, sia in un senso che nell’altro. Come per paura. Non capisco di cosa, poi.

- La decisione di proseguire le indagini e pubblicarle è resa ancora più coraggiosa dalla scelta di romanzare, immaginandole, le varie fasi di stesura della poesia da parte di Foscolo. Non pensa che questa fantasiosa ricostruzione possa attirare accuse di arbitrarie congetture?

Se avessi avuto paura non avrei neanche scritto il libro, né  tratte le mie considerazioni a seguito delle ricerche. Trovo che la fantasia, spesso, nasca dall’osservazione della realtà e insieme la sovrasti, che renda liberi da pregiudizi, formalità e via discorrendo..

- Le sue analisi e le proposte di confronti testuali sono spesso calzanti, e quindi molto suggestive. Pensa che possano stimolare nuove ricerche?

Assolutamente sì. Vi sono molti aspetti oscuri della vita del Nostro, soprattutto nel suo periodo di esilio inglese, legati ai suoi rapporti con i Patrioti del periodo. A tal proposito, ulteriori mie ricerche hanno portato alla luce tracce di questo “Inno”, attribuito ad “Incognito autore” ed allegato agli atti di un processo contro cospiratori per i “Moti di Brescia del 1821”. Lo scritto fu rinvenuto a casa del Colonnello Silvio Moretti, patriota. Nel processo spunta anche il nome di Camillo Ugoni. E proprio quest’ultimo fu grande amico del Foscolo, in quegli anni….

- Lasci un messaggio o un pensiero conclusivo ai nostri lettori.

Mi auguro che dalla lettura del libro la figura di Ugo Foscolo possa essere riscoperta e che le pagine regalino qualche ora di sana serenità, essendo esse lontane del frastuono e dagli inquinamenti del mondo di oggi.

Grazie a nome della Redazione di Wakeupnews e di tutti gli appassionati di letteratura.

FOTO via/ www.sciclinews.com; www.university.it; http://www.facebook.com/home.php?#!/event.php?eid=137978756221345

di Francesca Penza

Forse il 2 settembre 1840, forse a Catania o forse a Vizzini – tutt’ora data e luogo di nascita alimentano dibattiti tra gli studiosi – nacque Giovanni Carmelo Verga.

In occasione dei 170° anniversario della nascita dello scrittore, del 120° della prima rappresentazione lirica di Cavalleria Rusticana e dei 150 anni dall’Unità d’Italia, la Sicilia ha celebrato, e continuerà fino ai primi di settembre, questi importanti eventi con una serie di iniziative – non solo teatrali – nei luoghi verghiani.

A partecipare alle manifestazioni anche il Parco Letterario Giovanni Verga (Vizzini) che, già in maggio, aveva proposto un fine settimana tematico, con visite a Palazzo Trao e ai luoghi di Vizzini riscritti da Verga.

Nato in una famiglia di antiche origini nobiliari, appartenente alla borghesia catanese, Verga crebbe in un ambiente repubblicano e risorgimentale, influenzato da una grande eco patriottica anche a causa dei trascorsi del nonno paterno, carbonaro e deputato al primo Parlamento Siciliano. Proprio perché travolto dagli eventi storici – come lo sbarco di Garibaldi in Sicilia – non portò a termine gli studi in legge e si dedicò all’attività letteraria, soprattutto dopo la morte del padre, nel 1865, quando decise di trasferirsi a Firenze.

Dal 1872 al 1893 visse nella Milano di De Roberto e Giacosa, città che abbandonò per trasferirsi definitivamente a Catania grazie alla somma ricevuta dopo aver vinto la causa contro Pietro Mascagni per i diritti su Cavalleria Rusticana: qui morì, per una trombosi cerebrale, nel 1922, amareggiato dall’ambiente letterario e da alcuni  insuccessi che non seppe mai spiegarsi.

Le esperienze vissute influenzarono la sua produzione, che è possibile dividere in tre periodi: quello della narrativa storico-patriottica con I carbonari della montagna e Amore e patria;

quello dei romanzi mondani con Una peccatrice, Eros, Il marito di Elena e il famoso Storia di una capinera, il solo a riscuotere un notevole successo; infine la fase della produzione verista, iniziata nel 1874 con la pubblicazione di Nedda e segnata da un deciso cambio di passo, che portò Verga al progetto del “Ciclo dei Vinti”.

La tecnica dello straniamento – la descrizione di fatti usando un punto di vista alternativo, che crea nel lettore una sorta di dissonanza cognitiva – l’uso del discorso indiretto libero – lunghi monologhi interiori e i discorsi della voce collettiva presente nelle opere veriste – e l’impersonalità – presentare solo il fatto senza far trapelare la voce del narratore – saranno alla base della sua produzione più importante.

Il verismo di Verga, con la sua ricerca del dettaglio, la sua attenzione rivolta ai più umili, la sua predilezione per la società rurale della Sicilia, rappresenta una pietra miliare nella letteratura italiana, ma anche lo specchio di un Sud che sembra lontano dai moti risorgimentali che sconvolsero l’Italia. Del resto già il Naturalismo francese – da cui nacque il Verismo – prevedeva un’assoluta fedeltà ai fatti reali e uno studio scientifico della vita quotidiana.

Il dualismo tra le classi meno abbienti – quindi i lavoratori, la classe proletaria – e i ricchi proprietari terrieri, portò alla creazione della realtà industriale italiana a discapito di un Meridione che è stato per lungo tempo la periferia dimenticata di un Paese sempre in difficoltà.

Nelle sue pagine Verga – e altri esponenti del Verismo italiano come Capuana, Serao, Deledda, Misasi, Fucini e Giacosa – ripropone spaccati di una società che visse trasversalmente, di una terra che fu sua, ritratta a tinte vive come i contadini di un quadro di Millet.

E proprio tra Vizzini, Acitrezza e Bronte si sono svolte le Manifestazioni Verghiane 2010, a partire dal 31 luglio con lo spettacolo teatrale Lo zolfo spento. Zolfare, lune e libertà dei vinti di Sicilia a cura del Piccolo Teatro di Catania. Sono seguiti, il 2 e il 7 agosto, gli appuntamenti lirico-musicali con Cavalleria Rusticana e dintorni e Omaggio a Cavalleria Rusticana, e ancora un evento di teatro il 27 agosto: Giselda: un amore di Verga.

Le rappresentazioni proposte non si sono limitate alla musica e al teatro, come nel caso di Invito a cena… tra le pagine del Verga, una performance gastroteatrale con un particolare allestimento: metà palcoscenico e metà simposio, in cui gli spettatori sono stati deliziati dai cibi tipici della tradizione iblea, precedentemente illustrati dagli attori attraverso i passi di alcune opere verghiane.

La ricerca musicale e le sonorità etniche sono state il canovaccio dello spettacolo Majazzeni. Canti, suoni e sonorità del mondo agropastorale verghiano, in cui alcuni strumenti e attrezzi della realtà rurale siciliana – setacci, martelli, cavagne, tamburelli, zotte e marranzani, per citarne alcuni –  sono divenuti protagonisti.

In programma anche un workshop di fotografia, diretto dal maestro Giuseppe Leone, finalizzato a sensibilizzare i giovani e avvicinarli al linguaggio fotografico, sempre attraverso il paesaggio verghiano di Vizzini.

Le manifestazioni termineranno il 5 settembre a Vizzini dove, da fine luglio, è possibile visitare la mostra di arti visive contemporanee Verismi. Le arti oltre il reale e il virtuale. Realizzata in collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Catania e con l’Associazione culturale Jefart, la mostra cerca di proseguire la ricerca estetica di Verga proponendo dipinti, sculture, fotografie ed installazioni in linea con la politica letteraria e turistica del Parco Letterario Giovanni Verga. Proprio questo ente si occupa, dal 1979, di rilanciare la letteratura verista e verghiana attraverso la conoscenza del territorio di Vizzini, dei sapori e della realtà rurale

A 170 anni di distanza i luoghi di Verga sono quindi ancora vivi, veraci e affascinanti, lontani dal velo, a volte sgradevolmente buonista, della “divina provvidenza”, ma ancora “stranianti” e indiscutibilmente veri.

FOTO via/ http://larosav.interfree.it; http://www.parchiletterari.com/parchi/giovanniverga/index.php; http://sicilia.indettaglio.it; http://www.libreriauniversitaria.it

di Laura Dabbene*

ROMA –  «Se fossi vento, volerei via. Se fossi pioggia, mi scioglierei nel mare. Ma io sono la luce, che vive senza spazio né tempo». Con queste parole, che invitano ad espandere lo sguardo oltre i limiti fisici e tangibili dell’Universo, ma suonano un po’ ingenue per chiunque conosca Cecco Angiolieri, si è aperto venerdì 27 agosto al Planetario di Roma il concerto di Angelina Yershova. La giovane musicista kazaka è, per la seconda volta, protagonista sotto la cupola di 14 metri di diametro del Planetario dell’Eur: dopo il suo Stellar Vibrations, in apertura del IV Festival delle Scienze nel gennaio 2009, l’artista torna ad esplorare le sensazioni che emanano dall’osservazione della profondità del Cosmo, trasponendole attraverso il mezzo midi in limpide sonorità da pianoforte acustico. Su questa struttura l’artista lavora e inserisce una linea vocale capace di riempire, senza essere invasiva, la partitura strumentale. Da ultima la componente elettronica, che entra nel processo creativo in punta di piedi, sapientemente dosata e mai in maniera gratuita, contribuendo ad esaltare le linee melodiche tessute da voce e tastiera.

Tutto ciò all’interno di uno spazio fisico che permette di moltiplicare le suggestioni di questo percorso verso l’Infinito grazie al fascinoso effetto delle proiezioni su uno schermo semisferico, dal cielo stellato in rotazione ai filmati realizzati da sonde spaziali che atterrano su pianeti remoti. Indispensabile porre l’accento su questo elemento perché, anche riconoscendo certi aspetti davvero innovativi e convincenti, privo di tale ausilio il concerto avrebbe certamente avuto un ridotto impatto emotivo.

Attraverso la regia astronomica di Stefano Giovanardi, in Destination Infinity si snoda un percorso di immagini e video scandito da otto diversi momenti, che, con relativo commento sonoro, diventano sintesi sensoriale della ricerca della mente umana nei misteri che avvolgono le galassie e l’Universo.

All’astrazione degli effetti visivi e luminosi generati dalle note ispirate dall’iniziale Cosmic Loops, si sostituiscono in Liquid Lights immagini e figure reali, ma come filtrate da un muro d’acqua che le rende evanescenti e sfumate: le vibrazioni del piano e della voce paiono mettere in movimento uno schermo di mercurio liquido che riflette, ma deforma e trasfigura il reale. Angelina Yershova orchestra continuamente questi elementi, reale ed astratto, sotto l’aspetto visivo e sonoro. A filmati di sapore documentaristico usciti dagli archivi della NASA (The Watch Tower, Primi passi su Titano) fanno da contraltare sequenze di giochi di luce e immagini che sono soprattutto pure pulsazioni e apparizioni (Rainy Sky, Gravity 0), bagliori che toccano le corde dell’emotività più che dalla comprensione razionale.

Così è anche la musica della giovane artista kazaka, giocata tra la realtà di una precisa partitura per pianoforte, dove la melodia affidata allo strumento tradizionale è appena sostenuta dalle sonorità elettroniche, e fasi di assoluta scarnificazione delle note e dei suoni, in cui dominano effetti costruiti attraverso le onde e le frequenze sintetiche proprie di mezzi e software digitali. Questa componente risulta la più originale, senza dubbio la più vicina ad un immaginario “spaziale”, perché in grado di trasmettere quel senso di mistero e incertezza connesso al viaggio in mondi sconosciuti, molto oltre la dimensione finora esplorata dall’uomo. Quando alla presenza rassicurante e famigliare del piano si sostituiscono sibili, fruscii e singole frequenze create al computer, si ha la sensazione di lasciare ciò che si conosce ed incamminarsi davvero sui sentieri dell’Universo.

Quasi una ninna nanna, che si alza dal cerchio magico dei monoliti di Stonehenge, quella di Star Child, che prelude all’esplosione del finale Destination. Qui forse spicca ciò che, in altri momenti di questo concerto-spettacolo, era rimasto latente, una sorta di abusato repertorio di citazioni e suggestioni cui si sarebbe volentieri rinunciato, anche a costo di una maggiore cripticità, di una più difficile e meno immediata comprensione. All’interno di un percorso artistico di ricerca incentrato sui temi del Cosmo e dell’Infinito citare (almeno così apertamente) Stanley Kubrik e il suo 2001 Odissea nello spazio è come sparare sulla Croce Rossa, come accompagnare uno striptease con la voce di Joe Cocker che canta You Can Leave Your Hat On, come sentire We are the Champions durante una qualsiasi premiazione sportiva. Allo stesso modo discutibile, in chiusura, la scelta della nuvola di fumo e dei giochi di luce multicolor: dopo sessanta minuti di etereo viaggio, trasportati da note vicine alle sonorità nordiche, nonché ambient, la nebulosa artificiale vaporizzata nell’aria riportava troppo drasticamente con i piedi a terra, nel bel mezzo di una disco anni Ottanta.

* Con la collaborazione di Alessandro Sgarito per la consulenza e i commenti tecnici

FOTO via / http://www.myspace.com/angelinayershova; http://www.planetarioroma.it/

di Stefano Gallone

Tiberio Murgia

Si è spento ieri, alla tenera età di 81 anni, Tiberio Murgia, celeberrima spalla di molti film storici del il panorama cinematografico italiano. Era nato ad Oristano il 5 febbraio del 1929. Da tempo era malato di Alzheimer. Era ricoverato in una casa di cura a Tolfa, in provincia di Roma.

Di famiglia povera e disagiata, fu scelto da Mario Monicelli nel 1958 per completare il cast del meraviglioso I soliti ignoti; il maestro lo notò ai piedi della scalinata di Piazza di Spagna in Roma mentre (lui amava raccontare) corteggiava un numero non ben identificato di giovani donzelle.

Nonostante la sua geneaolgia lo dichiarasse sardo puro sangue, l’ottimo Tiberio ha sempre incarnato (merito del suo “phisique du role”) il simpatico stereotipo del siciliano dinoccolato e possessivamente geloso della propria consorte (era doppiato da Renato Cominetti). Prima di ottenere stralci di celebrità, Murgia ha sempre tentato di mettere qualche soldo in più da parte prima come manovale, poi come venditore ambulante de L’unità, finendo per diventare segretario dei Giovani Comunisti dove, però, avrà vita breve essendo espulso per aver intrattenuto una relazione con una compagna di partito. Scampato per un pelo alla tragedia di Marcinelle, la fortuna lo bacia con la volontà di Monicelli di averlo nel ruolo dello scaltro ma inconcludente Michele Ferribotte al fianco di attori del calibro di Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman, Renato Salvatori e Totò. Di lì in poi, la sua vita (cinematografica e non) sarà quasi tutta in discesa: parteciperà a numerosissime pellicole più o meno importanti come il sequel L’audace colpo dei soliti ignoti, La grande Guerra (entrambi ancora diretti da Monicelli), L’onorata società (al fianco di Franco Franchi e Ciccio Ingrassia), Caccia alla volpe (di Vittorio De Sica).

Di Murgia si ricorda soprattutto la sincerità, la schiettezza e l’estrema disponibilità nell’offrire la propria personale testimonianza ed esperienza agli ambienti accademici da celluloide. Il risultato è espresso nella minuta ma preziosissima autobiografia, curata da Sergio Sciarra, Il solito ignoto, edizioni Insieme. Rimarrà nella memoria come uno dei migliori caratteristi della storia del cinema italiano al pari di Carlo “Capannelle” Pisacane.

A detta di Dante Cruciani (Totò), “è la vita: oggi a te, domani a lui..:”

di Stefano Gallone

Pierpaolo Capovilla (Il teatro degli orrori), foto di Stefano Spina

Lo avevamo annunciato: il People Involvement Festival In-dipendente sarebbe stato un risveglio di pura energia per Avellino e provincia ma non solo. Possono dormire sonni più che felici e tranquilli gli ottimi organizzatori Nicola Melchionna e Maria Assunta Baronale, assieme al folto ed attivissimo gruppo di collaboratori volontari che li hanno affiancati in un’intera giornata di pura adrenalina e coinvolgimento sia artistico che sinceramente sociale (l’associazione People Involvement nasce principalmente a scopi di sensibilizzazione contro la tossicodipendenza), con la speranza, ovviamente, di avere la possibilità (a questo punto, non inarrivabile) di ripetere eventi affini e (perché no) di portata sostanzialmente maggiore. In parole povere, nove ore non memorabili: di più! In termini artistici: sonore pedate alle membra lombari senza la minima cognizione di pietà o di resa. Non smetteremo mai di ringraziare Nicola e Maria Assunta per averci concesso di trascorrere anche un maestoso dietro le quinte con persone (prima che artisti) a noi tanto care quanto preziose ad un contesto culturale nazionale in profondo, sconcertante e disastroso declino. È possibile verificare il tutto nel reportage in due atti allegato a questo articolo, sul fondo della pagina.

Ma andiamo per ordine.

Ore 12:45. Un’afa quasi massacrante abbraccia l’aria avellinese già troppo intasata di polveri da disinfestazione, smog e rifiuti da cantiere edile. La scelta di salire in anticipo sull’autobus in direzione Frigento equivale al desiderio di uno spiffero di aria condizionata sparata in fronte. Si parte. Il desiderio di incontrare alcuni tra i nostri beniamini è pari ad un qualunque numero elevato alla “enne”. Poggiato il primo piede sul suolo al di fuori dell’infuocato mezzo di trasporto che da Grottaminarda ci ha appena trasportati sul luogo del delitto sonico, un’auto grigia porta i cinque cavalieri apocalittici denominati Il teatro degli orrori in luoghi limitrofi a degustare prelibatezze autoctone post soundcheck. Sfuma così, a malincuore, la tanto desiderata possibilità di conversare amichevolmente con capitan Pierpaolo Capovilla circa le vicende sociali, civili e culturali del paese. Lo ritroveremo la sera, durante la poderosa performance dei Diaframma di Federico Fiumani: sincerità, amicizia, cordialità e spirito di condivisione (nonché un autografo su una personale copia di “You kill me” targata One dimensional man, a breve di nuovo in tour) schizzano via dai pori di un’anima che cambia completamente registro una volta calcato il palcoscenico.

Ci presentiamo, otteniamo l’accesso al backstage e cominciamo subito a scambiare opinioni con l’organizzatrice Maria Assunta Baronale: “Stiamo sperimentando il coinvolgimento popolare di un piccolo paese irpino e, con questo evento, possiamo dire di esserci riusciti”, dice. “Andiamo a spaccare la società frigentina […] anche per sensibilizzare le persone ad aprirsi, a stare più vicino ai nostri giovani”. Girovaghiamo, poi, per il campo sportivo in attesa dell’inizio dell’evento e, con sommo piacere, incontriamo le diverse personalità che faranno del luogo un necessario centro di aggregazione per la condivisione di idee ed opinioni. “A noi piace molto suonare sotto Roma”, confessa Mario Pigozzo Favero, leader dei Valentina Dorme. “Tutte le volte che l’abbiamo fatto (molto poche) c’è sempre stata un’accoglienza quasi commovente”. Per i bravi Nicola ed Enrico de Il cielo di Bagdad, invece, si tratta di “uno dei festival più importanti attualmente organizzati nel sud Italia”, mentre con Massimo e Jacopo dei devastanti Zu abbiamo avuto modo di stabilire simpaticamente che “non puoi lasciare il sud nelle mani di Gigi D’Alessio e Anna Tatangelo; siamo qui con lo spirito di conquista del territorio metro per metro”. È dalle considerazioni di Pierpaolo Capovilla, però, che proviene il più sincero apprezzamento sia verso il luogo che nei confronti della situazione: “Il pubblico è stupendo, il territorio è meraviglioso: ci sentiamo a casa”.

Via alle danze. Ore 17:30. Un leggero ritardo non impedisce il perfetto svolgimento della rassegna. Per primi, approdano sul palco gli irpini Guernica che non ci pensano una volta e mezza a far valere il loro notevole “art rock” malgrado l’assenza di due membri fondamentali come il violoncellista Enzo Di Somma e il chitarrista Antonio “Centerbe” Iandolo. La voce di Tony D’Alessio è, come sempre, genuina, limpida e non restia ad accenni scream, mentre la band, per intero, sembra, col passare del tempo, sempre più compatta e decisa nell’idea di suono proposto. Il cielo di Bagdad, in puro stile intermedio tra Mogwai e Sigur Ros, offre una pace dei sensi mista a rabbia interiore espressa in termini di gentile anticonformismo sentimentale tradotto da echi, alchimie sonore e reciproca unione di spirito tra palco e platea: una corda rotta non vale l’intensità della necessità di proseguire nella divulgazione del proprio verbo osannante. I Valentina Dorme offrono, senza accenno di dubbio, un ottimo esempio di rock alternativo diretto con precise venature noise, ma è con i romani Zu che l’aria del campo sportivo di Frigento, oltre che polverosa, comincia a diventare zolfo allo stato puro: violenza, sudore, sangue armonico, tempi dispari e follie strumentali caratterizzano l’esecuzione, soprattutto, di brani fulcro dell’ultimo assurdo lavoro in studio Carboniferous come la netta ferocia di Chtonian, Carbon o Ostia può testimoniare. Successivamente, Federico Fiumani prende per mano i suoi Diaframma e li conduce in un puro punk rock attraverso il rispolvero di brani storici come Siberia o liricamente discutibili come Mi sento un mostro, senza però tralasciare l’ultima uscita Difficile da trovare con, ad esempio, Io sto con te (ma amo un’altra). Quello che, forse, non ti aspetti, è un Giorgio Canali più che ubriaco ma deciso a spararti raffiche di rock viscerale e bestemmie in piena faccia con la beffeggiante dedica a Pietro Taricone di Precipito e la rassegnazione di Questa è la fine e Lettera del compagno Lazlo al colonnello Valerio. I fiorentini Zen Circus nemmeno la mandano a dire: corse sul palco, salti mortali, fanno da saggio preavviso anche alla devastazione che seguirà di lì a poco per mano de Il teatro degli orrori di mister Capovilla e soci. Quando inizi un concerto con la scarica voltaica di Due, vuol dire che hai brutte intenzioni. E così fu: in un continuo botta e risposta in piena sintonia col pubblico in delirio (tra decise strette di mano e tuffi in platea) sulla scia delle sagge invettive sociali di È colpa mia, Il terzo mondo e A sangue freddo, passando per il rock duro misto alla quintessenza della poesia russa espressa da Majakowskij e per la desolazione di brani come Die zeit o La canzone di Tom.

Resoconto finale: tolta qualche piccola infrazione per inutile eccesso di volume nelle ultime battute della serata, oltre a un missaggio non dei migliori, abbiamo avuto la consapevolezza di assistere, con assoluta certezza, ad uno dei festival più travolgenti degli ultimi anni. Come sempre, testare per credere.

di Stefano Gallone

Copertina del disco

Quesito portante: se una band emergente incide un disco con trenta minuti di melodie radiofoniche bypassate al distorsore e sedici, invece, di riff corposi, decisi, duri quanto serve per dire la propria nella maniera più sincera (per giunta sotto la supervisione, tra gli altri, del vate Tom Baker alla masterizzazione, già Helmet, Nine Inch Nails e Deftones), deve esserci, evidentemente una nota più che stonata inserita nel bel mezzo di una partitura voluta, ricercata ma non riuscita a causa, magari, di condizionamenti esterni (il nome di quell’Alessandro Paolucci, produttore anche di Baustelle e Prozac +, lascia francamente un po’ di amaro in bocca).

I Fallingice sono e resteranno comunque una notevole band di alternative rock. Presumibilmente, però, quello che proprio non si digerisce è la monotonia riscontrata in una sequenza di brani sia dalla struttura, sinceramente, troppo commerciale (delay e feedback non fanno il monaco) che dalla linea vocale troppo ferma timbricamente su se stessa e rinchiusa nelle solite e ridondanti metriche.

La band stessa confessa i propri riferimenti: più che Tool, Mudhoney, Alice In Chains o Smashing Pumpkins, sembra di ritrovarsi davanti quel fastidioso cosiddetto “post-grunge” che di grunge ha poco se non niente. Affiorano alla mente più i Nickelback del Chad Kroeger più irritantemente ossessivo che, magari, quei Silverchair del capolavoro multiforme Neon Ballroom. Ma è questo il punto: se si decide di commistionare generi diversi, lo si deve fare in maniera coerente e, soprattutto, consapevole delle proprie capacità e dei propri mezzi. L’orecchiabilità, certo, non è mai una pecca, ma il troppo spingere su melodie con giri armonici poco influenti e funzionali, in fin dei conti, nuoce alla salute del più puro spirito di espressione.

Fallingice

Nella biografia dei Fallingice si legge un curriculum alquanto di ferro: inseriti, nel 2001, nella compilation Coop for music distribuita in ventimila copie come allegato alla rivista Rockstar; cifre sproporzionate di visite presso la pagina Myspace ufficiale; download dei loro brani da Germania, America, Inghilterra, Francia. Quasi ci stupisce, in positivo, come la Red House Recordings abbia confidato in loro nel 2006 (per la produzione del primo ep Lymph) così come diede fiducia ad un certo Steve Albini. Comunque sia, non è affatto sufficiente. Anzi: può rischiare di essere controproducente perché è risaputo che, ormai, il prendere per mano una band e portarla in studio o su palcoscenici in giro per il mondo è diventata, e resterà per sempre, in mancanza di dovute ribellioni, un’operazione di marketing. Né più né meno. Quello che, forse, Vice (voce e chitarre), Bem (basso) e Fab (batteria), avrebbero voluto esprimere, non risiede fra le tracce di questo lavoro troppo fragile, scontato e perso nei suoi continui tentativi di calcare la mano in quello che i tre ragazzi avrebbero (si suppone) voluto davvero lasciar fuoriuscire dalle loro personalità comunque molto acculturate e certamente degne di una possibilità espressiva (glielo si augura in futuro) ben più libera da condizionamenti mediatici.

Dunque, questo loro esordio discografico completo, Meatsuit, si articola fra le melodie poco adulte della iniziale Unclear e il consolidarsi dell’inutile ed ingiusto tagliando “easy listening”mascherato hard per mezzo delle successive Another Day, Inner confusion (forse di matrice Creed) e Soap Bubble. Fa rabbia ma, al contempo, consola enormemente il notare i primi esempi di ottima caratura arrivare, invece, a partire dalla meravigliosa Breathing machine, di fattura Helmet / semi-Melvins, e dalle seconde metà delle caparbie Hands in chains e Desired, caratterizzate da potenti sonorità prossime agli ammirabili Stone Temple Pilots di Core. Mette quasi l’anima in pace, poi, l’avere la possibilità di poter arrivare al cospetto della vera essenza di bravura tecnica e compositiva della band quando si passa a brani puramente grunge come Teenage boy o a rintocchi heavy rabbiosi come quelli proposti dalla geniale Too bored to die in sincero ed osannante stile Metallica.

Di certo non è così equilibrata la formula tra rock duro e puro e melodia orecchiabile citata nella descrizione che la band fa di se stessa: la seconda sembra prevalere un po’ troppo sul contesto globale. Ma è ovvio che continueremo a seguirli nella speranza che una maggior consapevolezza delle proprie caratteristiche li aiuti a maturare nella giusta direzione: meno obiettivi mediatici, più voglia granitica e conforme nel dimostrare di essere ciò per cui vale la pena di esporsi.

Nei negozi dal 25 giugno scorso. Dal 18 luglio sui canali di vendita digitale (Mondadori Shop, iTunes) e da settembre nel circuito statunitense e canadese.

di Veronica Leanza

Il 15 settembre del 1890 nasceva a Torquay (Inghilterra) la piccola Agatha Mary Clarissa Miller, Lady Mallowan, nota a tutti semplicemente come Agatha Christie. E’ stata una scrittrice britannica di romanzi gialli, ma non solo. Regina del Crimine e Regina di Cuori: sotto lo pseudonimo di Mary Westmacott, infatti, Agatha ha scritto anche romanzi rosa, che rivelano l’altro volto, e forse anche l’altra personalità, della regina del noir.

Giallista di fama mondiale, la Christie cercò sempre di creare e curare in tutti gli aspetti i suoi romanzi. Con grande abilità riusciva a creare atmosfere intriganti, anche attraverso i suoi ben caratterizzati personaggi, ed ambienti di facile riconoscibilità. I suoi protagonisti  maggiori sono famosi in tutto il mondo: tra questi i più celebri restano l’investigatore belga Hercule Poirot e la simpatica vecchietta Miss Marple.

Ad oggi le sue opere continuano ad essere pubblicate, sempre con successo, in tutto il mondo. E’ la scrittrice inglese più tradotta, anche più di Shakespeare, e se in lingua originale i suoi libri sono stati venduti in più di un miliardo di copie, in egual numero si contano gli esemplari smerciati nei vari paesi non anglofoni in almeno 56 lingue differenti.

BREVE BIOGRAFIA: Agatha cresce in una famiglia borghese e non frequenta nessuna scuola. Viene infatti istruita a casa dalla madre, Clara Boehmer, proveniente dalla buona società, dalla nonna e dalle governanti. Il padre, Fred Miller, agente di cambio americano, muore nel 1901. Agatha trascorre la sua adolescenza tra lo studio e la vita di società, all’interno della famiglia.

Il 24 dicembre 1914 si sposa con Archibald Christie; da questo matrimonio nascerà, nel 1919, la loro unica figlia, Rosalind.

Nel 1926 la sua esistenza è scossa da due eventi, che lasceranno in lei un segno profondo: muore la madre, alla quale era molto legata, e il marito chiede il divorzio. A seguito del trauma Agatha scompare dalla sua casa, vagabondando in stato di amnesia: dopo una decina di giorni viene ritrovata ad Harrogate, una località termale dell’Inghilterra settentrionale, dove soggiornava in un albergo del luogo registratasi sotto falso nome. Nel 2001 il suo biografo ha riscoperto un documento, secondo il quale la Christie scappò e si nascose in quell’hotel nella speranza che il marito Archiebald venisse incolpato dell’omicidio e dell’occultamento del cadavere della moglie. Tutto perché lui l’aveva tradita con la sua segretaria, e lei voleva vendicarsi di ciò.

Sempre nel 1926 la Christie parte per le Isole Canarie, insieme alla figlia Rosalind. Dopo il divorzio lo scrittrice conserverà comunque il cognome del marito, ma solo per ragioni commerciali. Come si dice? Business is Business, e la signora del giallo ci vide lungo: in vita guadagnò più di 20 milioni di sterline.

All’interno della sua vastissima produzione restano indimenticabili The Mysterious Affairs at Styles (1920; Poirot a Styles Court), Three Blind Mice and Other Stories (1925; Tre topolini ciechi e altre storie), Murder on the Orient Express (1934; Assassinio sull’Orient-Express), Death on the Nile (1937; Poirot sul Nilo), And Then There Were None (1939; pubblicato inizialmente come Ten Little Niggers e noto sopratutto con il titolo Ten Little Indians, tradotto in Italia Dieci piccoli indiani), The Body in the Library (1942; C’è un cadavere in biblioteca). Firmò come Mary Westmacott i suoi romanzi rosa, da  Giant’s Bread (1930; Il pane del gigante o anche Passione d’altri tempi) a The Burden (1956; inedito in Italia) ed usò il nome Agatha Christie Mallowan per una raccolta di poesie risalente al 1965, Star over Bethlehem and other stories (La Stella di Betlemme).

Agatha Christie morì nella sua casa di campagna a Wallingford, il 12 gennaio del 1976: aveva 86 anni. Fu sepolta nel cimitero di Cholsey, nell’Oxfordshire, e la salma del marito venne tumulata due anni dopo nella sua stessa tomba.

Per festeggiare i suoi 120 anni, gli Oscar Mondadori offrono una serie di pubblicazioni speciali. Sono già in libreria due edizioni celebrative ispirate ai grandi personaggi creati dall’autrice: Poirot e Miss Marple. Al celebre investigatore belga è dedicato il volume Le grandi indagini di Poirot, che raccoglie tre appassionanti avventure: Assassinio sull’Orient-Express, Poirot sul Nilo e Corpi al sole.

Ne I grandi casi di Miss Marple invece si possono rivivere tre celebri indagini della vivace vecchietta dall’intuito formidabile: C’è un cadavere in biblioteca, Un delitto avrà luogo e Polvere negli occhi.

Ma, come ricordato, Agatha Christie non scrisse solo gialli e  in occasione dell’anniversario della scrittrice gli Oscar Mondadori ripropongono anche due titoli tra i suoi romanzi rosa: Il deserto del cuore e Ritratto incompiuto.

Infine uscirà il 31 agosto I quaderni segreti, un volume che raccoglie materiale, in gran parte inedito, proveniente dai 73 quaderni autografi della scrittrice: appunti, annotazioni, disegni e due storie di Poirot finora mai pubblicate. Un’appassionante dietro le quinte del lavoro di scrittura di Agatha Christie e un’occasione unica per entrare nella sua mente geniale.

In più, per festeggiare questo grande avvenimento, i fan di tutto il mondo prenderanno parte a una serie di eventi che culmineranno nella “Christie Week 2010” (dal 12 al 19 settembre), con una serie di proiezioni dei film tratti dai suoi romanzi (a Londra), una mostra itinerante (in Giappone) e una festa di compleanno (a Istanbul, ultima fermata per i passeggeri dell’Orient-Express), appuntamento imperdibile per tutti i lettori appassionati dei suoi gialli.

FOTO VIA: www.ilgattonero.it; www.sherlockmagazine.it; www.dreamerscorner.net; www.lightscamerahistory.com; www.bofmyspace.com

di Natalia Radicchio

Taranto – A Martina Franca c’è un affaccio bellissimo, su via Alcide De Gasperi, che ti restituisce tutti insieme gli odori, i colori e le vibrazioni uniche di una spettacolare distesa verde in cui biancheggiano le famose abitazioni di origini protostoriche, i Trulli, realizzate in pietra a secco e con il tetto a forma di cono.

Siamo di fronte alla Valle d’Itria, quella porzione di territorio della Puglia centrale a cavallo tra le province di Taranto, Brindisi e Bari, che coincide con la parte meridionale dell’altopiano delle Murge, e che da il nome al Festival attraverso cui la città di Martina è conosciuta in tutto il mondo: il Festival della Valle d’Itria, appunto.

Oltre ad un incantevole paesaggio punteggiato dai caratteristici muretti a secco, masserie, viti, uliveti e aree boschive, al barocco specifico del centro storico, a una tavola ricca di prelibatezze gustose e profumate come il capocollo locale (nella cui storia grandi interpreti sono il vino del luogo, le erbe aromatiche tipiche della macchia mediterranea, e un fragno presente solo in Puglia), questa elegante e garbata città offre anche una vivace attività culturale, che trova massima espressione proprio nella stimata manifestazione estiva. Nato come festival di musica lirica, cui è stato riconosciuto cinque volte il prestigioso Premio Abbiati dell’Associazione nazionale dei critici musicali italiani, ha poi aggiunto anche prosa e musica classica.

Numerosi sono stati i capolavori del ricco patrimonio operistico italiano ed europeo riscoperti dal Festival della Valle d’Itria e interpretati, assieme agli inediti, da straordinari talenti spesso giovani.

Nell’ambito della sua 36esima Edizione appena conclusasi, è stato consegnato al soprano Mariella Devia il Premio Bel Canto “Rodolfo Celletti”, mentre al mezzosoprano Sonia Ganassi, interprete eccellente di Rodelinda (e già vincitrice del Premio Abbiati), nell’omonima opera di Georg Friedrich Händel che ha chiuso l’edizione di quest’anno, il 33° Premio “Bacco dei Borboni”. Il 16° Premio “Lorenzo D’Arcangelo” è stato conferito alla giornalista musicale de Il Sole 24 Ore Carla Moreni, che ha saputo meglio raccontare la manifestazione nella precedente edizione.

Il merito di aver creato un tale gioiello nel panorama musicale italiano e internazionale, insignito da parte dal presidente della Repubblica della Medaglia d’onore riservata ai Benemeriti della Cultura e dell’Arte, è del Centro Artistico Musicale Paolo Grassi, dedicato a quel Paolo Grassi fondatore con Giorgio Strehler del Piccolo Teatro di Milano, e così tanto legato ai luoghi d’origine dei suoi genitori che amava raccontare: «Noi avevamo una casa con il lastrico sul tetto e ci andavamo a mangiare verso le dieci di sera, il pane bagnato con l’acqua, pieno di pomodori… si mangiava e si parlava sotto le stelle, fino all’una di notte. Parlo di quando avevo cinque, sei, sette anni… di quando ero bambino. Venivamo d’estate a Martina Franca. Io allora non mi rendevo conto del valore didattico di queste vacanze».

E si, perché le case pugliesi sono differenti da quelle del resto della penisola italiana per i tetti in stile greco, cioè piatti. E d’estate, quando non fungono da asciugapanni o da essiccatoi naturali (per fichi, noci, fave), si fa presto a imbandire suggestive tavolate serali.

Il Centro Artistico Musicale porta avanti due importanti progetti: la Fondazione Paolo Grassi, che possiede ben seimila volumi donati da Nina Vinchi Grassi e fornisce un rilevante sostegno al Festival della Valle d’Itria, e l’Accademia Paolo Grassi, che offre ai giovani talenti la possibilità di studiare e di perfezionare la tecnica e lo stile vocale in collaborazione con il Piccolo di Milano e dei Conservatori di Monopoli e di Lecce.

Quest’anno, il Centro ha collaborato inoltre alla mostra d’arte contemporanea, visitabile fino al 31 agosto p.v., Nove artisti per “Napoli milionaria”, promossa dalla Direzione Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici della Puglia e dalla Soprintendenza per i Beni Storici Artistici ed Etnoantropologici della stessa in occasione della riproposta al Festival di uno dei testi di Eduardo De Filippo più popolari. “Napoli Milionaria” era andato in scena, con la regia dello stesso De Filippo e le musiche del grande Nino Rota, solo nel ’77 al Festival dei Due Mondi di Spoleto.

La mostra, curata da Fabrizio Vona e Lia De Venere e allestita in maniera essenziale e pertinente alla ricca scenografia preesistente delle sale del Palazzo Ducale, ornate dai delicati dipinti a tempera del pittore martinese Domenico Carella, si pone come valida occasione di dialogo trasversale con il teatro musicale. I nove artisti presenti, italiani e stranieri, offrono una personale interpretazione delle vicende e delle tematiche di questa graffiante commedia, attualizzandole attraverso letture inedite e coeve considerazioni. «Pur essendo collocata in  un preciso contesto temporale e in luogo particolare, essa (“Napoli Milionaria”, ndr) pone l’accento su problematiche universali e senza tempo: la guerra e la distruzione fisica, le sofferenze individuali e la decadenza dei valori morali che ne sono le conseguenze, la lotta per la sopravvivenza, la necessità della solidarietà umana, la speranza in un futuro migliore», spiega De Venere nella presentazione dell’evento (www.arteincontemporanea.it).

Ottima la scelta dei lavori esposti, particolarmente incisivi: Keep in Touch (2010) dell’eclettico Ennio Bertrand, in cui raffinate tecnologie digitali supportano spettacolarmente l’evocazione dei momenti salienti della vicenda. Avvicinando infatti la mano a quegli oggetti che su un tavolo simboleggiano i tempi della povertà (piatto di maccheroni avanzati) o dell’arricchimento illecito (gioielli vistosi, mazzette di mille lire), questi pronunciano delle frasi che allontanando la mano vengono dette al contrario, incomprensibili come le cause e le conseguenze della guerra nell’animo di Eduardo, e di noi tutti (si spererebbe). Ancora un nome inglese, Waiting for (2010), per l’opera intelligente di Raffaele Fiorella, che ha ‘raccolto’ in undici video-finestre (nel senso che sono dei veri e propri affacci da appartamenti-cubo) altrettanti spezzoni di vita che attende un cambiamento, quale può essere la sperata guarigione della figlia del protagonista della commedia, Rituccia.

Frammenti di vissuto percepibili anche nell’installazione Under construction (2008) di Anila Rubiku, esplicativa nell’impalpabile semplicità di quella sorta di carta modello utilizzata per costruire le casette luminose, monadi trasparenti custodite da cubi di plexiglass. Nel video Sulla pelle (2010), una penna sovrappone le parole di Curzio Malaparte, Anna Maria Ortese, Erri De Luca, Raffaele La Capria e Peppe Lanzetta su una pagina bianca, fino a farla diventare un groviglio di segni neri. Intrigante trasposizione che i due autori Giovanna Bianco e Pino Valente fanno del caratteristico equilibrio sociale napoletano, in cui si riproducono ancora oggi gli stessi modelli di relazione descritti, a partire dal 700, in numerosi diari di viaggio, romanzi e saggi.

Piacevole l’incontro con l’opera di Filippo Centenari, seppure non siano così incoraggianti gli Innesti vitali (2008) dei tubi di luce al neon che, con quei cavi ciondolanti dall’aspetto ancora più inquietante e dismesso delle macerie da cui sorgono, dovrebbero rappresentare a conclusione della Mostra la luce della speranza nell’assoluto abbattimento fisico e morale. Ma «Ha da passà a’ nuttata!» e per domani, vi invito all’opera!

«Io sono nato a Milano… ma sento questo cordone ombelicale con la gente del Sud. Ogni qualvolta cerco di guardarmi dentro, rivedo le querce, i fichi, i sassi delle Murge: ho un amore enorme per la terra dei miei avi, per i costumi semplici dei contadini meridionali. Mi ci rituffo, ogni volta che posso, con l’idea di tornare a casa».

Paolo Grassi in “Quarant’anni di palcoscenico” – a cura di Emilio Pozzi – Mursia, Milano 1977

di Chiara Campanella

Roma –  “La Dolce vita”. Questo il film di Fellini del 1963, ma è anche il titolo della mostra fotografica all’interno dei Mercati di Traiano a Roma che ospita 100 foto selezionate dall’Archivio Luce e 100 rotocalchi degli anni ’50.  Si tratta di un racconto per immagini con i volti ed i personaggi entrati nell’immaginario degli italiani, filtrati dalla leggerezza mondana dell’epoca. Set naturale di questa vita è Roma, ma tutta l’Italia ne è contagiata. Quell’Italia degli anni ’50 dove più della metà della popolazione parla solo il dialetto e dove sono oltre 6 milioni gli analfabeti. Ciò nonostante, qualcosa sta per cambiare: i ritmi, gli stili di vita, l’abbigliamento. La guerra è finita da poco e la gente comune vuole sognare.

Il cinema, gli amori, i vizi e gli scandali dei divi vengono seguiti con passione sui rotocalchi (ogni settimana Oggi vende più di un milione di copie, Epoca cinquecentomila) dove storie, matrimoni e divorzi si rincorrono con il ritmo dei tempi nuovi. Tutto questo viene raccontato nella mostra “La  Dolce Vita. 1950-1960. Stars and Celebrities in the Italian Fifties”, a cura di Marco Panella e promossa dal Comune di Roma, Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione – Sovraintendenza ai Beni Culturali, da Artix e Cinecittà Luce con il supporto organizzativo e i servizi museali di Zètema Progetto Cultura , ospitata dal 4 agosto al 14 novembre presso i Mercati di Traiano. Sono scatti spontanei di personaggi famosi, non di rappresentanza.

E’ il 1949 quando, sotto gli occhi della stampa internazionale, si sposano a Roma Linda Christian e Tyrone Power. Proprio da questo fatto prende inizio la mostra fotografica per concludersi nel ’63 con il film di Fellini, periodo si racconterà il fascino, la bellezza, il divismo, le celebrità e il pettegolezzo che entrano così nel quotidiano. Tra le foto più rilevanti quelle che riprendono Anna Magnani, Virna Lisi, Ava Gardner e Walter Chiari,  Sophia Loren, Brigitte Bardot, ecc…

In realtà non sarebbe ancora tempo di dolce vita, eppure è tutta qui, in un’anteprima passata inosservata, preziosa come una dichiarazione all’amore che verrà, il prossimo, quello buono che non ti lascerà per tutta la vita. Il risparmio è un valore in questo Paese, il tempo grigio della fame e delle rinunce è ancora troppo vicino per perderne le abitudini: un’indagine Doxa del 1953 ci dice che 92 italiani su 100, anche se il loro stipendio aumenta, non sono disposti a spendere di più per vestire meglio. Tuttavia, è un’ Italia che sogna al cinema, segue vita, amori e scandali di divi e aspiranti tali sui rotocalchi. Nel ’53 si può rinunciare a molto, ma non al cinema.

E’ un Paese che compra pochissimi libri ma che, a metà anni cinquanta, ogni settimana fa vendere un milione di copie ad Oggi e cinquecentomila ad Epoca. I sogni, nel 1950, hanno il costo di cento lire, il biglietto per uno spettacolo al cinematografo, che ancora non si abbrevia in cinema.

L’Italia tra gli anni ’50 e ’60 è in movimento, è ottimista, si rimbocca le maniche, risparmia, sogna e guarda al futuro: le generazioni cresciute negli anni venti e trenta la cambieranno come non avevano mai immaginato di fare. Da qui la capacità dell’Italia di anticipare il boom economico.

Allora, può nascere la domanda, soprattutto in questo periodo di crisi economica nazionale e mondiale: si può avere nostalgia di quegli anni? “Nello scrivere i testi e nel selezionare le foto da pubblicare me lo sono chiesto più volte e, solo alla fine, ho capito che non era quella la domanda giusta.”, racconta Marco Panella. “Io credo che un racconto debba emozionare e giocare con sensibilità sottili. La fotografia, in questo, ha una possibilità in più perché il suo contenuto emozionale arriva al lettore non filtrato da mediazioni concettuali: è diretto, immediato, emotivo, spesso riesce a fissare nell’attimo rubato il senso compiuto di una vita. Il racconto degli anni cinquanta, io che non li ho vissuti, lo trovo emozionante perché vedo quegli anni come una sorta di adolescenza collettiva. Quasi tutto era possibile in un Paese dove famiglie generalmente di cultura non ampia e molte anche di scarsa alfabetizzazione, rigiravano il cappotto per far studiare i figli, compravano a rate, spesso con vergogna, il frigorifero o il televisore e onoravano sempre i debiti”.

Forse oggi è proprio questo che manca, questo senso di “adolescenza collettiva”, il risparmio e i sogni….Possiamo per un pò sognare di vivere in quegli anni, magari facendo una visita a questa splendida mostra che vale davvero la pena di essere vista!

di Grazia D.

“Io che sono un matto brasiliano, parlo poco l’italiano, ma che differenza c’è”. Sulle note di questi versi Toquinho sale sul palco del Villa Celimontana Jazz Festival, ormai alla sua XVII edizione.

Il musicista brasiliano apre in Italia il tour europeo, accompagnato dalla sua storica band (la energica Silvia Goes al piano, Pedro Paulo d’Elia alla batteria, Ivani Sabino al basso) e con al fianco la cantante e chitarrista brasiliana Badi Assad , insieme per rendere omaggio al poeta e musicista Vinicius de Moraes in occasione dei trent’anni dalla sua scomparsa.

Toquinho – al secolo Antonio Pecci Filho – nasce a São Paulo (Brasile) nel 1946. L’amore per la musica e per la chitarra lo accompagna fin dalla tenera età, ma sarà il legame con Vinicius de Moraes a marcare profondamente il suo percorso artistico. Nel 1969 l’incontro: durante la permanenza in Italia per una serie di concerti al fianco di Chico Buarque, il produttore Sergio Bardotti lo invita a registrare alcuni motivi musicali strumentali nell’album dedicato a Vinicius de Moraes, La Vita, amico è l’arte dell’incontro come intermezzi fra le poesie recitate da Giuseppe Ungaretti e le canzoni cantate da Sergio Endrigo.

Il legame con l’Italia, stabilito attraverso un vincolo di sangue (suo nonno era un emigrante del Molise) è destinato a rinsaldarsi nel corso della sua più che quarantennale carriera. La fama nella penisola si rinnova attraverso concerti, partecipazioni a trasmissioni televisive e collaborazioni con artisti nostrani. Del 1976 è la fortunatissima collaborazione con Vinicius de Moraes e Ornella Vanoni alla realizzazione di uno dei dischi più raffinati del pop italiano, La Voglia, La Pazzia, L’incoscienza, L’Allegria.

Nella notte romana l’eclettico musicista di São Paulo ha scherzato con il pubblico, raccontato aneddoti e fatto vibrare gli astanti con le corde della sua chitarra, non trascurando di omaggiare i compagni carioca della Bossa-nova e della musica popolare brasiliana come Jorge Ben Jor, Antonio Carlos Jobim, Baden Powell, Chico Buarque. Tra i classici proposti sul palco, Rosa, O que será (la versione italiana è stata portata al successo da Fiorella Mannoia), Tristeza, e la più recente Acquerello.

Toquinho ha dimostrato ancora una volta di essere un artista particolarmente fecondo in compagnia, come provato dalla quantità e dalla portata delle numerose collaborazioni con artisti brasiliani e internazionali che, a vario titolo, hanno scandito la sua carriera. Per questa occasione ha fuso la sua anima artistica con quella di Badi Assad, che a piedi nudi sul palco ha contaminato lo show di tinte mediorientali e di quella aggraziata energia tipicamente femminile. La cantante e chitarrista brasiliana tra le più apprezzate in patria, ha dimostrato un’elevata fantasia artistica attraverso l’uso percussionistico della chitarra e strumentale della voce.

Non è mancato l’omaggio all’Italia, dispensato attraverso melodie quali Anema e Core, interpretata da Badi Assad – “sembra una napolitana”, scherza Toquinho –, e Roma, nun fa’ la stupida stasera, in ricordo dell’amico Sergio Bardotti, scomparso nel 2007.

L’apprezzamento e la carica del pubblico espressi attraverso le ripetute acclamazioni al termine dell’esibizione, hanno portato a svariati bis, interrotti solo da un supplichevole e divertito “ho fame, devo andare a mangiare” del musicista.

In cantiere un disco a quattro mani con Antonio Skármeta, scrittore cileno ed autore de Il postino di Neruda, romanzo che ha ispirato il film con Massimo Troisi Il postino. Sodalizio consacrato attraverso il dono che Toquinho gli ha fatto della chitarra utilizzata per comporre ed incidere la famosa Acquerello.

Foto | via http://www.musicalnews.com,

di Laura Dabbene

Nel romanzo Pastorale americana (American Pastoral, 1997), il capolavoro di Philip Roth che gli valse nel 1998 il Premio Pulitzer per la narrativa, la voce narrante è quella dell’alter ego letterario per eccellenza dell’autore statunitense, lo scrittore Nathan Zuckerman. A lui è affidata la ricostruzione immaginaria, basata su brevi incontri diretti con i protagonisti e sulle cronache dei giornali, dell’esistenza di Seymour Levov, detto lo Svedese per il suo aspetto fisico di nordica memoria. Zuckerman lo ricorda dai tempi della scuola, quando, campione nelle discipline sportive, era per un lui una figura eroica avvolta nel mito. Seymour incarna il perfetto candidato alla realizzazione del sogno americano e dell’America personifica i valori e i principi morali: autocontrollo, rifiuto della violenza, operosità, rispetto delle libertà altrui, senso del dovere, amore per la famiglia, cultura. Destinato per nascita e livello sociale a compiere il proprio destino di perfezione americana, lo Svedese vede, al pari del proprio Paese, sgretolarsi le basi apparentemente salde su cui ha costruito il futuro. Alla crescita degli anni Cinquanta, in cui prende in mano le redini dell’azienda paterna, sposa la donna che ama e acquista la casa dei suoi sogni, segue la rovina degli anni Sessanta e Settanta: la tragedia collettiva della guerra del Vietnam, della contestazione sociale e dei disordini razziali diventa tragedia personale e il crollo della sua vita pastorale coincide con il culmine del dramma che segna gli Stati Uniti, lo scandalo Watergate. Attraverso salti temporali si dipana sotto gli occhi del lettore l’epopea dei Levov, e vengono a galla ombre e lati oscuri di una società che nasconde dietro valori illusoriamente condivisi i germi di una corruzione morale che nulla risparmia. A partire dalla quiete famigliare. La guerra entra in casa Levov nella persona della figlia di Seymour, Merry. Da innocente bambina che idolatra il padre, Merry diventa un’adolescente ribelle decisa a sovvertire tutto ciò che il genitore rappresenta, a partire dal sistema economico capitalistico che la sua fabbrica personifica. Di fronte alla gestione delle contraddizioni di un’America che si scopre profondamente diversa da ciò che predica di essere, l’uomo tutto d’un pezzo che lo Svedese è sempre stato si ritrova impotente ed è costretto ad assistere alla fine del mondo in cui aveva sempre creduto, un mondo che amava ed ammirava, di cui si sentiva parte integrante. Nell’ultimo capitolo, una cena a casa Levov con quattro coppie di coniugi diversamente, ma non meno dolorosamente, segnate nell’equilibrio famigliare, Roth sintetizza il racconto della rovina di una nazione, edificata sulla prospettiva di un sogno precipitato nelle voragini aperte da una sfrenata corsa vero il potere e la ricchezza.

Dramma famigliare, ma con uno spiraglio di speranza per una redenzione finale, è anche quello che si svolge a latere di Qualcuno con cui correre, dell’israeliano David Grossman. Nella Gerusalemme contemporanea le vite di due adolescenti, Assaf e Tamar, sono destinate ad intrecciarsi tra i meandri nascosti della criminalità e dello spaccio di droga. Tamar smarrisce la sua cagna, Dinka, e ad Assaf, che durante l’estate lavora presso il municipio, è affidato il compito di riportarla al legittimo proprietario. Inizia così una corsa tra le vie cittadine dove Assaf scopre personaggi bizzarri e generosi (come la monaca Teodora), amici di Tamar in grado di aiutarlo a conoscere a poco a poco questa misteriosa ragazza di cui subisce inevitabilmente il fascino, pur senza averla mai vista. Mentre il ragazzo rincorre Dinka e mette insieme i frammenti incompleti del puzzle contraddittorio che è la personalità di Tamar, la fanciulla è impegnata nell’ultima e più difficile fase del suo progetto: aiutare il fratello tossicodipendente Shay a superare la crisi d’astinenza da stupefacenti, dopo averlo sottratto alle grinfie di un’organizzazione criminale. Gli elementi del racconto si svelano a poco a poco, nel susseguirsi dei capitoli, e come Assaf anche il lettore conosce la storia di Tamar lentamente, correndo tra i luoghi e le situazioni che costituiscono gli antefatti e poi il centro della vicenda: la casa dei genitori culla delle incomprensioni famigliari, la scuola di canto dove la ragazza coltiva il suo talento artistico, lo scarno edificio mascherato da “rifugio per artisti” dove vivono i ragazzi sfruttati dal racket della droga, le strade di Gerusalemme dove sono costretti ad esibirsi per pagare i propri presunti protettori, la grotta in cui Tamar intende nascondere il fratello. Quello di Grossman è un romanzo capace di rivelare l’esistenza, negli adolescenti, di una forza e di un anelito di vita così intensi da spingerli ad affrontare sfide che sembrano impossibili agli adulti. Il coraggio, misto ad incoscienza e a carica idealistica, rende i giovani protagonisti piccoli eroi che trasformano le paure e le fragilità tipiche dell’età in strumenti di crescita e conoscenza del mondo. E pone “i grandi” davanti all’evidenza di uno spessore umano che i ragazzi nascondono nelle pagine di un diario, nelle note di una canzone, nei pensieri di menti fervide che aspettano il momento giusto per venire alla luce.

Augurando buona lettura e buone vacanze, la maratona di lettura di Wakeupnews aspetta amici e affezionati a settembre con “Route 66” di Aldo Dieci e “Seduzione del minotauro” di Anaïs Nin.

La sfida continua.

FOTO/ via  http://www.pontedipiave.com; http://www.webster.it/

di Laura Dabbene

Sudafrica 1994. Alla vigilia delle prime elezioni libere e democratiche dopo tre decenni di governo segregazionista, il Paese vive una fase di tensioni sociali in cui i bianchi sentono vivo il pericolo di una presa di potere nero che rischia di cancellarne non solo i privilegi, ma ritorcere contro di loro la violenza subita negli anni dell’apartheid. Un mondo sta per finire e quello che si profila all’orizzonte è temuto per il carico d’odio potenziale che porta con sé, eredità di una politica costruita sull’ingiustizia, sulla corruzione, sulla disuguaglianza e sull’emarginazione di un popolo privato, per troppo tempo e nel proprio paese, dei diritti basilari dell’umanità: istruzione, libertà d’espressione, prospettive di crescita economica e intellettuale, rispetto della dignità individuale.

In questa realtà Kristien Müller, figlia di una ricca famiglia bianca afrikaaner, torna dopo il lungo e volontario esilio londinese, scelto a vent’anni per fuggire da una situazione ai suoi occhi incomprensibile, pur nella sua ineluttabile chiarezza e semplicità. Il richiamo è quello del sangue e della famiglia, ma non scaturito dall’amore figliale, mai abbastanza forte da indurla a tornare dopo la morte del padre prima e della madre poi, bensì dall’affetto profondo per la nonna, Ouma Kristina, vittima nella sua casa di un attentato incendiario e ridotta in fin di vita. La centenaria vecchietta, spirito ribelle ed anticonformista, è depositaria di una saga famigliare che si dipana lungo due secoli e la morte imminente rende necessario che questa memoria, tramandata oralmente da madre in figlia, trovi un nuovo soggetto in cui riversarsi, un testimone che la conservi e la porti avanti. Questo vaso della memoria non può che essere la giovane Kristien, nipote favorita, chiamata ad esaudire le ultime volontà di Ouma, compresa quella di adagiarla, ancora viva, in una vecchia bara di seconda mano rinvenuta in soffitta o mantenere la promessa di non consegnare le proprie spoglie al vecchio becchino del paese, smanioso secondo lei di approfittare voluttuosamente del suo cadavere per vendicarsi di un rifiuto risalente alla gioventù.

Ma soprattutto Ouma Kristina desidera che, nella lunghe notti di veglia, la ragazza ascolti e trascriva una narrazione in bilico tra eventi reali e fatti immaginari, dove protagoniste sono le donne antenate della famiglia, spiriti forti e indipendenti, decisamente controcorrente in una società patriarcale e maschilista, in cui il ruolo femminile è quello secondario di moglie e madre, privato di potere decisionale e capacità di autodeterminazione. Questo è ciò che ancora segna la vita di molte donne bianche sudafricane nel 1994, compresa la sorella di Kristien, Anna, la cui fulgida bellezza giovanile si è consumata, fino a sfiorire, nelle gravidanze e nel rapporto con un marito-padrone (Casper), spesso violento e autoritario, che nel romanzo rappresenta la società dei bianchi terrorizzati dalla fine del governo di segregazione razziale e dalle sue potenziali conseguenze. L’uomo è a capo di un gruppo di proprietari terrieri che, imbracciando le armi, organizza ronde notturne, costruisce rifugi stipati di provviste in attesa che il popolo nero conquisti il potere e scateni una violenza di ritorno contro i bianchi e obbliga i membri della famiglia ad indossare pigiami scuri per non essere visti nel buio nel caso di una fuga notturna d’emergenza. Tragedia e distruzione arriveranno però per Casper non dall’esterno, ma dall’interno stesso della propria casa, con un epilogo di sangue e disperazione.

Di fronte ad una società vittima dell’odio e della discriminazione, dove pure esistono casi isolati di afrikaaner contrari all’apartheid e vicini alla sofferenza dei neri, la grande e bizzarra casa di Ouma Kristina è un’arca di Noè in grado di condurre in salvo Kristien e tutti coloro che vi si rifugiano, compreso un bracciante nero ferito e braccato dalla polizia. La gigantesca dimora, chiamata il Sinai, è abitata da ogni genere di uccello, dai pavoni ai barbagianni, ed al suo interno, nelle infinite stanze e labirintici corridoi, ma soprattutto nel seminterrato dalle pareti misteriosamente ricoperte da dipinti che nessun intonaco è mai riuscito a ricoprire e cancellare, oppure nel piccolo cimitero in cui gli spiriti dei morti continuano a dialogare con i vivi, è celata la storia di almeno tre generazioni. Ed altrettante si svelano nei racconti notturni di Ouma, permettendo a Kristien di abbozzare un fantasmagorico albero genealogico di cui lei è al momento l’ultimo ramo.

Divenire parte di una storia secolare, e nello stesso tempo vivere la svolta storica che le permette di guardare con speranza oltre il muro della segregazione razziale che nell’infanzia e nell’adolescenza occludeva lo sguardo, è ciò che riporta Kristien definitivamente a casa. Nel riappropriarsi della memoria di un’epopea famigliare che la ancora alle proprie radici, essa scopre con nuova consapevolezza quello che può e deve essere il suo ruolo nel mondo. Un mondo che, seppur dentro i limiti geografici di uno stato africano, è cambiato e chiede di essere coraggiosamente ricostruito su basi nuove.

Foto via www.fantasticfiction.co.uk; www.forumlibri.com

di Laura Dabbene

“Agosto, amore mio non ti conosco”. Questa perla di saggezza popolare sarà forse valida per quanto concerne mariti (o mogli) e fidanzati (o fidanzate), ma c’è una passione che non si può tradire neppure nel mese dedicato alle vacanze e allo svago: la lettura.

Ecco allora la redazione Cultura&Spettacolo di Wakeupnews pronta a suggerire alcuni tra gli eventi più interessanti dei prossimi 30 giorni, tra libri, cinema, arte e musica…per accontentare anche chi, oltre alla carta stampata che gratifica la mente, ricerca godimento estetico per gli occhi e le orecchie.

Fino al 14 agosto l’antico borgo medievale immerso nel verde maremmano ospita la IV edizione di Capalbio Libri 2010. Attesi scrittori, poeti, saggisti e giornalisti per una serie di incontri che alterneranno riso e comicità ad una seria riflessione sulla contemporaneità: si passerà infatti dalla presentazione del libro di Aldo Rossi (Alla mia età. Riflessioni di un comico sentimentale) all’appuntamento con Sergio Rizzo e la sua Cricca. Nella suggestiva Piazza Magenta, cuore di Capalbio, si parlerà di e-book ed editoria digitale, ma per quest’anno saranno ancora i cari vecchi libri di carta a dominare gli spazi della libreria indipendente Zig-Zag, che si affaccia sulla piazzetta, complemento indispensabile per un festival letterario dove gli autori parleranno delle proprie opere accendendo nel pubblico un naturale desiderio di lettura. Conduzione degli eventi affidata a Pino Buongiorno, vice direttore di Panorama, e vasto programma di intrattenimento musicale di impronta jazz (con Roberta Gambarini, Paolo Damiani e Max D’Aloe) e blues (con Luca Sapio, voce dei Quintorigo).

Proprio per chi predilige la musica l’evento consigliato è il Summer Jamboree, Festival Internazionale di musica e cultura dell’America anni ’40 e ’50, fino all’8 agosto a Senigallia (Ancona). La spiaggia marchigiana, a due passi dai templi del divertimento discotecari della riviera romagnola, si anima dei ritmi rockabilly, swing e boogie che resero “grande” la musica statunitense della metà del Novecento. Ospiti di qualità e caratura non indifferente per le nove giornate (e serate) di questa XI edizione, tra cui spiccano due pilastri del rock and roll, Chuck Berry e Wanda Jackson. Corollario ai concerti saranno gli stand gastronomici e il mercato vintage, dove trovare vinili ed accessori d’epoca, ma anche lezioni di ballo gratuite, Dj set ed esposizioni di auto e moto originali USA degli anni ’60 e ’70.

Al Bagno Boca Barranca di Marina Romea (Ravenna) è a cura delle Librerie Coop il Festival letterario Arena del Boca , nato nel 2008 e giunto alla terza edizione. Presentazioni di libri con gli autori, meeting di approfondimento condotti da critici e professionisti del settore, reading di testi di grandi scrittori, poeti e cantautori recitati da attori: questi i punti forti di un’iniziativa che vedrà quest’anno tra gli ospiti Stefano Babini, allievo e collaboratore di Ugo Pratt, con la sua ultima graphic novel autobiografica (Non è stato un pic nic!, Dada editore), Gianrico Carofiglio (Non esiste saggezza, Rizzoli) e Sergio Zavoli (La parte in ombra, Mondadori).

Tutto dedicato allo scrittore americano John Fante (1909-1983) è il festival Il Dio di mio padre dal 20 al 22 agosto a Torricella Peligna (Chieti). A questa V edizione presenzierà il figlio dello scrittore, Dan Fante, per presentare la sua ultima prova letteraria, Buttarsi (Marcos y Marcos): appuntamento il 22 agosto con l’accompagnamento del poeta Vincenzo Costantino Cinaski. A Melania Mazzucco è invece affidato l’intervento di sabato 21, che verterà su John Fante, la letteratura dell’emigrazione e il suo romanzo Vita. Durante la manifestazione sarà assegnato anche il Premio John Fante 2010: i tre giovani finalisti sono Angela Bubba (La casa, Elliot), Paolo Piccirillo (Zoo col semaforo, Nutrimenti) e Alberto Mossino (Quell’africana che non parla nemmeno bene l’italiano, Terrelibere).

Chiude il mese di agosto, e traghetta verso settembre, la decima edizione di Parolario, a Como dal 28 agosto al 12 settembre. Organizzato dall’omonima Associazione culturale cittadina, l’iniziativa prevede due settimane di incontri con autori e conversazioni filosofiche, ma sarà anche kermesse di fotografia, arte, cinema, musica e teatro. Nelle iniziative, rivolte ad una valorizzazione del territorio che offre tante altre bellezze oltre all’incanto del lago, sono coinvolti enti ed associazioni locali, ma anche le scuole: largo quindi a ragazzi e bambini, cui sono dedicati specifici spazi con animazione. Si segnala, in anteprima nazionale, l’incontro con il senatore del Pdl Marcello Dell’Utri (lunedì 30 agosto, ore 18) per una discussione su “Diari veri o presunti di Benito Mussolini”.

Per tutto ciò che abbiamo dimenticato ci affidiamo a voi lettori..segnalateci tutti gli eventi interessanti per un agosto pieno di libri!

FOTO/ via fumettidicarta.blogspot.com; http://www.capalbiolibri.it; http://www.libriefilm.com

di Francesco Guarino

Ligabue alla Masterclass del Festival del Cinema di Giffoni

Sette date della tournèe estiva in archivio, cinque città toccate e decine di migliaia di fan in visibilio. Quasi 300mila copie vendute (al netto dei download digitali autorizzati) e il primo posto nelle classifiche di vendite della F.I.M.I. a distanza di quasi 3 mesi dall’uscita dell’album. Di Arrivederci, mostro! ormai si sa già tutto, ma, cavalcando l’onda del successo del Ligabue rocker, è andata a finire nel dimenticatoio la poliedricità dell’artista. Una poliedricità spesso criticata dai puristi, ma che ha pur sempre prodotto il caso letterario nonché neo-graphic novel La neve se ne frega e il film-cult Radiofreccia.

MASTERCLASS - L’occasione di confrontarsi con il Ligabue regista-scrittore-sceneggiatore l’ha fornita la due giorni campana dell’artista emiliano, che ha abbinato il previsto concerto allo stadio Arechi di Salerno ad una Masterclass al Giffoni Film Festival: una lezione d’autore rivolta a un ristrettissimo pubblico di giovani ex-giurati del Festival del Cinema per ragazzi. Ligabue, che nell’occasione ha ritirato anche il Premio Truffaut, ha “tenuto botta” alla ristretta e agguerrita platea delle Antiche Ramiere di Giffoni. In grande evidenza il tema dell’ispirazione e della genesi delle sue opere musicali e letterarie: «La gente crede che dietro tutto ciò che faccio ci sia un lavoro meticoloso e accurato – ha spiegato Ligabue – e invece è l’esatto opposto: la stragrande parte dei miei lavori è scritta o musicata di getto. L’unico lavoro di ricerca è quello fatto sui testi delle canzoni, ma per una questione particolare. Non scrivo mai un testo prima della musica, la parola stessa deve essere musicale, deve “suonare” bene e a volte preferisco sacrificare la scorrevolezza grammaticale di una frase per un’espressione anche in slang, ma che si accordi meglio con la musica».

Spunti interessanti anche sul pezzo-sfogo “Caro il mio Francesco” («È una denuncia di piccoli avvenimenti nei quali mi sono imbattuto, ma da qui a darmi dell’artista elitario per quello sfogo ce ne passa. I miei primi due pezzi veri sono stati “Balliamo sul mondo” e “Bambolina e Barracuda”: se non è musica popolare quella…» e sulla duplice avventura cinematografica. Dalla follia del primo lavoro («Domenico Procacci mi ha detto:”Dammi del pazzo, ma io voglio fare un film sulla provincia italiana (Radiofreccia n.d.r.) , partendo dal tuo libro Fuori e dentro il borgo”. Infatti io gli ho dato del pazzo, quando poi mi ha proposto anche di fare da regista per il film ho capito che forse pazzo lo era davvero. Alla fine ci è andata bene») ai rammarichi per “Da zero a dieci“: «Oltre alle oggettive difficoltà nel girare un film quasi tutto in notturna – ha chiarito Luciano – per di più a Riccione, con i fan che assediavano il camper delle riprese, ho sbagliato a volerci mettere dentro troppa roba. Troppi protagonisti, troppe storie. Non sono riuscito a tirare fuori dagli attori ciò che volevo e se reputo la sceneggiatura di Radiofreccia più bella del film, quella di Da zero a dieci è molto, ma molto più bella del risultato finale cinematografico». Conclusione tra i sorrisi, con un ragazzo che ammette di non essere un grande fan, a differenza della propria ragazza, e il Liga che lo incalza: «Sì, in effetti si vede che ti rode un po’ la cosa».

Luciano Ligabue sul palco dell'Arechi

CONCERTO – Allo stadio Arechi va in scena invece il Ligabue animale da palco, con i meccanismi musicali ed extra-palco rodati da 7 serate di delirio rock all’italiana. A Salerno è festa grande per i fan, che nel parterre strappano foto e autografi e dialogano faccia a faccia con la grande famiglia del tour 2010. Il fotografo ufficiale Jarno Iotti, punto di riferimento per i suggestivi click del tour e i succulenti scatti del backstage; il responsabile comunicazione online e produzione video Giovanni Battista “GB” Tondo, che fa la spola tra i computer del service e gli stand ufficiali che dispensano i braccialetti per l’area riservata al fan club; i Rio di Fabio Mora e Marco Ligabue, che dalle 18 presidiano la zona del barMario senza nascondere la soddisfazione nel vedere le copertine azzurre del loro ultimo album “Il sognatore” spuntare tra le buste dello shopping. Poco prima delle 19 l’inconfondibile sagoma chilometrica del bassista Kaveh Rastegar (di recente candidato dalla rivista leader nel settore jazz Downbeat magazine come miglior elettric bass 2010) sbuca dal sottopassaggio della curva, per scambiare due battute con i ragazzi del prato nel suo esilarante quanto sempre più metodico italiano da rock-cyborg. Il concerto scatta puntuale alle 21 ed è il solito e mai banale tripudio di chitarre e suggestioni sceniche: i meccanismi filano lisci come l’olio (risolti in extremis alcuni apparenti problemi a centro palco e all’impianto luci), nonostante l’acustica non eccelsa dell’Arechi che viene comunque addomesticata in corso d’opera. Lo show si conferma un tributo al nuovo album e in scaletta variano solo due pezzi di data in data: a Salerno ci sono l’applauditissima L’amore conta, suonata da Ligabue in un emozionante set acustico con la chitarra regalatagli dai fan per il 50esimo compleanno, e Le donne lo sanno. L’acqua viene evocata profeticamente dall’unico richiamo politico del concerto (La scritta “E tu sei pronto a pagare per la tua acqua?”, proiettata sui maxischermi prima di A che ora è la fine del mondo?) e la pioggia inizia a scendere puntuale su Urlando contro il cielo, concedendo la tregua necessaria per godere delle suggestioni patriottiche del nuovo video di Buonanotte all’Italia. Un altro vigoroso scroscio estivo porta via con sé i nastri e i coriandoli del beneaugurante inno conclusivo Il meglio deve ancora venire. Giovanissimi, trentenni, coppie già da un bel po’ negli “anta”: l’acqua stringe tre generazioni al riparo delle tribune coperte. L’immagine dei loro volti sorridenti bagnati dalla pioggia è l’immagine del successo di Luciano Ligabue. Popolare, a dir poco.