Una recente immagine dell'attore scomparso (zimbio.com)

New York – Si è spento all’età di 81 anni il popolare attore americano Ben Gazzara, noto al  pubblico italiano per la sua interpretazione del Professore di Vesuviano nel film Il Camorrista, opera prima di Giuseppe Tornatore del 1986, ispirato alla vita del boss della camorra Raffaele Cutolo.

Gazzara è deceduto dopo lunghi anni di dura lotta al cancro al pancreas che lo affliggeva.

La carriera dell’attore, nato da emigranti italiani originari di Canicattì, era incominciata negli anni ’50 calcando le assi dei palcoscenici di Broadway, interpretando molti spettacoli di successo tra cui si ricorda La gatta sul tetto che scotta diretto da Elias Kazan.

Negli anni Sessanta e Settanta Gazzara si dedica al cinema dando il via a una carriera costellata da grandi successi e da collaborazioni eccellenti con registi del calibro di Otto Preminger, Mario Monicelli e Peter Bogdanovich. Il sodalizio con il regista John Cassavetes fu all’origine di pellicole estremamente interessanti quali Mariti (1970), L’assassinio di un allibratore cinese (1976) e La Sera della Prima (1977).

Gli anni Ottanta non furono meno produttivi per Gazzara che ebbe modo di partecipare a numerose pellicole di valore indiscusso quali Storie di Ordinaria Follia di Marco Ferreri e sopratutto il film che lo consacrò presso il pubblico italiano, il Camorrista di Giuseppe Tornatore.

Negli anni Novanta la sua filmografia si amplia in modo impressionante andando a contare più di 38 ruoli, la maggior parte dei quali realizzati per la televisione. La sua partecipazione a grandi pellicole quali Il Grande Lebowski e Summer of Sam lo vede però impegnato in ruoli di secondo piano.

Venendo a tempi più recenti, il lavoro di maggior rilievo è la sua partecipazione al film Dogville del regista danese Lars Von Trier. La sua ultima interpretazione è  risale a The Wait, del 2011, per la regia di  Tiziana Bosco.

Davide Schiano di Coscia

Foto homepage via:  ivid.it

Installazione delle sculture alla mostra su Wildt

FORLI’- Adolfo Wildt (Milano 1868 – 1931) è il protagonista della mostra che, inaugurata pochi giorni fa, è ospite negli spazi dei Musei di San Domenico di Forlì fino al 17 giugno. Curata da Fernando Mazzocca e Paola Mola affiancati da un comitato scientifico presieduto da Antonio Paolucci, l’esposizione è da considerarsi il primo tempo del Progetto Novecento. Percorsi – Eventi – Interpretazioni, che si svilupperà nel 2013 con la grande mostra DUX, arte italiana negli anni del consenso.

Wildt. L’anima e le forme da Michelangelo a Klimt segue altre mostre di scultura che, ai Musei di San Domenico, hanno portato dal 2005 un’affluenza di 450 mila visitatori in una città che solitamente non è meta per le grandi mostre.
Wildt a Forlì, curata da Sgarbi nel 2000, aveva già puntato i riflettori su quel genio incompreso che è stato Adolfo Wildt, non sempre valorizzato per il suo spirito eclettico e la sua capacità di guardare anche ai modelli nordici e gotici, di assimilare il meglio di ogni epoca, classica, rinascimentale, barocca, contemporanea.

Con Wildt. L’anima e le forme da Michelangelo a Klimt, Forlì celebra lo scultore una seconda volta, evitando di focalizzare l’attenzione sulla sola opera del maestro nato a Milano, professore dell’Accademia di Brera, ma facendolo dialogare con altri straordinari nomi della storia dell’arte, citati puntualmente: dai grandi del passato come Fidia, Cosmè Tura, Antonello da Messina, Dürer, Pisanello, Bramante, Michelangelo, Bramantino, Bronzino, Tanzio da Varallo, Bambaia, Cellini, Bernini, Canova, ai moderni come Previati, Dudreville, Mazzucotelli, Rodin, Klinger, Meštrovič, Klimt, Brancusi, De Chirico, Casorati, Martini, Messina, Fontana, Melotti.
Il percorso al San Domenico, allestito dal parigino Wilmotte et Associès e dallo Studio Lucchi e Biserni, disvela così un corpus di 250 opere, di cui 190 solo di Wildt.
L’antica Forum Livii, fondata dai Romani nel II secolo a.C. lungo la Via Emilia, è legata allo scultore grazie al mecenatismo della famiglia Paulucci De Calboli, protagonista della storia della città: Raniero Paulucci De Calboli infatti, nel 1925 aveva donato alla comunità forlivese ben sette sculture del maestro Wildt, in ricordo del figlio Fulceri. Ma molte delle opere esposte provengono anche dall’Archivio Scheiwiller, il noto editore milanese che per via familiare ha ereditato molte opere e materiali dello scultore.

Una delle opere in mostra

Questa di Forlì si rivela una rassegna unica e originale, finalizzata a riportare alla luce l’opera di questo genio dimenticato, attaccato sia dai conservatori, che non lo ritenevano allineato per i contenuti pervasi dal Simbolismo e per i richiami Nordici, sia dai sostenitori del moderno, che mettevano in discussione la sua fedeltà alla figura, la vocazione monumentale, il continuo dialogo con i grandi scultori e pittori del passato.
L’opera di Wildt deve essere rivalutata e collocata al di là di ogni semplicistica schematizzazione, per restituirne l’unicità: una scultura pura, in grado di cogliere l’anima e l’espressività dei soggetti, congelata in un materiale freddo come il marmo che, grazie alla maestria dello scultore, conduce le figure umane a una nudità essenziale e ad un’indiscutibile armonia.

INFORMAZIONI

Sede: Forlì, Musei San Domenico piazza Guido da Montefeltro
Periodo: 28 gennaio – 17 giugno 2012
Biglietto: INTERO € 10,00, RIDOTTO € 7,00
Orari visite: da martedì a venerdì: 9.30-19.00; sabato, domenica, giorni festivi: 9.30-20.00; lunedì chiuso. 9 e 30 aprile apertura straordinaria. La biglietteria chiude un’ora prima

Benedetta Rutigliano

Iniziamo la rassegna proprio da uno spettacolo in cui l’adrenalina, insieme alla danza, è l’ingrediente principale. E’ partito infatti il 31 gennaio il tour Parsons Dance che è attualmente in programmazione al teatro Nuovo di Milano. Il tour si concluderà il 31 marzo, dopo aver toccato le città di tutta la penisola, da Roma a Torino, da Bologna a Catania. Parsons Dance presenta una raccolta delle più belle coreografie di vari artisti, da Hand Dance a Swing Shift, da Caught a Nascimento.

Questi brani classici saranno affiancati da Round my world, ultima creazione che sarà eseguita in prima europea. Nel cast anche Elena D’Amario, giovane artista italiana proveniente dalle fila della trasmissione “Amici” di Maria De Filippi. Proprio grazie al programma tv, Elena ha potuto frequentare a New York uno stage con la compagnia per poi divenirne membro ufficiale lo scorso agosto. Sul palco a fianco a lei: Eric Bourne, Sarah Braverman, Melissa Ullom, Steven Vaughn, Christina Ilisije, Jason Macdonald e Ian Spring.

Dopo il successo dello scorso anno torna al teatro Manzoni la pièce l’Astice al Veleno, di e con Vincenzo Salemme. Lo spettacolo si basa su un meccanismo comico farsesco con i caratteri della commedia brillante e romantica. Lo scorso anno l’Astice al veleno è stato replicato per 129 volte e ha totalizzato oltre 100 mila spettatori, numeri molto elevati per il teatro. A novembre il comico era salito sul palco del Teatro Olimpico di Roma con questo stesso spettacolo e WakeUpNews non si era lasciato sfuggire l’occasione per una recensione (per leggerla cliccare qui).

Al teatro Crt di Milano, acronimo di Centro ricerca per il teatro, è in programmazione uno spettacolo di forte impatto sociale, che porta in scena un tema poco conosciuto ma di grande attualità. Saverio La Ruina è il protagonista di Italianesi. Il titolo è la combinazione delle parole italiani e albanesi e sintetizza il dramma degli italiani che, alla fine della seconda guerra mondiale, sono rimasti intrappolati in Albania con l’avvento del regime dittatoriale e che, nel 1991, sono stati rimpatriati in Italia. Ma il bel paese non li ha accolti da italiani e li ha condannati ad essere albanesi in Italia e italiani in Albania.

E passiamo a Roma, al teatro Umberto Sala dove Marina Massironi porta sul palcoscenico il romanzo di Robby Doyle La donna che sbatteva nelle porte in cui l’attrice in un monologo affronta il tema, purtroppo sempre attuale, della violenza sulle donne. Chiara Campanella, della nostra Redazione cultura, ha visto lo spettacolo e vi ha dedicato un approfondimento: per leggere la recensione cliccare qui.

Al Palladium, continua la tournée di Ascanio Celestini in Pro patria senza prigioni, senza processi, spettacolo che celebra con ironia i 150 anni dell’unità d’Italia.

Marco Papetti

Foto homepage: Federico Riva

Una delle locandine incriminate

Un poster giudicato sessista dall’opinione pubblica francese rischia di costare grosso a Jean Dujardin, l’attore in lizza agli Oscar 2012 come protagonista maschile del film The Artist. In attesa di scoprire se il prestigioso riconoscimento sarà suo, Dujardin è infatti impegnato in Francia nella promozione della sua ultima fatica cinematografica, Les Infideles.

Il titolo non fa mistero dell’argomento trattato, l’infedeltà maschile, che ha visto impegnati 7 registi di fama internazionale in altrettanti episodi sul tema. Dujardin figura invece, insieme a Gilles Lellouche nel cast, che, come di rito in queste circostanze, sta presentando l’opera che sarà alla fine del mese nei cinema francesi. E a destar scandalo sono proprio alcuni manifesti pubblicitari che vedono i 2 attori protagonisti di scene allusive e ammiccanti.

Foto certamente provocanti e provocatorie ma che, forse, nessuno si aspettava scatenassero accese discussioni. Nel giro di breve tempo, le contestazioni  hanno invece assunto proporzioni tali che l’Arpp, l’ente che regola la pubblicità in Francia, ha dovuto disporne il ritiro.  L’accusa,  sostenuta da quattro denunce, è chiara: la campagna in questione offenderebbe la dignità femminile, relegando le donne all’ormai abusato ruolo di mero oggetto sessuale.

Chi, suo malgrado, potrebbe non giovare di tutta quest’attenzione mediatica è però proprio Jean Dujardin, che, durante le votazioni per l’assegnazione della celebre statuetta, potrebbe risultare penalizzato da questa sua posizione di “pietra dello scandalo”. Ad avanzare quest’ipotesi è la stessa stampa francese, l’Oscar si è fatto decisamente più lontano.

Mara Guarino

Foto via: cinema.tuttogratis.it

Il compassato Albert Noobs, interpretato da Glenn Close, va ad aggiungersi a questa variopinta galleria di personaggi.

Nella Dublino degli ultimi anni dell’Ottocento la crisi ha messo in mezzo alla strada numerosi lavoratori e alle donne tocca pagare il prezzo più salato. Albert Noobs, impeccabile cameriere del Morrison Hotel è agli occhi di tutti il lavoratore ideale: riservato, distinto, attento e sempre pronto a svolgere alla perfezione le più svariate mansioni. Albert nasconde un segreto di cui nessuno è a conoscenza: il compassato gentiluomo è in realtà una donna che non sa nulla delle sue origini.

La vita di Albert, nonostante la finzione quotidiana, scorre tranquilla mentre tenta di racimolare il denaro necessario per coronare il suo sogno, aprire una tabaccheria e fare fortuna. La placida esistenza verrà scossa dall’arrivo dalla scoperta di non essere la sola a camuffare la sua vera natura e dall’approssimarsi della realizzazione del suo sogno.

Per completare il quadro di quella che sembrerebbe un’esistenza ideale, Albert ha bisogno di una compagna che l’aiuti a tenere il negozio e a essere rispettabile, compagna individuata nella giovane cameriera Helen (Mia Wasikowska).

A complicare le cose interverrà Joe Machine (Aaron Johnson), un ambizioso, quanto irruento, tuttofare che intreccerà una morbosa relazione con Helen e che spingerà ad assecondare la maldestra corte di Albert per poterlo derubare.

Albert Noobs è una pellicola garbata, in cui il tema del travestimento viene spogliato dei suoi contenuti sessuali per far posto a un discorso sullo smarrimento e sulla perdita dell’identità. Il discorso sull’ambiguità sessuale viene lasciato da parte e affrontato indirettamente.

Glenn Close con Albert Noobs ci regala un’interpretazione misurata, fatta per sottrazione più che per aggiunte di dettagli.

Albert viene caratterizzato come un personaggio in cui non è più presente alcuna natura umana, che si ritrova al centro degli eventi (la vita nell’hotel) ma che ne è, al contempo, fuori (interrogato su episodi buffi accaduti nell’hotel, Albert esita come se non riuscisse a capire cosa sia il divertimento). Un personaggio in cui le emozioni sono bandite e la riservatezza diventa un modo per sopravvivere.

Uno dei difetti della pellicola è quello di soffermarsi esclusivamente su Noobs lasciando cosi gli altri personaggi solo abbozzati. Nonostante questa pecca sono comunque da rimarcare le ottime interpretazioni di Aaron Johnson (Kick Ass), il cui Joe, seppur non distaccandosi troppo dallo stereotipo del giovane ambizioso e di pochi scrupoli, riesce ad avere una scintilla che gli permette di non essere relegato a figura sullo sfondo. Lo stesso discorso vale anche per la camerierina Helen interpretata da Mia Wasikowska (Alice in Wonderland).

Peccato invece per il personaggio del dottor Halloran interpretato da Brendan Gleeson (Harry potter) che non riesce a diventare più che una macchietta.

In conclusione Albert Noobs è una pellicola garbata che riesce a delineare un personaggio interessante seppur non esente da qualche difetto. Una pellicola che non si adatta a tutti i palati ma solo a quelli più avvezzi a film meno diretti.

Davide Schiano di Coscia

Foto | via www.newscinema.it, http://blog.panorama.it

In Italia, ci si prepara a festeggiarlo con due appuntamenti speciali nella capitale. Il primo, la trasmissione di The Dead-Gente di Dublino, adattamento di John Huston all’ultimo racconto dell’opera che, insieme a Ulisse, è considerata uno dei capolavori dell’autore. Nel rispetto della narrazione del testo di partenza, in scena un tradizionale pranzo post-natalizio nell’Irlanda del Novecento tra amici appartenenti all’alta società, che finirà col vedere rivelazioni inaspettate e svolte impreviste. L’appuntamento è per giovedì 2 febbraio alle 21.15 su Studio Universal.

I morti è l’ultimo e forse più famoso racconto di Gente di Dublino, che narra le storie di vita quotidiana di quindici abitanti della città irlandese, focalizzando le vicende sulla dicotomia tra la paralisi morale – derivante dalla situazione politica e religiosa – e la fuga, conseguenza della prima nel momento in cui la percezione della realtà arriva alla coscienza, destinata comunque sempre al fallimento. A farla da padrone nella scrittura di Joyce, come di Virginia Woolf, è la tecnica del flusso di coscienza, che conduce direttamente all’interno della vita dei protagonisti, e che esiste grazie all’”invenzione” dell’epifania, il momento cioè in cui un qualsiasi oggetto della vita quotidiana, un episodio, una persona spalanca – a chi ne sa cogliere il significato simbolico e il potenziale di disvelamento – il senso dell’esistenza. È questo il modo in cui Joyce riesce a creare, attorno alle situazioni apparentemente insignificanti dei suoi personaggi, complessi e affascinanti movimenti della coscienza.

Sempre nella capitale, il Dipartimento di Letterature Comparate dell’Università Roma Tre ospiterà la quinta “James Joyce Graduate Conference”, organizzata dalla James Joyce Italian Foundation, il 16 e il 17 febbraio 2012.

La sua Dublino si organizza invece soprattutto con gli appuntamenti del James Joyce Center, dove il giorno del compleanno dell’autore avrà luogo una lettura dal titolo Joyce, Exiles, Suffragism and the Summer of 1912, seguita poi da un’ interpretazione attorale di Paul O’Hanrahan.

Per gli eventi principali bisognerà però attendere il Bloomsday, celebrazione in onore dello scrittore che si svolge ogni anno il 16 giugno e durante la quale – con una serie di rappresentazioni itineranti per la città – riprendono vita le vicende di Leopold Bloom. Ispirato quindi nel nome al protagonista di Ulisse, il principale romanzo di Joyce è giocato attorno al parallelismo costruito in modo da ricalcare struttura e personaggi dell’Odissea di Omero. Messo per la prima volta in scena il 16 giugno 1904,  la data, scelta dallo stesso Joyce, è quella del primo appuntamento con la futura moglie Nora Barnacle, e che è poi diventata giornata ufficiale dedicata all’artista irlandese. Per ora sono previste alcune letture e drammatizzazioni delle opere di Joyce, sabato 16 giugno 2012, dalle 17 alle 20, affidate in gran parte al James Joyce Centre. Si attendono altre manifestazioni e un vasto programma per il 16 giugno 2012, le cui celebrazioni questa volta saranno condivise anche su Twitter e Facebook.

L’appuntamento di quest’anno si presenta diverso anche per un altro motivo. I diritti sulle opere di Joyce sono scaduti alla fine del 2011 e quindi da quest’anno rappresentazioni e produzioni saranno totalmente free. Per il 2012 si attendono dunque omaggi ancora più numerosi!

Marina Cabiati

]]> http://www.wakeupnews.eu/roma-e-dublino-festeggiano-i-130-anni-di-james-joyce/feed/ 0 http://www.wakeupnews.eu/questa-settimana-al-cinema-42/ http://www.wakeupnews.eu/questa-settimana-al-cinema-42/#comments Thu, 02 Feb 2012 14:23:56 +0000 Stefano Gallone http://www.wakeupnews.eu/?p=72239 Fino a qualche decennio fa, il remake era una pratica utile sia ad assicurarsi una sottospecie di successo commerciale da parte delle rispettive case di produzione (che sembrano veramente aver preso in eterno anche il più lieve calo di incassi al botteghino come l’undicesima piaga d’Egitto, quando sono sempre pronti a banchettare alla faccia dei meno fortunati ma ben più intelligenti e filosoficamente degni di considerazione), sia la possibilità di far rivivere pellicole storiche sotto diversi e ben meno censurabili riflettori (vedi Scarface di De Palma) così come attraverso una rilettura totale assimilabile alla pura parafrasi (lo Psycho di Van Sant). Tutto questo, a grandi linee, dopo intere generazioni cinematografiche, pratica votata anche e soprattutto a svelare come il cinema, almeno fino a qualche tempo fa, sia sempre stato capace di rinnovare (concettualmente più che tecnicamente) se stesso.

Oggi, invece, il vomitevole andazzo generale della società contemporanea vuole che già dopo due o tre anni dalla sua uscita un film possa essere soggetto a remake (sostanzialmente inutile) solo ed esclusivamente per un unico scopo: non ha venduto secondo le aspettative iniziali. E allora giù con lo spargere soldi ad attori e registi famosi pur di attirare pubblico elemosinando letteralmente fama e potere mediatico. È il caso, purtroppo, di quel mezzo genio che è sempre stato David Fincher (indimenticabili Fight Club, Seven e il più recente The social network, oltre alla piaga di Benjamin Button), qui affiancato dalla star bondiana Daniel Craig e da Rooney Mara (era più brava Noomi Rapace nell’originale svedese), oltre che da quel mostro creativo che è Trent Reznor (leader e fondatore dei Nine Inch Nails, di nuovo autore della colonna sonora dopo l’Oscar vinto con The social network, sempre al servizio di Fincher) pur di suscitare attenzione verso libri e relativi film alla faccia dell’originalità creativa. Millennium, allora, altro non è se non un’accozzaglia spettacolare e cardiopalmica comunque ben diretta (vista l’ottima mano del commissionato) ma, nella sostanza, francamente inutile se non ad incrementare il volume del portafogli di Stieg Larsson, l’autore della saga Uomini che odiano le donne. Ed ecco di nuovo, dunque, il giornalista Mikael Blomkvist alle prese con un il potente industriale Henrik Vanger che da quarant’anni cerca la verità e il corpo della giovane nipote, probabilmente assassinata da un membro della famiglia. Mikael, allora, si avvale della collaborazione della giovane Lisbeth Salander, agente investigativo dal passato perturbante. A voi la scelta.

Ben più consigliabile, invece, è il primo esperimento di Martin Scorsese con la tecnologia 3D, vale a dire il tanto atteso Hugo Cabret (con Asa Butterfield, Sacha Baron Cohen, Ben Kingsley, Jude Law), oggetto, come afferma stesso l’autore della trasposizione cinematografica della fiaba di Brian Selznick, di una vera e propria riscoperta registica del cinema, viste le attuali ulteriori possibilità di illusione filmica. Scorsese, allora, affronta la storia di Hugo, un piccolo orfano che vive nascosto nella stazione di Paris Montparnasse negli anni trenta. Quando viene a scoprire, successivamente alla morte del padre orologiaio, uno straordinario automa guasto, decide di ripararlo grazie anche all’aiuto di un’eccentrica ragazza. L’automa, però, detiene segreti che riportano in vita vicende passate rimaste inabissate. A lungo andare, seguendo la trama e il senso dello svolgimento, un ennesimo scorsesiano atto d’amore verso il cinema.

Altra pellicola degna di considerazione per la sua decisa carica di rabbia e passione potrebbe essere il curiosissimo Hesher è stato qui (dal titolo disegnato come il logo dei Metallica, tra l’altro: di Spencer Susser, con Joseph Gordon-Levitt, Natalie Portman, Rainn Wilson), storia di T.J, un ragazzino da poco orfano di madre a causa di un violento incidente stradale e la cui vita familiare viene sconvolta, oltre che dall’avere anche un padre in stato vegetativo, anche dall’arrivo in casa di Hesher, un pazzoide metallaro dai capelli lunghi e pieno di tatuaggi che altro non sa fare se non far valere i suoi eccessi comportamentali. L’incrociarsi delle due vite, seppur completamente differenti, però, porterà entrambi a compiere un processo di autoconsapevolezza del proprio esistere sulla faccia della terra.

Per alleggerire (eccome) l’eventuale peso portante di film d’intrattenimento ma comunque dotati di un minimo di senso, arriva il lungometraggio dei mitici pupazzi Muppet (regia di James Bobin, con Jason Segel, Amy Adams, Chris Cooper), vera e propria reunion cinematografica (non bastavano quelle musicali) della storica gang televisiva che tanto ha appassionato e fatto sorridere intere generazioni. Gary e walter sono affezionati fratelli: il secondo, in particolare, è un grande appassionato del famosissimo Muppet Show e coltiva il sogno impossibile di farne parte. Quando, però, Gary e la fidanzata Mary accompagnano Walter ai Muppet Studios durante una vacanza a Los Angeles, insieme scoprono che l’edificio sta letteralmente crollando a pezzi e va per finire nel più totale dimenticatoio assieme a tutti i suoi personaggi. Solo una reunion di beneficenza, allora, potrà raccogliere i fondi necessari per salvare gli Studios.

Infine, altre due pellicole potrebbero destare un consistente interesse. La prima, francese, è Polisse (regia di Maiwenn Le Besco, con Karin Viard, Marina Fois, Nicholas Duvauchelle, Maiwenn Le Besco), storia di un gruppo di poliziotti dell’unità parigina di Protezione dell’infanzia, perennemente impegnati nella difficilissima assistenza a bambini vittime di svariate modalità di abuso, piccoli ladruncoli o ragazzine dalla sessualità fuori controllo. Sforzandosi, dunque, di trovare una soluzione plausibile per ognuno dei casi a solo assegnati, i protagonisti dovranno necessariamente paragonare tali situazioni alle loro personali condizioni comunque non di facilissimo approccio. La seconda pellicola, in questione, invece italiana, è Sulla strada di casa (regia di Emiliano Corapi, con Daniele Liotti, Vinicio Marchionni, Claudia Pandolfi, Donatella Finocchiaro), vicenda incentrata su Alberto, padre di famiglia con una consorte che egli stesso giudica troppo sincera ed ingenua perché non riesce a cogliere la sua “doppia attività” di corriere per gente poco raccomandabile. In una di queste spedizioni, però, qualcosa va storto e la sua famiglia viene presa in ostaggio da tre malviventi interessati al carico di cui è responsabile.

Buona visione.

Stefano Gallone

Milano

Del brano è stato realizzato un videoclip, visibile sul sito www.tgcom.it e, da lunedì 30 gennaio, anche su tutti i canali ufficiali dell’artista: protagoniste del video sono persone comuni, scelte attraverso un contest via Facebook.

“Le Viole” è un brano incentrato sul tema della violenza sociale. “In questo momento storico di grande incertezza – dichiara Lighea – abbiamo costruito una società schiava di false ritualità. Oggi si respira nell’aria la voglia di ritornare a nutrirsi dell’essenziale. La mia canzone vuole proprio essere un inno alla semplicità, verso un ritorno alle cose autentiche”.

L’album “Temeraria” rappresenterà un’occasione di visibilità per i giovani artisti: la copertina ed il booklet dell’album, ispirati ai testi dei brani, saranno infatti realizzati da alcuni studenti di arte. Dal 10 febbraio, inoltre, verrà indetto un contest per giovani talentuosi video maker: il vincitore avrà la possibilità di realizzare il videoclip del secondo singolo estratto dall’album.

Spazio ai giovani talenti, quindi: la sfida sta per aprirsi.

Nadia Galliano

Foto || via Paroleedintorni

La locandina

ROMA – Che cosa succede quando, su un ponte di periferia, si incontrano due uomini di mezza età, profondamente diversi per cultura e formazione, con esperienze alle spalle molto distanti tra loro, ma accomunati dal desiderio di porre fine alla propria vita gettandosi nel precipizio sottostante?

Prova ad immaginarlo Francesco Brandi, autore e regista di Niente progetti per il futuro, in scena al teatro Quirino di Roma fino al prossimo 19 gennaio.

Tobia Tedeschi (Enzo Iacchetti) è un divo della televisione cinico e disincantato. Caduto in disgrazia mediatica non riesce a ritrovare la serenità interiore nè un nuovo equilibrio, neppure nella relazione affettiva con Morena, giovane e bella ‘starletta’ del piccolo schermo pazzamente innamorata di lui. Schiavo dello share e incapace di sopportare di essere ai margini della notorietà, è un uomo egocentrico e pieno di sé, talmente ossessionato dal fatto di piacere ed essere accettato da avere un’agenda intera per elencare, contrassegnati da stellette e teschietti, coloro che lo amano oppure no. Nel giorno del matrimonio, abbandonata la sposa e il banchetto nuziale poche ore dopo il sì, si attacca al collo di una bottiglia di champagne cercando il coraggio di saltare nel vuoto.

Ivan (Giobbe Covatta) di professione fa il garagista ed è uno spirito umile e ingenuo, buono di natura ed estremamente socievole, incline alla chiacchiera e all’altruismo. Di livello culturale medio-basso, ma mosso da curiosità intellettuali più elevate variabilmente oscillanti tra filosofia e cinefilia, avrebbe voluto dall’esistenza poche, ma concrete certezze (un vero amico, una donna fedele e un figlio), ma il tradimento della moglie – la verace e ‘ciaciona’ sarta Angela – lo ha gettato nello sconforto fino a spingerlo alla decisione estrema: il suicidio.

Due vite quasi agli sgoccioli che, per caso, si incrociano, scatenando un’ora e mezza di dialoghi e scambi di battute sospese tra dramma e leggerezza, tragicità e sorriso. Attraverso i punti di vista – nettamente agli antipodi – dei due protagonisti, si esplorano le problematiche più comuni della società contemporanea: la selvaggia competizione sul lavoro, la ricerca esasperata del successo, la difficoltà di instaurare rapporti umani duraturi basati sulla fiducia, la crisi degli affetti (e quella economica), la mancanza diffusa di sincerità, il crescente dissolversi dei valori e dei princìpi morali, il dominio dell’ipocrisia, la sempre maggiore fragilità emotiva.

Le riflessioni e i racconti di Ivan, spesso ai limiti del surreale anche solo per la sua dote innata di storpiare termini e concetti (con un bene immaginabile effetto comico), se provocano da un lato la rabbia e l’esasperazione di Tobia, dall’altro diventano input per un ripensamento di entrambi sulla propria vita e sull’esistenza in generale. Così la decisione estrema ne risulta continuamente rinviata, mai ricusata eppure procrastinata chiamando in causa la religione, il Padreterno e la figura dell’angelo custode – da cui tutti e due aspettano un segno divino che li induca a desistere – oppure l’insieme dei ricordi immagazzinati nella memoria, o ancora, in maniera molto più terra terra, il suono invasivo e salvifico di una chiamata che arriva da un telefono cellulare.

Un momento dello spettacolo

Se non proprio un’amicizia senza dubbio, lungo i bordi di quel ponte pedonale, nasce tra i due un rapporto di reciproco sostegno, segnato da scontri e conflittualità certo, ma che non degenera neppure quando si scopre tra loro l’esistenza di un inaspettato trait d’union…ma non sveliamo più di quanto sia lecito. Incontro segnato dal destino allora? Positiva fatalità che ribalta da negativo a positivo il segno davanti a due vite che, divise in un primo momento, si sarebbero ritrovate unite nella morte, ma finiscono invece per affiancarsi prima che sia troppo tardi?

Non resta che scoprirlo a teatro, godendo di uno spettacolo capace di affrontare i grandi problemi della vita umana con una giusta dose di comicità e ironia, di stemperare anche gli aspetti più tragici senza per questo cadere in troppo facili o scontate semplificazioni, banalità, volgarità. Un commi-dramma che sarebbe un peccato non includere tra i propri ‘progetti per il futuro’.

Laura Dabbene

Per informazioni e biglietti cliccare qui – link diretto al Teatro Quirino di Roma

Foto  flickr.com; teatrofraschini.it

Massimiliano Gioni

MILANO- Italianissimo il nuovo Direttore della 55esima edizione della Biennale di Venezia per la sezione Arti Visive: Massimiliano Gioni, classe 73, è stato infatti nominato a maggioranza con tale ruolo dal Cda presieduto da Paolo Baratta. L’edizione del 2013, dopo quattro Biennali d’Arte guidate da stranieri, torna a riporre fiducia in un italiano emergente; dopo il successo dell’ultima Biennale curata da Bice Curiger, la Biennale, “fra le possibili soluzioni in campo internazionale ha individuato in Massimiliano Gioni una personalità giovane, che ha già accumulato importantissimi incarichi che egli ha svolto in modo da conquistare autorevolezza tra gli artisti e i critici di tutto il mondo”, commenta il Presidente Baratta.
Attualmente Gioni è niente poco di meno che Associate Director del New Museum di New York e dal 2003 direttore artistico della Fondazione Trussardi, per la quale quest’anno ha curato la mostra Pipilotti Rist, all’ex cinema Manzoni. Per la nota fondazione ha deciso di recuperare luoghi dimenticati, ma storici, del capoluogo lombardo: dalla sala reale della Stazione Centrale al Circolo Filologico, dal Palazzo della Ragione al Cinema Manzoni.
Come Francesco Bonami, l’ultimo italiano che ha curato l’edizione 2003 della Biennale, Gioni nasce da Flash Art: fu il primo a cui venne affidata con un vero stipendio la caporedazione della rivista a New York, dal 2000 al 2002. Ha collaborato come editor con case editrici come Charta, Mondadori, Phaidon, Les Presses du Reel, Dijon e Rizzoli; già nel 2003 Bonami lo aveva chiamato a curare La zona, quella sorta di Padiglione Italia ai Giardini della 50esima Biennale.
Si è occupato della realizzazione di diversi progetti curatoriali tra cui, in collaborazione con l’artista Maurizio Cattelan e la curatrice Ali Subotniak, la cura della biennale di Berlino del 2006, la creazione della rivista Charley e della mini galleria itinerante Wrong Gallery, inizialmente allestita nel 2002 a New York e spostata nel 2005 alla Tate Modern di Londra.
Nessun commento del giovane curatore, che al momento è in India. Siamo curiosi di sapere come Gioni risveglierà il sistema italiano dell’arte contemporanea, e se lo farà con Cattelan…

Benedetta Rutigliano

In seguito alle nomine, il consigliere d’amministrazione della Rai, Nino Rizzo Nervo, ha inviato una lettera formale di dimissioni al presidente di Viale Mazzini, Paolo Garimberti. «Caro Presidente, le decisioni assunte oggi dal Consiglio di amministrazione su proposta del Direttore generale in merito alle direzioni del TG1 e della TGR mi inducono a rassegnare le dimissioni», scrive. «Giudico quanto è avvenuto – continua Rizzo Nervo – l’ultimo scriteriato atto di una gestione aziendale condizionata da logiche di parte che sta spingendo l’azienda verso un rapido declino».

Per il presidente della Rai, Paolo Garimberti, «ciò che è accaduto oggi è la conferma che questa governance condanna la Rai all’ingovernabilità e che è urgente affrontare il problema delle norme che regolano la vita e l’attività dell’Azienda. E’ l’appello che rivolgo nuovamente con impellenza alle istituzioni competenti e in primo luogo all’Azionista anche alla luce della grave situazione che si è creata con le dimissioni di un Consigliere», dichiara in una nota. «Mi spiace che Nino Rizzo Nervo abbia deciso di rassegnare le dimissioni – aggiunge -. Pur comprendendone le ragioni, penso che sia opportuno però oggi continuare dall’interno una battaglia per migliorare la governance della Rai e per consegnare l’Azienda in condizioni più adeguate a chi verràdopo di noi».

«Il voto di stasera – rileva Garimberti – indica che a forza di star chiusi nel Palazzo della Rai si perde la sintonia con il Paese. Si poteva ragionare su un mandato dei direttori legato a quello della durata del Cda ma la pervicacia con cui si sono portate avanti le nomine al Tg1 e alla Tgr dimostra che non si tratta di nomine di emergenza ma di nomine che hanno spaccato il Consiglio e che per questo non possono che incontrare la mia disapprovazione, soprattutto perché il direttore generale aveva preso altri impegni al momento del primo interim consegnato ad Alberto Maccari».

Il direttore generale della Rai, Lorenza Lei, replica alle critiche: «Nella seduta odierna – sottolinea – è stato approvato l’intendimento di nomina di due professionalità interne alla Rai la cui competenza è fuori discussione». «Rivendico l’autonomia delle scelte e spiace – osserva – che possano essere state interpretate con logiche che non mi appartengono, come dimostrano ampiamente tutte le scelte assunte in questi nove mesi da direttore generale della Rai». Il consigliere Rai Antonio Verro assicura: «Non c’è stato nessun patto. Sono state valorizzate le risorse interne». «Maccari e Casarin sono dei professionisti stimati che hanno trascorso una vita in Rai e hanno fatto gran parte della loro carriera in quelle stesse testate per cui oggi sono stati indicati come direttori», conclude.

Per il segretario Usigrai Carlo Verna «il cda ha autocertificato la fine di una negativa esperienza. Il voto 5 a 4 è il capolinea di ogni tentativo di trovare soluzioni condivise nell’interesse dell’azienda e non dei partiti di riferimento dei consiglieri». Il Pd sta valutando di indire una mobilitazione nei prossimi giorni dopo le decisioni di oggi sulle nomine prese a maggioranza dal Cda della Rai. «Non resteremo con le mani in mano. Non staremo di certo fermi davanti a coloro che vogliono vedere distrutta un’azienda pubblica», afferma il segretario del Pd, Pier Luigi Bersani.

All’attacco anche il presidente Idv, Antonio Di Pietro, che afferma: «La misura è colma. Adesso anche il governo faccia la sua parte e restituisca dignità al servizio pubblico della Rai e ai tanti professionisti che vi lavorano, defenestrando i partiti dalla gestione dell’azienda». Il leader di Sel, Nichi Vendola, sottolinea: «E’ uno scandalo lungamente preparato ed annunciato». «Il servizio pubblico dell’informazione – aggiunge – ancora una volta è umiliato dalla protervia di un potere politico volgare e dozzinalmente padronale».

Natalia Radicchio

Foto| via http://iltelevisionario.files.wordpress.com

Milano - Festival del Fumetto 4-5 febbraio 2012

Anno bisesto, anno funesto. Questo il detto popolare che vuole le annate con un febbraio insolitamente allungato fino al giorno 29, segnate da una negatività che qualcuno definirebbe, semplicemente, ‘jella’. Non vale il proverbio sotto il profilo biblionautico, perché anche il febbraio 2012 si preannuncia ricco di appuntamenti accomunati da un unico grande amore: il libro.

La partenza è esplosiva, perché soltanto nel primo fine settimana si concentrano ben tre eventi di rilievo.

A Milano, al Parco esposizioni Novegro, si tiene il 4 e il 5 febbraio l’VIII edizione del Festival del Fumetto. Qualcuno ormai preferisce chiamarla graphic novel, ma anche con i suoi vecchi nomi – strisce o comics che sia – questa forma di narrazione è senza dubbio degna di rientrare tra i grandi generi della letteratura. Lo dimostrano i tantissimi prodotti di alta qualità circolanti nonché i numerosi appassionati e collezionisti che senza dubbio troveranno nell’evento milanese l’occasione giusta per soddisfare i propri interessi e trovare magari il fumetto dei desideri: una parte dell’area sarà infatti dedicata ad un vero e proprio mercato del fumetto. Come spesso succede nelle kermesse che celebrano i comix ci sarà spazio anche per videogames e giochi di ruolo in due settori studiati appositamente per ospitare tornei, role play e presentazioni delle ultime novità.

Una curiosità? Al Festival è unito il Potter raduno, convention dei fans del maghetto con gli occhiali, e saranno presenti per incontrare il pubblico i doppiatori italiani di Harry e Severus Piton. Per pianificare la visita e progettare la propria sessione di gioco si può consultare il sito  www.festivaldelfumetto.com.

Stesso sabato e stessa domenica per BUK, il Festival della piccola e media editoria di Modena, come da tradizione nella sede del Foro Boario. Per il quinto anno consecutivo la manifestazione, nata per diffondere la produzione libraria ed editoriale dei ‘piccoli’, torna con un programma ricco e articolato di incontri, conferenze, dibattiti, presentazioni, reading e momenti di svago alternativi, segnati dalla musica e dalle performance teatrali. Oltre cento le case editrici presenti con le proprie pubblicazioni e con la propria scuderia di autori. Molti di questi avranno modo di confrontarsi con il pubblico come ad esempio Andrea Satta, forse noto ai più per la sua attività di musicista (è la voce dei Tete de bois): sabato 4 febbraio alle ore 17,30 alla Sala Pirandello parlerà del suo Ci sarà una volta. Favole e Mamme in ambulatorio. Attesi tra gli ospiti anche l’autore ed attore teatrale Sergio Pierattini (domenica 5 febbraio, ore 11,30) e l’ex comandante dei Ris di Parma, generale Luciano Garofalo, per un dibattito sul tema Uomini che uccidono le donne (domenica 5, ore 17). Per approfondire il calendario degli eventi e conoscere gli espositori www.bukmodena.it.

Inizia venerdì 3 e si conclude domenica 5 anche la VI edizione del NebbiaGialla Suzzara Noir Festival, ideato e diretto da Paolo Roversi. Il giallo è un genere da sempre amato, spesso apprezzato anche da chi non può certo essere considerato un lettore accanito, e la rassegna di Suzzara è per questo una buona occasione per avvicinare al mondo dei libri persino i più riottosi. Oltre al fatto di poter dialogare con autori famosissimi e veri maestri del settore – da Massimo Carlotto a Donato Carrisi – l’appuntamento con NebbiaGialla vede in primo piano un programma di  eventi tesi a valorizzare quest’area territoriale della Bassa dove, a parte appunto la nebbia, si abbonda in ottimi prodotti enogastronomici. Ecco allora che libri e cibo si ritrovano uniti in più occasioni: sabato 4 c’è la merenda con gli autori del festival  Due Chiacchiere e una fetta di torta (ore 16.15) oppure l’Aperitivo in Enoteca col Giallo Mondadori (ore 19), mentre domenica 5 suggestivo il Pranzo con delitto (ore 12,45) a base di specialità mantovane. Il calendario completo degli appuntamenti è sul sito www.nebbiagialla.it.

La locandina del festival Ananti de sa ziminera

Nel corso del mese si svolgono, fino al 18, gli appuntamenti del Festival diffuso Ananti de sa Ziminera, dislocato in una serie di comuni tra il Montiferru e il Sinis, attorno ad Oristano. Nei cinque centri di Bauladu, Milis, Narbolia, Nurachi e Tramatza i fine settimana di febbraio saranno all’insegna di letteratura e cultura letteraria con un nutrito programma di laboratori di scrittura creativa, incontri con gli autori e dibattiti su temi intimamente legati al territorio (La Sardegna agli occhi dei viaggiatori dell’800 e del ‘900, 4 febbraio; Il locale ed il globale nell’esperienza giovanile sarda, 17 febbraio), divagazioni cultural-musicali (incontro su Il ruolo della musica nella società contemporanea con Pierpaolo Capovilla, 5 febbraio), reading  e confronti con scrittori di rinomata fama (A tu per tu  Michela Murgia incontra Concita De Gregorio, 11 febbraio). Non manca a questo festival ‘itinerante’ un vasto calendario pensato per i ragazzi che va loro incontro direttamente all’interno delle scuole. Possibile approfodire il programma partendo dalla pagina facebook  del festival.

Ricordiamo inoltre che a febbraio continuano molte delle rassegne partite il mese scorso e di cui si è già trattato nella rubrica di gennaio: Convivio – Incontri letterari ed enogastronomici a Km 0 a Pavone Canavese e Vi racconto un romanzo a Roma.

Per tutto ciò che abbiamo dimenticato confidiamo nelle vostre segnalazioni e potete naturalmente inviarci anche consigli, suggerimenti, opinioni, commenti…per un febbraio pieno di libri.

Laura Dabbene

Foto festivaldelfumetto.com, http://www.facebook.com/pages/ANANTI-DE-SA-ZIMINERA

L'originalità stavolta non sta solo nel contenuto

Milano – Nata nel 1999 a Londra, da un’idea del gallerista Will Ramsay ed esportata poi in giro per il mondo – mietendo successi in città come Londra, Parigi, Bruxelles, New York, Sidney e Melbourne – sbarca ora a Milano The Affordable Art Fair. Non si tratta della solita fiera d’arte contemporanea, bensì della prima dedicata a opere in vendita rigorosamente a meno di 5000 euro.

Sicuramente un’occasione per scoprire nuovi talenti e scovare nuove tendenze in un ambiente che cambia alla velocità della luce, ma soprattutto un evento internazionale dedicato agli appassionati del settore, soprattutto a quelli che finora hanno amato senza mai potersi permettere di comprare. Non c’entra solo l’aspetto economico; spesso chi si avvicina all’arte per la prima volta è spaventato anche da quella certa sensazione di inadeguatezza che coglie sulla soglia di una galleria, responsabilità di un ambiente che tiene troppo a rimanere arroccato nella sua torre d’avorio. Ecco, il concetto di questo evento sovverte invece lo snobismo di molti ambienti artistici contemporanei, convinti che l’arte sia roba per pochi eletti e che i prezzi esorbitanti siano garanzia di assoluta genialità e buon gusto e che per di più evitino che l’arte diventi roba troppo “popolare”.

La provocazione è quella tipica dell'arte contemporanea, i prezzi tutt'altro

Spiacenti per loro ma a Milano sembra davvero iniziare un’opera di “democratizzazione artistica” che forse allontanerà lo spettro dell’incancrenimento del settore. Che si sia galleristi convinti alla ricerca di un nuovo pezzo o collezionisti alle prime armi decisi a puntare su un investimento diverso dal solito, The Affordable Art Fair sembra il posto giusto. Un luogo pragmatico, lineare, very british, con prezzi esposti in chiaro e calmierati (da 100 a 5mila euro, quando mai si è visto qualcosa del genere?), la fiera “abbordabile” arriva a Milano con 60 gallerie, di cui 20 straniere: ci sono i nuovissimi multipli, realizzati dall’ Hangar Bicocca con artisti come Alfredo Jaar e Carlos Casas, le foto della galleria Forma, i disegni di Marzio Tamer o le stampe vintage di Angelo Frontoni, maestro del ritratto fotografico da Cinecittà a Hollywood. Non mancano pittura, collage, scultura, una mostra di Young talents con opere di neolaureati di Brera, ma anche spazi e laboratori per i bambini, workshop per scoprire le principali tecniche artistiche e persino il coinvolgimento dei social network. Insomma, innovazione e dinamismo ci sono e l’ ingranaggio pare essere quello giusto per mettere l’opera sottobraccio al visitatore.

Finalmente in controtendenza rispetto al dorato mondo dell’arte contemporanea più spesso simile a un circolo privato,  la fiera allestita al Superstudio Più di via Tortona, dal 2 al 5 febbraio, sembra destinata a replicare a Milano il successo ottenuto altrove. Diecimila i visitatori attesi, molti dei quali compreranno arte originale per la prima volta, contribuendo a scardinare luoghi comuni e a liberare l’arte da un ambiente da tempo troppo polveroso.

INFORMAZIONI

AAF -The Affordable Art Fair, Superstudio Più, via Tortona 27, Milano

Tel. 02 422501, e-mail info@superstudiogroup.com.

Orario d’apertura: giovedì 2 febbraio dalle 11.00 alle 18.00, venerdì 4 febbraio dalle 11.00 alle 20.00, sabato 4 febbraio dalle 11.00 alle 20.00 e domenica 5 febbraio dalle 11.00 alle 18.00. Biglietti: 12 euro al pubblico, 10 euro in prevendita come ingresso.

Marina Cabiati

Los Angeles –

Era da tempo che il musicista di Detroit aveva smesso di deliziare i propri fan con la sua voce e soprattutto col graffiante suono delle sue chitarre. Nemmeno i due side project Raconteurs e Dead Weather, seppur con produzioni di buonissimo livello, hanno avuto un seguito, ma ora Jack White è davvero tornato.

Per apprezzare l’intero disco bisognerà aspettare aprile, ma è già online ascoltabile in streaming sul sito ufficiale di White, il singolo che ne anticipa l’uscita americana, la stupenda “Love interruption” (video sotto).

“Blunderbuss” è un album fatto in casa, visto che il lavoro è stato assemblato interamente presso lo studio della Third Man Records, etichetta dello stesso ex White Stripes, il quale ha così commentato la sua nuova produzione: “Ho tralasciato fare dischi a mio nome per molto tempo, ma queste canzoni potevano essere rappresentate solamente a nome mio. Queste canzoni sono state scritte ex novo, non hanno niente a che fare con nessuno e sono solo mia espressione, miei colori e mie tele”.

Il suono di Love Interruption non ha la potenza di Seven Nation Army o l’aggressività di Hang You From The Heavens dei Dead Weather e probabilmente nemmeno la stessa musicalità e cantabilità di Steady As She Goes dei Raconteurs, ma rappresenta senza dubbio il segnale di una crescita significativa del musicista di Detroit, una delle menti più creative della recente storia del rock n’ roll.

foto: sheknows.com

 Davide Lopez

La rassegna intende ripercorrere la storia dei ghetti nazisti in Polonia, dal 1939 al 1944: la loro istituzione, la vita quotidiana al loro interno, la fame, le malattie, la violenza, il lavoro coatto, le deportazioni, la resistenza, le liquidazioni finali. Tantissime fotografie, giornali, manifesti, documenti e filmati (provenienti da istituzioni pubbliche e private e musei e archivi internazionali) compongono il percorso espositivo suddiviso in quattro sezioni che raccontano uno dei momenti più bui della nostra storia recente.

L’esposizione si apre con una premessa, un breve racconto del ghetto nella storia, una panoramica sulla storia degli ebrei in Polonia e la loro persecuzione nella Germania nazista fino alla seconda guerra mondiale. Si arriva poi alla prima sezione, che prende le mosse dall’occupazione della Polonia e  descrive le prime espulsioni degli ebrei fino ad arrivare all’istituzione dei ghetti. La vita degli ebrei nei ghetti fra regolamenti e restrizioni, saccheggi e distruzioni, maltrattamenti e uccisioni singole, è raccontata, invece, nella seconda sezione che costituisce il nucleo centrale della rassegna. Qui si evidenziano le condizioni di vita degli ebrei,
come esse siano segnate dalla fame e dalle malattie e come gran parte degli ebrei sia costretta al lavoro forzato, ma allo stesso tempo come, nell’ambito delle limitazioni imposte dai nazisti, gli ebrei trovino lo spazio per una vita religiosa, sociale e culturale, cercando di condurre una vita normale, anche trasgredendo agli ordini dei nazisti.

Segue poi un focus sulla propaganda antiebraica nazista in Polonia. E’ qui che trova spazio la narrazione del caso di ‘Theresienstad’, la città ideale costruita da Hitler per gli ebrei. Una serie di documenti e materiali espositivi illustrano la reazione del mondo di fronte alla tragedia. Infatti, alcune notizie dell’istituzione dei ghetti e delle violenze in atto raggiungono sia gli Alleati che l’Italia. Infine, l’ultima sezione riguarda il tema della liquidazione dei ghetti e degli abitanti attraverso le fucilazioni di massa e le deportazioni versi i campi di sterminio. Non si parla solo dei persecutori, ma anche dei soccorritori.

La mostra ha lo scopo evidente di sensibilizzare il visitatore su temi quali il razzismo e l’emarginazione, facendogli vivere momenti di forte impatto emozionale–comunicazionale, anche attraverso la creazione di scenografie che ricordano specificatamente i Ghetti nazisti (il muro, il filo spinato, le pareti scure, ecc). Tutto questo per sottolineare la crudeltà di quel momento storico e per fornire, soprattutto ai giovani, gli strumenti necessari per non dimenticare, consapevoli dell’importanza dei valori di pace, di tolleranza e comprensione reciproca. Infatti, nelle numerose didascalie presenti nella rassegna viene utilizzato un linguaggio comprensibile a tutti, soprattutto agli studenti e alle nuove generazioni.

Probabilmente  la scelta dell’ingresso gratuito all’esposizione deriva proprio dal fatto che si vuole coinvolgere il più possibile il pubblico davanti a queste atrocità e davanti ad un passato che ci consegna un trauma insuperabile. Tuttavia, c’è la consapevolezza che si può sconfiggere l’orrore in un solo modo: ricordare e non dimenticare mai. E l’esposizione vuole evidenziare proprio questo…

Chiara Campanella

Foto via romaebraica.it; beniculturali.it

Luigi Ghirri (1943-1992)

Ha un doppio titolo inglese (anzi meglio anglo-americano) e italiano, la mostra fotografica che inaugura giovedì 2 febbraio alla Howard Greenberg Gallery di New York (41 E 57 Street, 14th Floor): An Italian Perspective/Una prospettiva italiana. Questo sicuramente perchè – considerata la location – deve parlare ad un pubblico internazionale, ma anche per il senso duplice che la anima.

L’allestimento e la curatela della critica e storica dell’arte specializzata in fotografia, Angela Madesani, vuole infatti stimolare proprio nel visitatore straniero che si approccia all’Italia, alle sue città e ai suoi paesaggi (ritratti negli scatti di 4 maestri come Luigi Ghirri, Vincenzo Castella, Gabriele Basilico e Massimo Vitali), una riflessione sull’esistenza – possibile o meno – di una qualche identità fotografica nazionale. Ci si pone la domanda se esista o meno nel lavoro di questi artisti che – nati nel secondo dopoguerra – hanno raccontato per immagini il Paese degli ultimi decenni, un qualche elemento che come un fil rouge ne segni i percorsi in direzione di una lingua comune, propria in un certo senso  dell’Italia e dell’italianità quale nessun altro potrebbe avere.

La ‘prospettiva’ italiana cessa quindi di essere solo un punto di vista su un oggetto o un luogo, ma assume un valore differente e concettuale.

La curatrice ha portato a New York 4 artisti che in molti progetti e reportage hanno scelto luoghi e città – non sempre entro i confini nazionali – come soggetti privilegiati di indagine e analisi.

Uno è Luigi Ghirri, nato a Scandiano (RE) nel 1943 e scomparso nel 1992, autore negli anni ’80 di ‘cicli’  poi divenuti allestimenti espositivi come come Iconicittà (a Ferrara, 1980), Esplorazioni sulla via Emilia (a Bologna, nel 1986) o Viaggio in Italia (a Bari, 1984) in cui non è mancato mai l’approccio concettuale che ne identifica il lavoro. Alla Howard Greenberg Gallery ci saranno immagini riconducibili all’attività di Ghirri a partire dagli anni Settanta e fino agli ultimi progetti.

Coetanei tra loro, di appena un anno più giovani di Ghirri e ancora in attività, sono Gabriele Basilico e Massimo Vitali: classe 1944 sono entrambi lombardi – il primo è milanese, mentre il secondo è nato a Como -  e rappresentano a livello internazionale la prima linea della fotografia italiana. Loro lavori hanno già incontrato il grande pubblico fuori dai confini della penisola in istituzioni di rilievo come il San Francisco Museum of Modern Art e il Solomon R. Guggenheim di New York – solo per rimanere in ambito statunitense – e in Europa i loro scatti hanno trovato spazio ad Amsterdam (Stedelijk Museum), Parigi (Musée Européen de la Photographie, Centre Pompidou, Fondazione Cartier),  e ancora a Valencia, Madrid, Francoforte, Dusseldorf.

Di Basilico saranno in mostra, tra le altre, le fotografie realizzate nel 1984 per la Mission Photographique de la DATAR (Délégation à l’Aménagement du Territoire et à l’Action Régionale): come specialista in fotografia documentaristica, Basilico fu infatti chiamato insieme ad altri noti fotografi a servizio del governo francese, per una vasta operazione di mappatura per immagini delle trasformazioni del paesaggio urbano e rurale. Ne risultarono alcuni tra gli scatti più significativi nella carriera di Basilico, in linea con la sua predilezione per i paesaggi industriali e le aree urbane. Con un uso esclusivo del bianco  e nero, l’artista ha esplorato l’identità e l’anima anche di molte altre città del mondo come Roma, Mosca e San Francisco.

Una delle "Spiagge" di Massimo Vitali

Tipologia differente di luoghi di aggregazione sono quelli cui, negli ultimi 20 anni, ha dedicato la sua attenzione Massimo Vitali. Forse senza saperlo qualcuno può essersi imbattuto in una delle foto del suo ciclo sulle spiagge (ricordate la copertina Garzanti del romanzo di Giuseppe Culicchia, Un’estate al mare?). In questi spazi collettivi, dove le masse si riuniscono, il fotografo ha riconosciuto uno spaccato sociologico di eccezionale interesse e per questo li ha resi suoi soggetti prediletti, sviscerati in centinaia di scatti tutti simili e tutti differenti.

Ma alla Howard Greenberg Gallery il visitatore potrà trovare non solo le opere storiche di Ghirri, Basilico e Vitali, ma anche alcuni lavori inediti nonchè un’immagine della città italiana forse più fotografata e visitata al mondo, Venezia, realizzata appositamente per l’esposizione. Si tratta degli scatti del napoletano Vincenzo Castella, il più giovane del quartetto (classe 1952) ed artista poliedrico, cimentatosi nel 2009 anche con la tecnica video (Amsterdam, Cronache da Milano).  Istanbul, Malta e Venezia sono i tre luoghi raccontati da Castella attraverso la sua fotocamera: i primi due durante progetti risalenti al 2010, l’ultimo – come già detto – in esclusiva per la mostra.

L’esposizione è organizzata dalla galleria Studio La Città di Verona e l’appuntamento con il vernissage è per giovedì 2 febbraio alle ore 17,30.

An Italian perspective/Una prospettiva italiana
2 febbraio – 13 marzo 2012

Howard Greenberg Gallery
41 E 57 Street, 14th Floor, NEW YORK
www.howardgreenberg.com
info@howardgreenberg.com

Laura Dabbene

Foto nadirnews.altervista.org; nearte.blogspot.com

Insieme a Leggere il mondo e Books Boarding – Libri all’imbarco, la redazione Cultura proporrà ogni mese questa rubrica dai toni volutamente polemici e dissacranti. Il titolo è già in sè programmatico e la scelta di mettere la foto della copertina del libro capovolta – come notate qui accanto – non è affatto un errore. E che dire poi di qualche artistico ‘ritocco’ al ritratto dell’autore? Avrete insomma capito che si tratterà di opere, più o meno recenti, che per qualche motivo hanno deluso le nostre aspettative di lettori appassionati. Chissà se vi troveremo o no concordi con le nostre stroncature?

Ma basta con i preliminari! Entriamo nel vivo dell’arena ‘distruggendo’ Glamorama, di Bret Easton Ellis.

Di questo autore si è già scritto e detto praticamente tutto: padre della letteratura trasgressiva e sperimentale, esordisce a metà degli anni ‘80 a soli ventun’anni con il romanzo Meno di Zero, radiografia allucinata e perversa dei ricchi liceali californiani. Il successo è immediato e grandissimo: Ellis diventa, insieme a Jay McInerney e Tama Janowitz, lo scrittore di punta del brat pack, un gruppo di giovani scrittori americani accomunati da uno stile minimalista, urbano e drogato che analizza le perversioni e le contraddizioni della ricca e luccicante società statunitense degli anni ‘80.

Come spesso succede, anche gli scrittori più talentuosi incappano però nel romanzo poco riuscito: Glamorama è il grande flop della bibliografia di Bret Easton Ellis.

Protagonista del romanzo è Victor Ward, super-modello ventisettenne bellissimo e affermato. Circondato da uno stuolo di amanti, Ward vive la sua vita tra sfilate, feste, set fotografici, in mezzo agli attori e ai personaggi più in vista della società americana. La prima parte è appassionante e fa ben sperare per il prosieguo del romanzo: una descrizione controversa, intelligente e contraddittoria del mondo dei vip. Dopo le prime frenetiche 36 ore, descritte nelle prime 150 pagine del romanzo, Ward si imbarca per l’Europa alla ricerca di un’ex-fidanzata, divenuta modella e attrice. Finirà coinvolto in un simbolico intrigo di terrorismo internazionale, specchio e metafora della società moderna, dove i piani si sovrappongono e l’interpretazione della realtà diventa impossibile.

Bret Easton Ellis 'rivisto' da WakeUpNews

Un romanzo ambizioso, che dopo l’ottima prima parte, si perde in un caleidoscopio di immagini, situazioni, e personaggi di difficile identificazione. Il tema del doppio e della dualità realtà/finzione, classico marchio di fabbrica della scrittura ellisiana, viene ripreso ed estremizzato troppo. Il risultato finale è confuso, caotico. Si perde il vero senso del romanzo, che appare fumoso, delirante e troppo complesso. American psycho, precedente romanzo di Ellis e suo masterpiece, aveva già in parte affrontato queste tematiche, ma in una maniera senza dubbio più definita e sensata. Glamorama finisce per rappresentare una sorta di caos letterario di difficile definizione, aggravato inoltre dall’estrema lunghezza del romanzo (più di 700 pagine), che aggiunge un ulteriore elemento di difficoltà ad una lettura complessa.

Ellis ha lavorato per molti anni a questo romanzo e il risultato è francamente scadente. Dopo l’esordio a soli ventun’anni con il folgorante Meno di zero, la conferma con il successivo Le regole dell’attrazione e il successo planetario del geniale e rivoluzionario American psycho, ci si aspettava molto di più dal suo quarto romanzo.

Glamorama avrebbe dovuto essere il suo romanzo definitivo, mentre ha rappresentato un consistente passo indietro, che ha dato il via ad una parabola discendente che ha caratterizzato la successiva carriera letteraria di Bret Easton Ellis, finita per diventare una pedissequa ripetizione di atmosfere e tematiche di uno scrittore incapace di aggiornarsi e reinventarsi.

Ellis rimane comunque un’icona della letteratura degli anni ‘80, padre di almeno due capolavori della letteratura americana contemporanea, autore imprescindibile e tappa fondamentale per chiunque voglia capire la letteratura trasgressiva dei giorni nostri, non a caso Ellis è una delle massime fonti di ispirazioni di Chuck Palahniuk.

Se volete entrare in contatto con la letteratura di Bret Easton Ellis lasciate però sullo scaffale della libreria questo Glamorama, un lungo e prolisso mattone, e scegliete uno dei tre romanzi che lo hanno preceduto.

Alberto Staiz

Beast of the Southern Wild

Sono stati assegnati con l’Award Ceremony di Park City (Utah), i premi del Sundance Film Festival, evento di cinema indipendente voluto e creato dall’attore e regista Robert Redford.

I riconoscimenti principali – Grand Jury Prizes – sono andati a due lungometraggi che ritraggono l’America della crisi e delle sconfitte. Il primo è  Beasts of the Southern Wild di Benh Zeitlin: ambientato nel Mississipi narra la vicenda di una bimba di appena sei anni che parte alla ricerca della madre, affrontando la dura realtà di uno degli Stati più poveri degli Usa sfruttando quel grande potere che solo i piccoli hanno davvero, la fanatsia.

Premiato anche il documentario The House I Live In di Eugene Jarecki, impietoso ritratto della battaglia governativa degli States e non contro la droga, segnata da delusioni e insuccessi.

Nella sezione ‘internazionale’ World Cinema i premi della giuria sono andati al documentario The Law in These Parts di Raanan Alexandrowicz, sul sistema legale militare israeliano nei territori palestinesi occupati, e a Violeta Went to Heaven di Andres Wood, biografia dai toni epici della cantante cilena Violeta Parra.

Incassa il premio della giuria per il cast e quello del pubblico The Surrogate di Ben Lewin. La vicenda è ispirata alla storia vera di un uomo quasi 40enne (John Hawkes) da sempre costretto in un polmone artificiale che decide di perdere la verginità con l’aiuto di una professionista del sesso (Helene Hunt). Due riconoscimenti, nella stessa sezione, anche per il documentario Searching for Sugar Man di Malik Bendjelloul: ottiene il Jury Special Prize e il premio del pubblico questa pellicola sulla storia di Rodriguez, cantante folk-rock dimenticato negli Stati Unit,  ma diventato un vero mito in Sudafrica.

Doppia vittoria per Valley of Saints di Musa Syeed, storia d’amore e di speranza ambientata in Kashmir, che si porta a casa il premio del pubblico e l’Alfred P. Sloan Award.

Laura Dabbene

Il gruppo pop di fine anni '90 tornerà a suonare assieme?

Londra – Le Spice Girl potrebbero tornare ad esibirsi assieme sul palco in occasione del Giubileo di Diamante della Regina Elisabetta II dal 2 al 5 giugno 2012, almeno stando a quanto si sarebbe fatta scappare Melanie Janine Brow, comunemente conosciuta come Mel C, durante un’intervista rilasciata ad Auastralian Tv.

Dopo i Take That e i Backstreet Boys, le fan delle cinque reginette del pop inglese di fine anni ’90, sembrava dovessero riunirsi in occasione del Giochi Olimpici di Londra 2012 anche se, come ha ammesso la Sporty Spice all’emittente australiana: «Il Giubileo di Diamante della Regina Elisabetta è un’occasione più importante per riunirsi ben prima delle Olimpiadi», ha spiegato Melanie Janine Brow che, resasi conto dell’errore ha cercato di rimeridare alla gaffe prontamente ripresa dal The Sun, grazie al quale la notizia ha già fatto il tam tam della rete.

A rovinare gli entusiasmi dei fan ci ha pensato Victoria Beckham che, attraverso un membro del suo staff, ha spiegato come i suoi impegni nel mondo della moda non le permetterebbero di concentrarsi sullo spettacolo musicale.
Le Spice Girls si sono sciolte nel 2000 dopo aver pubblicato tre album e dopo essersi riunite momentaneamente nel 2007 per un breve tour mondiale, che ha visto la cancellazione di parecchie date a causa di presunti problemi familiari delle cinque protagoniste.

Eleonora Ottonello

Henri Cartier-Bresson

Non un semplice fotografo, Henri Cartier – Bresson fa della fotografia un modo di vivere. Per lui fotografare è porre sulla stessa linea di mira la mente, gli occhi e il cuore. Ammirando una fotografia dell’autore francese è facile emozionarsi e intravederne l’anima, l’umanità, la curiosità più che la tecnica in quanto – a detta del maestro stesso – quest’ultima è importante solo se si riesce a controllarla al fine di comunicare ciò che si vede.

L’essenza del lavoro del fotografo francese è racchiusa in una frase: «Osservare lì dove gli altri sanno solo vedere». Questo assunto stilistico è sapientemente  trasposto nel suo modo di fotografare. Davanti alla realtà che decide di immortalare, infatti, Bresson non si sente asettico e incontaminato osservatore ma, al contrario, è convinto che «per significare il mondo bisogna sentirsi coinvolto in ciò che si inquadra nel mirino». Al contempo, però, la semplicità espressiva, secondo lui, può essere raggiunta soltanto attraverso l’abnegazione di sé.

Una particolare cifra stilistica quella del maestro del carpe diem che le parole o le immagini da sole, probabilmente, non sono in grado di spiegare.

La mostra Henri Cartier-Bresson. Immagini e parole – promossa dalla Provincia di Roma nell’ambito del Progetto ABC Arte Bellezza Cultura, organizzata da Contrasto, Magnum Photos e Fondation Cartier-Bresson in collaborazione con Civita – si rivela, così, un’occasione imperdibile per godere di alcuni tra i capolavori più toccanti e realistici dell’artista. Inaugurata il 20 gennaio scorso, resterà aperta fino al prossimo 6 maggio nella sede di Palazzo Incontro, nel cuore del centro storico della Capitale.

Basata – come suggerisce il titolo – su una suggestiva commistione tra immagini e parole, la retrospettiva ospita quarantaquattro fotografie tra le più coinvolgenti del maestro, accompagnate dal commento di molti autori importanti. Questa originale sperimentazione rappresenta uno dei punti di forza della mostra, in quanto permette al visitatore di penetrare a fondo il pensiero del fotografo e i commenti si fanno prolungamento dei frammenti di realtà immortalati, proprio come Bresson fa della sua Leica il prolungamento del suo occhio.

Immagini e parole. la mostra su Cartier-Bresson a Roma

Il progetto è nato qualche anno fa, quando un gruppo di amici ha pensato di festeggiare il compleanno del maestro chiedendo a fotografi, intellettuali, scrittori, critici o semplicemente grandi amici, di scegliere e chiosare affettuosamente ognuno la sua fotografia preferita tra le tante, eterne scattate da Bresson. Alcuni degli autori dei commenti sono: Aulenti, Balthus, Baricco, Cioran, Gombrich, Jarmusch, Kundera, Miller, Scianna, Sciascia, Steinberg e Varda. In mostra a Palazzo Incontro a Roma il visitatore troverà una selezione di capolavori unici, aggiornata con nuovi contributi rispetto al progetto originario.

L’esposizione – che vuole omaggiare il fotografo francese – offre una panoramica delle più celebri e incisive fotografie dell’immortale autore e ne racchiude in un sintetico ma esaustivo compendio tutta l’opera. Attraverso i capolavori in mostra il visitatore avrà il privilegio di carpire lo sguardo profondo, puntuale, originale e attento del maestro sul mondo, sugli attimi decisivi, ricchi di una vita che solo lui riusciva a cogliere e ad approfondire in un unico scatto.

Perché come egli stesso racconta: «Il tempo corre e fluisce e solo la nostra morte riesce ad afferrarlo. La fotografia è una mannaia che coglie nell’eternità l’istante che l’ha abbagliata». In questa similitudine è racchiusa l’essenza del lavoro e dell’originalità dell’approccio di un rivoluzionario dell’essenza della creatività fotografica.

Henri Cartier-Bresson. Immagini e parole

Palazzo Incontro – Via dei Prefetti 22, Roma

20 gennaio 2012 – 6 maggio 2012

Orario d’apertura: ore 10-19 (chiuso il lunedì).

Ingresso: 6 euro (4 il ridotto).

Anna Bastione

foto. fotoup.net, gds.it, henricartierbresson.it