Una recente immagine dell'attore scomparso (zimbio.com)

New York – Si è spento all’età di 81 anni il popolare attore americano Ben Gazzara, noto al  pubblico italiano per la sua interpretazione del Professore di Vesuviano nel film Il Camorrista, opera prima di Giuseppe Tornatore del 1986, ispirato alla vita del boss della camorra Raffaele Cutolo.

Gazzara è deceduto dopo lunghi anni di dura lotta al cancro al pancreas che lo affliggeva.

La carriera dell’attore, nato da emigranti italiani originari di Canicattì, era incominciata negli anni ’50 calcando le assi dei palcoscenici di Broadway, interpretando molti spettacoli di successo tra cui si ricorda La gatta sul tetto che scotta diretto da Elias Kazan.

Negli anni Sessanta e Settanta Gazzara si dedica al cinema dando il via a una carriera costellata da grandi successi e da collaborazioni eccellenti con registi del calibro di Otto Preminger, Mario Monicelli e Peter Bogdanovich. Il sodalizio con il regista John Cassavetes fu all’origine di pellicole estremamente interessanti quali Mariti (1970), L’assassinio di un allibratore cinese (1976) e La Sera della Prima (1977).

Gli anni Ottanta non furono meno produttivi per Gazzara che ebbe modo di partecipare a numerose pellicole di valore indiscusso quali Storie di Ordinaria Follia di Marco Ferreri e sopratutto il film che lo consacrò presso il pubblico italiano, il Camorrista di Giuseppe Tornatore.

Negli anni Novanta la sua filmografia si amplia in modo impressionante andando a contare più di 38 ruoli, la maggior parte dei quali realizzati per la televisione. La sua partecipazione a grandi pellicole quali Il Grande Lebowski e Summer of Sam lo vede però impegnato in ruoli di secondo piano.

Venendo a tempi più recenti, il lavoro di maggior rilievo è la sua partecipazione al film Dogville del regista danese Lars Von Trier. La sua ultima interpretazione è  risale a The Wait, del 2011, per la regia di  Tiziana Bosco.

Davide Schiano di Coscia

Foto homepage via:  ivid.it

Una delle locandine incriminate

Un poster giudicato sessista dall’opinione pubblica francese rischia di costare grosso a Jean Dujardin, l’attore in lizza agli Oscar 2012 come protagonista maschile del film The Artist. In attesa di scoprire se il prestigioso riconoscimento sarà suo, Dujardin è infatti impegnato in Francia nella promozione della sua ultima fatica cinematografica, Les Infideles.

Il titolo non fa mistero dell’argomento trattato, l’infedeltà maschile, che ha visto impegnati 7 registi di fama internazionale in altrettanti episodi sul tema. Dujardin figura invece, insieme a Gilles Lellouche nel cast, che, come di rito in queste circostanze, sta presentando l’opera che sarà alla fine del mese nei cinema francesi. E a destar scandalo sono proprio alcuni manifesti pubblicitari che vedono i 2 attori protagonisti di scene allusive e ammiccanti.

Foto certamente provocanti e provocatorie ma che, forse, nessuno si aspettava scatenassero accese discussioni. Nel giro di breve tempo, le contestazioni  hanno invece assunto proporzioni tali che l’Arpp, l’ente che regola la pubblicità in Francia, ha dovuto disporne il ritiro.  L’accusa,  sostenuta da quattro denunce, è chiara: la campagna in questione offenderebbe la dignità femminile, relegando le donne all’ormai abusato ruolo di mero oggetto sessuale.

Chi, suo malgrado, potrebbe non giovare di tutta quest’attenzione mediatica è però proprio Jean Dujardin, che, durante le votazioni per l’assegnazione della celebre statuetta, potrebbe risultare penalizzato da questa sua posizione di “pietra dello scandalo”. Ad avanzare quest’ipotesi è la stessa stampa francese, l’Oscar si è fatto decisamente più lontano.

Mara Guarino

Foto via: cinema.tuttogratis.it

Il compassato Albert Noobs, interpretato da Glenn Close, va ad aggiungersi a questa variopinta galleria di personaggi.

Nella Dublino degli ultimi anni dell’Ottocento la crisi ha messo in mezzo alla strada numerosi lavoratori e alle donne tocca pagare il prezzo più salato. Albert Noobs, impeccabile cameriere del Morrison Hotel è agli occhi di tutti il lavoratore ideale: riservato, distinto, attento e sempre pronto a svolgere alla perfezione le più svariate mansioni. Albert nasconde un segreto di cui nessuno è a conoscenza: il compassato gentiluomo è in realtà una donna che non sa nulla delle sue origini.

La vita di Albert, nonostante la finzione quotidiana, scorre tranquilla mentre tenta di racimolare il denaro necessario per coronare il suo sogno, aprire una tabaccheria e fare fortuna. La placida esistenza verrà scossa dall’arrivo dalla scoperta di non essere la sola a camuffare la sua vera natura e dall’approssimarsi della realizzazione del suo sogno.

Per completare il quadro di quella che sembrerebbe un’esistenza ideale, Albert ha bisogno di una compagna che l’aiuti a tenere il negozio e a essere rispettabile, compagna individuata nella giovane cameriera Helen (Mia Wasikowska).

A complicare le cose interverrà Joe Machine (Aaron Johnson), un ambizioso, quanto irruento, tuttofare che intreccerà una morbosa relazione con Helen e che spingerà ad assecondare la maldestra corte di Albert per poterlo derubare.

Albert Noobs è una pellicola garbata, in cui il tema del travestimento viene spogliato dei suoi contenuti sessuali per far posto a un discorso sullo smarrimento e sulla perdita dell’identità. Il discorso sull’ambiguità sessuale viene lasciato da parte e affrontato indirettamente.

Glenn Close con Albert Noobs ci regala un’interpretazione misurata, fatta per sottrazione più che per aggiunte di dettagli.

Albert viene caratterizzato come un personaggio in cui non è più presente alcuna natura umana, che si ritrova al centro degli eventi (la vita nell’hotel) ma che ne è, al contempo, fuori (interrogato su episodi buffi accaduti nell’hotel, Albert esita come se non riuscisse a capire cosa sia il divertimento). Un personaggio in cui le emozioni sono bandite e la riservatezza diventa un modo per sopravvivere.

Uno dei difetti della pellicola è quello di soffermarsi esclusivamente su Noobs lasciando cosi gli altri personaggi solo abbozzati. Nonostante questa pecca sono comunque da rimarcare le ottime interpretazioni di Aaron Johnson (Kick Ass), il cui Joe, seppur non distaccandosi troppo dallo stereotipo del giovane ambizioso e di pochi scrupoli, riesce ad avere una scintilla che gli permette di non essere relegato a figura sullo sfondo. Lo stesso discorso vale anche per la camerierina Helen interpretata da Mia Wasikowska (Alice in Wonderland).

Peccato invece per il personaggio del dottor Halloran interpretato da Brendan Gleeson (Harry potter) che non riesce a diventare più che una macchietta.

In conclusione Albert Noobs è una pellicola garbata che riesce a delineare un personaggio interessante seppur non esente da qualche difetto. Una pellicola che non si adatta a tutti i palati ma solo a quelli più avvezzi a film meno diretti.

Davide Schiano di Coscia

Foto | via www.newscinema.it, http://blog.panorama.it

Oggi, invece, il vomitevole andazzo generale della società contemporanea vuole che già dopo due o tre anni dalla sua uscita un film possa essere soggetto a remake (sostanzialmente inutile) solo ed esclusivamente per un unico scopo: non ha venduto secondo le aspettative iniziali. E allora giù con lo spargere soldi ad attori e registi famosi pur di attirare pubblico elemosinando letteralmente fama e potere mediatico. È il caso, purtroppo, di quel mezzo genio che è sempre stato David Fincher (indimenticabili Fight Club, Seven e il più recente The social network, oltre alla piaga di Benjamin Button), qui affiancato dalla star bondiana Daniel Craig e da Rooney Mara (era più brava Noomi Rapace nell’originale svedese), oltre che da quel mostro creativo che è Trent Reznor (leader e fondatore dei Nine Inch Nails, di nuovo autore della colonna sonora dopo l’Oscar vinto con The social network, sempre al servizio di Fincher) pur di suscitare attenzione verso libri e relativi film alla faccia dell’originalità creativa. Millennium, allora, altro non è se non un’accozzaglia spettacolare e cardiopalmica comunque ben diretta (vista l’ottima mano del commissionato) ma, nella sostanza, francamente inutile se non ad incrementare il volume del portafogli di Stieg Larsson, l’autore della saga Uomini che odiano le donne. Ed ecco di nuovo, dunque, il giornalista Mikael Blomkvist alle prese con un il potente industriale Henrik Vanger che da quarant’anni cerca la verità e il corpo della giovane nipote, probabilmente assassinata da un membro della famiglia. Mikael, allora, si avvale della collaborazione della giovane Lisbeth Salander, agente investigativo dal passato perturbante. A voi la scelta.

Ben più consigliabile, invece, è il primo esperimento di Martin Scorsese con la tecnologia 3D, vale a dire il tanto atteso Hugo Cabret (con Asa Butterfield, Sacha Baron Cohen, Ben Kingsley, Jude Law), oggetto, come afferma stesso l’autore della trasposizione cinematografica della fiaba di Brian Selznick, di una vera e propria riscoperta registica del cinema, viste le attuali ulteriori possibilità di illusione filmica. Scorsese, allora, affronta la storia di Hugo, un piccolo orfano che vive nascosto nella stazione di Paris Montparnasse negli anni trenta. Quando viene a scoprire, successivamente alla morte del padre orologiaio, uno straordinario automa guasto, decide di ripararlo grazie anche all’aiuto di un’eccentrica ragazza. L’automa, però, detiene segreti che riportano in vita vicende passate rimaste inabissate. A lungo andare, seguendo la trama e il senso dello svolgimento, un ennesimo scorsesiano atto d’amore verso il cinema.

Altra pellicola degna di considerazione per la sua decisa carica di rabbia e passione potrebbe essere il curiosissimo Hesher è stato qui (dal titolo disegnato come il logo dei Metallica, tra l’altro: di Spencer Susser, con Joseph Gordon-Levitt, Natalie Portman, Rainn Wilson), storia di T.J, un ragazzino da poco orfano di madre a causa di un violento incidente stradale e la cui vita familiare viene sconvolta, oltre che dall’avere anche un padre in stato vegetativo, anche dall’arrivo in casa di Hesher, un pazzoide metallaro dai capelli lunghi e pieno di tatuaggi che altro non sa fare se non far valere i suoi eccessi comportamentali. L’incrociarsi delle due vite, seppur completamente differenti, però, porterà entrambi a compiere un processo di autoconsapevolezza del proprio esistere sulla faccia della terra.

Per alleggerire (eccome) l’eventuale peso portante di film d’intrattenimento ma comunque dotati di un minimo di senso, arriva il lungometraggio dei mitici pupazzi Muppet (regia di James Bobin, con Jason Segel, Amy Adams, Chris Cooper), vera e propria reunion cinematografica (non bastavano quelle musicali) della storica gang televisiva che tanto ha appassionato e fatto sorridere intere generazioni. Gary e walter sono affezionati fratelli: il secondo, in particolare, è un grande appassionato del famosissimo Muppet Show e coltiva il sogno impossibile di farne parte. Quando, però, Gary e la fidanzata Mary accompagnano Walter ai Muppet Studios durante una vacanza a Los Angeles, insieme scoprono che l’edificio sta letteralmente crollando a pezzi e va per finire nel più totale dimenticatoio assieme a tutti i suoi personaggi. Solo una reunion di beneficenza, allora, potrà raccogliere i fondi necessari per salvare gli Studios.

Infine, altre due pellicole potrebbero destare un consistente interesse. La prima, francese, è Polisse (regia di Maiwenn Le Besco, con Karin Viard, Marina Fois, Nicholas Duvauchelle, Maiwenn Le Besco), storia di un gruppo di poliziotti dell’unità parigina di Protezione dell’infanzia, perennemente impegnati nella difficilissima assistenza a bambini vittime di svariate modalità di abuso, piccoli ladruncoli o ragazzine dalla sessualità fuori controllo. Sforzandosi, dunque, di trovare una soluzione plausibile per ognuno dei casi a solo assegnati, i protagonisti dovranno necessariamente paragonare tali situazioni alle loro personali condizioni comunque non di facilissimo approccio. La seconda pellicola, in questione, invece italiana, è Sulla strada di casa (regia di Emiliano Corapi, con Daniele Liotti, Vinicio Marchionni, Claudia Pandolfi, Donatella Finocchiaro), vicenda incentrata su Alberto, padre di famiglia con una consorte che egli stesso giudica troppo sincera ed ingenua perché non riesce a cogliere la sua “doppia attività” di corriere per gente poco raccomandabile. In una di queste spedizioni, però, qualcosa va storto e la sua famiglia viene presa in ostaggio da tre malviventi interessati al carico di cui è responsabile.

Buona visione.

Stefano Gallone

In seguito alle nomine, il consigliere d’amministrazione della Rai, Nino Rizzo Nervo, ha inviato una lettera formale di dimissioni al presidente di Viale Mazzini, Paolo Garimberti. «Caro Presidente, le decisioni assunte oggi dal Consiglio di amministrazione su proposta del Direttore generale in merito alle direzioni del TG1 e della TGR mi inducono a rassegnare le dimissioni», scrive. «Giudico quanto è avvenuto – continua Rizzo Nervo – l’ultimo scriteriato atto di una gestione aziendale condizionata da logiche di parte che sta spingendo l’azienda verso un rapido declino».

Per il presidente della Rai, Paolo Garimberti, «ciò che è accaduto oggi è la conferma che questa governance condanna la Rai all’ingovernabilità e che è urgente affrontare il problema delle norme che regolano la vita e l’attività dell’Azienda. E’ l’appello che rivolgo nuovamente con impellenza alle istituzioni competenti e in primo luogo all’Azionista anche alla luce della grave situazione che si è creata con le dimissioni di un Consigliere», dichiara in una nota. «Mi spiace che Nino Rizzo Nervo abbia deciso di rassegnare le dimissioni – aggiunge -. Pur comprendendone le ragioni, penso che sia opportuno però oggi continuare dall’interno una battaglia per migliorare la governance della Rai e per consegnare l’Azienda in condizioni più adeguate a chi verràdopo di noi».

«Il voto di stasera – rileva Garimberti – indica che a forza di star chiusi nel Palazzo della Rai si perde la sintonia con il Paese. Si poteva ragionare su un mandato dei direttori legato a quello della durata del Cda ma la pervicacia con cui si sono portate avanti le nomine al Tg1 e alla Tgr dimostra che non si tratta di nomine di emergenza ma di nomine che hanno spaccato il Consiglio e che per questo non possono che incontrare la mia disapprovazione, soprattutto perché il direttore generale aveva preso altri impegni al momento del primo interim consegnato ad Alberto Maccari».

Il direttore generale della Rai, Lorenza Lei, replica alle critiche: «Nella seduta odierna – sottolinea – è stato approvato l’intendimento di nomina di due professionalità interne alla Rai la cui competenza è fuori discussione». «Rivendico l’autonomia delle scelte e spiace – osserva – che possano essere state interpretate con logiche che non mi appartengono, come dimostrano ampiamente tutte le scelte assunte in questi nove mesi da direttore generale della Rai». Il consigliere Rai Antonio Verro assicura: «Non c’è stato nessun patto. Sono state valorizzate le risorse interne». «Maccari e Casarin sono dei professionisti stimati che hanno trascorso una vita in Rai e hanno fatto gran parte della loro carriera in quelle stesse testate per cui oggi sono stati indicati come direttori», conclude.

Per il segretario Usigrai Carlo Verna «il cda ha autocertificato la fine di una negativa esperienza. Il voto 5 a 4 è il capolinea di ogni tentativo di trovare soluzioni condivise nell’interesse dell’azienda e non dei partiti di riferimento dei consiglieri». Il Pd sta valutando di indire una mobilitazione nei prossimi giorni dopo le decisioni di oggi sulle nomine prese a maggioranza dal Cda della Rai. «Non resteremo con le mani in mano. Non staremo di certo fermi davanti a coloro che vogliono vedere distrutta un’azienda pubblica», afferma il segretario del Pd, Pier Luigi Bersani.

All’attacco anche il presidente Idv, Antonio Di Pietro, che afferma: «La misura è colma. Adesso anche il governo faccia la sua parte e restituisca dignità al servizio pubblico della Rai e ai tanti professionisti che vi lavorano, defenestrando i partiti dalla gestione dell’azienda». Il leader di Sel, Nichi Vendola, sottolinea: «E’ uno scandalo lungamente preparato ed annunciato». «Il servizio pubblico dell’informazione – aggiunge – ancora una volta è umiliato dalla protervia di un potere politico volgare e dozzinalmente padronale».

Natalia Radicchio

Foto| via http://iltelevisionario.files.wordpress.com

Beast of the Southern Wild

Sono stati assegnati con l’Award Ceremony di Park City (Utah), i premi del Sundance Film Festival, evento di cinema indipendente voluto e creato dall’attore e regista Robert Redford.

I riconoscimenti principali – Grand Jury Prizes – sono andati a due lungometraggi che ritraggono l’America della crisi e delle sconfitte. Il primo è  Beasts of the Southern Wild di Benh Zeitlin: ambientato nel Mississipi narra la vicenda di una bimba di appena sei anni che parte alla ricerca della madre, affrontando la dura realtà di uno degli Stati più poveri degli Usa sfruttando quel grande potere che solo i piccoli hanno davvero, la fanatsia.

Premiato anche il documentario The House I Live In di Eugene Jarecki, impietoso ritratto della battaglia governativa degli States e non contro la droga, segnata da delusioni e insuccessi.

Nella sezione ‘internazionale’ World Cinema i premi della giuria sono andati al documentario The Law in These Parts di Raanan Alexandrowicz, sul sistema legale militare israeliano nei territori palestinesi occupati, e a Violeta Went to Heaven di Andres Wood, biografia dai toni epici della cantante cilena Violeta Parra.

Incassa il premio della giuria per il cast e quello del pubblico The Surrogate di Ben Lewin. La vicenda è ispirata alla storia vera di un uomo quasi 40enne (John Hawkes) da sempre costretto in un polmone artificiale che decide di perdere la verginità con l’aiuto di una professionista del sesso (Helene Hunt). Due riconoscimenti, nella stessa sezione, anche per il documentario Searching for Sugar Man di Malik Bendjelloul: ottiene il Jury Special Prize e il premio del pubblico questa pellicola sulla storia di Rodriguez, cantante folk-rock dimenticato negli Stati Unit,  ma diventato un vero mito in Sudafrica.

Doppia vittoria per Valley of Saints di Musa Syeed, storia d’amore e di speranza ambientata in Kashmir, che si porta a casa il premio del pubblico e l’Alfred P. Sloan Award.

Laura Dabbene

Il film sarà un miscuglio di Cgi e Live Action e sarà una sorta di farsa fantascientifica (sulla falsa riga di Guida Galattica per autostoppisti). La sceneggiatura, opera di Jones e Gavin Scott, vede un gruppo di bizzarri alieni venuti sulla terra per trastullarsi con un ignaro essere umano cui doneranno lo straordinario potere di “non fare assolutamente nulla”. A dare le voce ai pestiferi alieni saranno Terry Gilliam, John Cleese, Michael Palin a cui dovrebbe aggiungersi l’ultimo elemento dei Pyton, Eric Idle con cui sono ancora in corso le trattative (Graham Chapman, ultimo componente del gruppo comico e protagonista delle pellicole che li hanno visti impegnati assieme, è morto nel 1989).

Ad arrichire un cast di voci eccellenti si aggiungerà un altra stella comica, Robin Williams che presterà la sua voce al saggio cane parlante Dennis che sembra saperla lunga sulla venuta degli extraterrestri e che sarebbe in trattative per interpretare anche un misterioso francese che presenta molte similitudini con il celebre ispettore Cluseau .

Terry Jones ha assicurato che nonostante il film non sia frutto dei Monty Python ne condivide appieno la sensibilità e lo stile.

Il Gruppo dei Python non si ritrovava assieme dall’89, anno in cui realizzò lo special televisivo per i venti anni di attività intitolato Parrot Sketch Not Included – 20 Years of Monty Python, cui prese parte anche Graham Chapman.

Davide Schiano di Coscia

Cambiando radicalmente genere e, in sostanza, passando ad una fiction vera e propria con tanto di esplosione di effetti speciali, arriva nelle sale il tanto atteso quarto capitolo della saga Mission impossible, ovvero Protocollo fantasma. A dirigere il rispolverato Tom Cruise, al fianco di Paula Patton, Jeremy Renner e Simon Pegg è, questa volta, uno che di ricostruzioni computerizzate se ne intende eccome. Trattasi del buon Brad Bird, esperto di film d’animazione tra i quali Gli incredibili e Ratatouille, pellicole che gli hanno consegnato, entrambe, il premio Oscar al miglior film d’animazione. Il signor Cruise, quindi, veste di nuovo i panni dell’agente della Impossible Mission Force Ethan Hunt per far fronte al fatto di essere implicato, diegeticamente, assieme ai suoi collaboratori, in un gravissimo attentato terroristico al Cremlino. Dopo aver messo la squadra al bando, il presidente lancia l’operazione “Protocollo fantasma”. Hunt e i suoi non agiscono più ufficialmente per conto degli Stati Uniti, ma tocca comunque a loro, senza alcuna copertura, il compito di cercare di fermare chi sta tentando in tutti i modi di scatenare una guerra nucleare puntando sull’ormai sopita diffidenza tra russi e yankee.

Se, magari, la missione impossibile rischia di suscitare comunque un po’ di monotonia da scetticismo megagalattico, interessante risulta essere, invece, il nuovo e differente approccio del bravo Brad Pitt al ruolo di protagonista per L’arte di Vincere (di Bennett Miller, con Jonah Hill, robin Wright Penn, Philip Seymour Hoffman), storia degli Oakland Athletics, una buona squadra di baseball che, però, non riesce economicamente a competere affatto con gli stratosferici budget di squadre ben più blasonate come as esempio, tra tutte, i New York Yankees. Quando al termine della stagione il general manager Billy Beane si vede portar via i pezzi migliori, percepisce che la loro sostituzione diventa sempre più impossibile, specie con pochissimi soldi a disposizione. Ne nasce, quindi, una trafila di eventi e stati d’animo per cui, forse, oltre che per il cast, vale la pena pagare il prezzo di un biglietto.

Un altro film di non minore importanza è di nazionalità italiana e porta il controverso titolo di Acab, ovvero l’ormai risaputa dicitura All cops are bastards (regia di Stefano Sollima, con Pierfrancesco Favino, Filippo Nigro, Marco Giallini, Andrea sartoretti). Già regista della comunque fortunata serie televisiva Romanzo criminale, sollima porta in scena una storia in cui i protagonisti sono tre celerini (Negro, Mazinga e e Cobra) perennemente invischiati in fatti di violenza da mancante ordine pubblico. Il problema è che, oltre al fisico, anche la loro vita privata comincia a risentire seriamente di questo stile di vita costretto da quello che comunque rimane un lavoro. Perciò, quando tra di loro arriva una recluta, Adriano, in lui vedranno, si, il futuro del proprio reparto, ma non tarderanno a farsi sentire anche sue stesse analisi di educazione e legalità che provocheranno controversie all’interno del “reparto mobile”, anche in luce degli sconvolgenti fatti del G8 di Genova.

Il biopic The iron lady di Phyllida Lloyd, invece, mira, ancora una volta, a fare di un’attrice del calibro di Meryl Streep cibo per le statuette da Oscar nelle vesti dell’eterna e discutibilisisma figura di Margaret Thatcher, ex primo ministro del Regno Unito dal 1979 al 1990, prima ed unica donna ad aver ricoperto una simile carica. Leader del partito conservatore inglese, la Thatcher fu primo ministro anche durante il traumatico periodo dell’invasione delle isola Falkland, operazione guidata da una vera e propria ondata di patriottismo britannico. Ma la sua memoria è meglio direzionata (specie per i diretti interessati) dal fatto di essere stata una figura tristemente centrale per il drastico aumento delle percentuali di disoccupazione nel proprio paese (elemento che ha generato la produzione anche di ottimi film come Full monty o, soprattutto, il più diretto e amaro Grazie signora Tatcher). Il ritratto che la Lloyd cerca comunque di delineare attraverso la narrazione sembra comunque voler sottolineare il carattere e l’animo di una donna che ha rotto le barriere della classe per essere ascoltata in una realtà dominata dal sesso maschile. Per ogni potere acquisito o subito, sembra dire la Lloyd, c’è sempre un prezzo da pagare.

Di maggior interesse sociale e morale, però, è, infine, la pellicola bosniaca Il sentiero della giovanissima regista Jasmila Zbanic (con Zrinka Cvitesic, Leon Lucev, Ermin Bravo, Mirjana Karanovic), storia ambientata a Sarajevo ed incentrata sulla hostess Luna, compagna di Amar, un controllore di volo presso l’aeroporto della città. La coppia sta cercando da tempo di avere un figlio, potendo anche disporre, volendo, dell’inseminazione artificiale. Amar, però, viiene sospeso dal lavoro perché sorpreso a bere alcolici in servizio. Per caso incontra un ex commilitone ormai diventato musulmano integralista che gli offre un lavoro come insegnante di computer in una comunità musulmana che vive completamente isolata dalla città. Impossibile far fronte, dunque, alla separazione dei percorsi di vita di Amar e Luna.

Buona visione.

Stefano Gallone

Los Angeles:

Le nomination agli Oscar verranno annunciate oggi da Jennifer Lawrence in una cerimonia presso la sede della Academy of Motion Picture Arts and Sciences.

Il premio per il miglior film agli Oscar potrebbe diventare un braccio di ferro tra i due film insigniti ai Golden Globes: ‘The Descendants’, premiato come miglior film drammatico, ambientato alle Hawaii, con George Clooney nel ruolo di un padre che cerca di tenere unita la famiglia con la moglie in coma dopo un incidente in barca; e ‘The Artist’, premiato nella categoria miglior commedia o musical, con Jean Dujardin nella parte di una stella del cinema muto la cui carriera si sbriciola mentre i film parlati prendono il sopravvento. Clooney e Dujardin, che hanno vinto come migliori protagonisti nelle rispettive categorie, sono i probabili candidati agli Oscar come migliore attore.

Un’altra attrice che ha grandi attese è Meryl Streep, premiata come miglior attrice drammatica in ‘The Iron Lady’, Se venisse nominata, la Streep, gia due volte premio Oscar, raggiungerebbe il record del più alto numero di candidature in carriera, portando il suo totale a 17 nomination, 5 in più rispetto a Katherine Hepburn e Jack Nicholson, entrambi al secondo posto.
Fa invece molto discutere l’esclusione di una delle star più amate di Hollywood, Leonardo di Caprio.

Ecco la lista completa

Miglior film

The Artist
The Descendants
Molto forte incredibilmente vicino
The Help
Hugo
Midnight in Paris
Moneyball
The Tree of Life
War Horse

Miglior attore protagonista
Demián Bichir, George Clooney, Jean Dujardin, Gary Oldman, Brad Pitt

Miglior attrice protagonista
Glenn Close, Viola Davis, Rooney Mara, Meryl Streep, Michelle Williams

Miglior attore non protagonista
Kenneth Branagh, Jonah Hill, Nick Nolte, Christopher Plummer, Max von Sydow

Miglior attrice non protagonista
Bérénice Bejo, Jessica Chastain, Melissa McCarthy, Janet McTeer, Octavia Spencer

Miglior film d’animazione
A cat in Paris, Chico & Rita, Kung Fu Panda 2, Puss in Boots, Rango

Miglior scenografia
The Artist, Harry Potter e i doni della morte 2, Hugo, Midnight in Paris, War Horse

Miglior fotografia
The Artist, Uomini che odiano le donne, Hugo, The Tree of Life, War Horse

Migliori costumi
Anonymous, The Artist, Hugo, Jane Eyre, W.E.

Miglior regista
Michael Hazanavicius, Alexander Payne, Martin Scorsese, Woody Allen, Terrence Malick

Miglior documentario
Hell and back again, If a tree falls: a story of the Earth liberation front, Paradise Lost 3: Purgatory, Pina, Undefeated

Miglior documentario corto
The barber of Birmingham: foot soldier of the civil rights movement, God is the bigger Elvis, Incident in New Baghdad, Saving face, The tsunami and the cherry blossom

Miglior montaggio
The Artist, The Descendants, Uomini che odiano le donne, Hugo, Moneyball

Miglior film straniero

Bullhead di Michael R. Roskam (Belgio)
Monsieur Lazhar di Philippe Falardeau (Canada)
A Separation di Asghar Farhadi (Iran)
Footnote di Joseph Cedar (Israele)
In Darkness di Agnieszka Holland (Polonia)

Miglior trucco 
Albert Nobbs, Harry Potter e i doni della morte 2, The Iron Lady

Miglior colonna sonora originale
Tintin, The Artist, Hugo, La talpa, War Horse

Miglior canzone originale
Man or Muppet, Real in Rio

Miglior cortometraggio animato
Dimanche/Sunday, THe fantastic flying books of Mr. Morris Lessmore, La Luna, A morning stroll, Wild life

Miglior cortometraggio
Pentecost, Raju, The Shore, Time Freak, Tuba Atlantic

Migliori effetti speciali
Drive, Uomini che odiano le donne, Hugo, Transformers, War Horse

Miglior sceneggiatura non originale
The Descendants (Paradiso Amaro)
Hugo
Le idi di marzo
Moneyball
Tinker Tailor Soldier Spy (La talpa)

Miglior sceneggiatura originale
The Artist (di Michel Hazanavicius)
Bridesmaids (di Annie Mumolo e Kristen Wiig)
Margin Call (di J.C. Chandor)
Midnight in Paris (di Woody Allen)
A separation (di Asghar Farhadi)

Miglior missaggio audio
The Girl With The Dragon Tattoo (Uomini che odiano le donne)
Hugo
Moneyball
Transformers: Dark of the moon
War Horse

Davide Lopez

David Letterman (articles.nydailynews.com)

Non poteva mancare il suo punto di vista. Il punto di vista più tagliente d’oltreoceano: quello di David Letterman. Il famoso presentatore statunitense nel suo Late Show ha inesorabilmente messo alla berlina Francesco Schettino, comandante della Costa Concordia, proponendone una tragicomica imitazione che riprendeva alcuni passaggi della telefonata con il comandante De Falco e stralci di interrogatorio con il gip.

Letterman ha esordito con un «non è vero che ho abbandonato lo show ieri sera» per introdurre un monologo di un paio di minuti su Francesco Schettino.

L’anchorman ha ironizzato sulla sua fuga, essendo stato il primo a scappare dalla nave «proprio come insegnano all’accademia» e sul fatto che il comandante sia “caduto” nella scialuppa di salvataggio.

Il conduttore ha avuto vita facile, ricordando la differenza tra Schettino e Sully Sullenberger, comandante dell’aereo che riuscì ad ammarare nell’Hudson a New York senza riportare nemmeno una vittima.

Inesorabile e dissacrante, Letterman ha rilanciato: «È singolare che una nave da crociera italiana abbia un navigatore peggiore di quello di una qualsiasi auto media americana». Nel web non tutti sembrano averla presa benissimo. Le reazioni vanno dall’indignazione per la presunta speculazione sulla tragedia al triste ma inevitabile “se l’è meritata”.

Francesco Guarino

IL VIDEO DI DAVID LETTERMAN CHE IRONIZZA SUL COMANDANTE FRANCESCO SCHETTINO:

MILANO

La trattativa che ha seguito l’annuncio di cessazione attività arrivato a fine dicembre ha prodotto risultati positivi, sia per chi è impiegato nella soap sia per Mediaset, visto il buon andamento, in termini di ascolti, della serie.

L’appuntamento pomeridiano di Canale 5 continuerà regolarmente ad essere prodotto negli studi di San Giusto Canavese (Torino) e ad andare in onda sull’ammiraglia berlusconiana, con l’aggiunta di un momento speciale domenica 22 quando, per festeggiare il traguardo delle 2500 puntate, occuperà la fascia di prima serata.

Erano stati i costi troppo alti a scoraggiare l’azienda di Cologno Monzese, una preoccupazione che non è venuta meno all’improvviso ma superata da una scelta che evidentemente non si è basata solo su “fredde logiche economiche” che avrebbero sconsigliato a qualsiasi azienda tv la prosecuzione dell’impegno.

Ma grazie anche alla consapevolezza dimostrata da staff artistici, staff tecnici e maestranze impegnate nella serie, Mediaset conferma che si sono avvicinate le condizioni minime necessarie per assicurare la continuità a una fabbrica creativa cruciale.

(Foto: agi.it / forumautori.com)

Stefano Gallone

La conduttrice Serena Dandini

Roma – È tutto pronto per l’esordio su La7 di The show must go off, il nuovo programma di Serena Dandini. Nuova rete, nuova programma. In realtà il debutto della trasmissione era stato già fissato per la scorsa settimana, ma poi la stessa La7 ha deciso di rimandarlo a questo sabato. Scelta questa doverosa, e  condivisa dalla stessa Dandini, per dare ampio spazio all’informazione con lo speciale del Tg di Enrico Mentana sulla tragedia della nave Costa Concordia.

Dopo diverse settimane dall’abbandono dello spazio di Parla con me sulla terza rete Rai, la Dandini ritrova gran parte della sua squadra su La7, stesso team di  autori e comici. E per questa prima puntata ci saranno due importanti ospiti: lo scrittore siciliano Andrea Camilleri, e il cantante Tiziano Ferro. A quanto si apprende, pare anche in arrivo una sorpresa speciale da parte di Fiorello.

Come da tradizione, sarà dedicato tanto spazio alla satira e alle parodie con le attrici Federica Cifola e Paola Minaccioni, e Max Paiella. E poi ancora ritroveremo Ascanio Celestini e Lillo e Greg, e gli immancabili Dario Vergassola, Neri Marcorè, Elio e le Storie Tese. Tra questi anche una piacevole novità: le puntate saranno trasmesse in diretta streaming su live.la7.it/theshowmustgooff e su YouTube , con la possibilità quindi di commentare in diretta.

“Emozione, emozione, finalmente stasera si debutta! Non vedo l’ora di farvi vedere il nostro show! E sentire che ne pensate” ha scritto proprio oggi la conduttrice sul suo profilo Twitter, e poi ha aggiunto “ore nove e trenta, rete La sette, spero di vostro gradimento con tutto il cuore…”.
Una nuova sfida per la Dandini che nella prima serata del sabato sera dovrà contendersi il pubblico con altre due popolari trasmissioni:  Ballando con le stelle su Raiuno e Italia’s got talent su Canale 5. Appuntamento fissato per le 21:30 di questa sera.
Angela Piras

Cannes -

Con Moretti, un italiano torna a presiedere la giuria del Festival di Cannes dopo 22 anni. L’ultimo presidente di giuria italiano sulla Croisette era stato infatti Bernardo Bertolucci nel 1990: quell’anno la Palma d’Oro ando’ a “Cuore Selvaggio” (‘Wild at Heart’) di David Lynch e nel palmares non trovò posto nessun italiano.
Quest’anno Moretti si troverà con ottime probabilità a giudicare, in Concorso, il nuovo film di Matteo Garrone, “Big House”, e l’atteso ritorno dietro la macchina da presa di Bernardo Bertolucci, regista di “Io e te”.

Prima del regista romano 58enne, altri sei italiani hanno presieduto la giuria del Festival di Cannes dalla nascita della kermesse: Sophia Loren nel 1966, il regista Alessandro Blasetti nel 1967, Luchino Visconti nel 1969, Roberto Rossellini nel 1977, Ettore Scola nel 1988 e Bernardo Bertolucci nel 1990.

Ricordiamo che Nanni Moretti, come concorrente, ha presentato a Cannes ben sei film, conquistando la Palma d’oro nel 2001 con la pellicola “La stanza del figlio”. Anche l’anno scorso era presente al festival con “Habemus papam”.

“E’ una gioia, un onore e una grande responsabilità quella di presiedere la giuria del festival cinematografico più prestigioso al mondo, che si svolge in un paese che ha sempre avuto attenzione e rispetto per il cinema”.
“Come spettatore ho per fortuna la stessa curiosità che avevo in gioventù ed è dunque per me un privilegio intraprendere questo viaggio nel cinema mondiale contemporaneo”. Queste alcune delle frasi pronunciate da Moretti e rese note dagli organizzatori del festival attraverso una nota ufficiale.

Davide Lopez

Sanremo -

Tamara Ecclestone non sarà dunque la compagna della modella ceca Ivana Mrazova sul palco dell’Ariston. Gianni Morandi, presentatore della kermesse, doveva essere affiancato nel corso della serate da queste due meravigliose ragazze, due more, ma a quanto pare, la bella ereditiera di Bernie Ecclestone, patron della Formula 1, è riuscita a farsi cacciare dalla manifestazione, perché avrebbe fatto i capricci, senza per altro impegnarsi quanto richiesto nella preparazione dello show televisivo.

Ma dietro alla motivazione ufficiale, pare ve ne sia un’altra di natura economica: il compenso offerto alla 27enne modella era considerato troppo basso. Lei voleva molto di più e la Rai ha deciso di darle in ben servito.
E ora chi salirà sul palco dell’Ariston?

Non si sa ancora se la Ecclestone verrà sostituita, ma è molto probabile che la scelta di Mazzi e di Gianni Morandi sarà quella di puntare tutto proprio sulla Mrazova e sulle presenze femminili che saliranno sul palco per una sola sera, tra cui sono state confermate Belen Rodriguez ed Elisabetta Canalis, vallette della scorsa edizione del Festival.

Davide Lopez

Locandina

Chi era J.Edgar Hoover?

Un ottimo lavoro di Clint Eastwood ci racconta la storia del fondatore dell’FBI,  un uomo in grado di gestire un potere immenso, ma troppo solo per essere felice.

Nella pellicola Edgar inizia il suo lavoro giovanissimo, spinto da un forte senso patriottico mentre l’America inizia ad affrontare la minaccia Bolscevica nei primi anni ’20, il potere dei radicali e successivamente lo strapotere dei ganster come il nemico pubblico John Dillinger e Al Capone. Il giovane viene notato per le sue grandi qualità organizzative e in poco tempo gli viene affidato un incarico a dir poco storico: la riorganizzazione e la nascita del Bureau Federale, l’FBI che il personaggio interpretato da di Caprio concepirà e strutturerà a sua immagine e somiglianza.

La struttura  diventerà in breve tempo solida ed efficiente, avvalendosi, di contrasto con i poteri della Polizia, delle tecniche più evolute dell’indagine scientifica, che inizia proprio con il Bureau a divenire parte integrante del lavoro di analisi nei casi irrisolti: come quello relativo al rapimento del figlio dell’aviatore Charles Linderberg, considerato in quegli anni tormentati, l’uomo del ventesimo secolo.

La narrazione del film vede tuttavia anche un altro lato dell’importante personaggio di Hoover. Un uomo in apparenza di grande solidità, ma nello stesso tempo fragile e pieno di difetti  sul piano della vita vera, quella dei rapporti personali, in particolare quello con le donne: Edgar è infatti omosessuale e fortemente innamorato del suo assistente Clyde Tholson (un eccellente Armie Hammer ), ma non riuscirà mai ad ammetterlo pubblicamente per via della sua posizione di rilievo pubblico e soprattutto per via della figura della madre, dei quali consigli e carisma non riesce assolutamente fare a meno. Anche nei rapporti professionali con la sua segretaria personale, Helen Gandy (Naomi Watts), l’uomo mostrerà sempre un certo distacco e di imbarazzo.

Il film si muove su due piani paralleli: da un lato, il giovane Edgar alle prese con la sua ascesa al potere. dall’altro, con ottimi effetti cinematografici di invecchiamento, lo styesso uomo in lotta sempre per gli stessi principi, ma ormai prossimo al declino fisico e professionale, avversato da un mondo che non gioca più le sue stesse regole. Ottima la regia e i dialoghi, in cui la narrazione non viene mai turbata e perfetto il lavoro degli attori.

Unico neo di questo big movie è quello, tuttavia, di aver certamente dato conoscenza delle origini di un personaggio storico davvero influente nel ventesimo secolo, ma tralasciando alcuni nodi fondamentali dei rapporti di Hoover con l’intera America e il potere politico: se il film mostra un uomo solo contro tutti, la realtà storica parla di Edgar come un soggetto perfettamente coinvolto e partecipe di compromessi.

Perfettamente consigliato agli amanti dei film di Eastwood, la pellicola è adatta comunque ad un pubbblico attento date le numerose tematiche messe sul piatto. Bisogna comunque dare ancora una volta merito allo straordinario Clint, che dopo il bellissimo “Hereafter“, una forte riflessione su ciò che può succedere dopo la morte, ha portato all’attenzione generale la storia di un uomo fedele al suo Paese e perennemente in lotta per difenderlo.

Adriano Ferrarato

Il logo celebrativo della Paramount (netizenwallpapers.com)

La classifica box office Usa della scorsa settimana citava, nell’ordine: Mission Impossibile, Sherlock Holmes, Millennium, Alvin Superstar e via dicendo. Nulla di strano, se non fosse che i titoli sopracitati andavano dalla seconda posizione in giù. Alla testa della graduatoria, con 35 milioni di dollari raggranellati in un solo weekend, campeggiava orgoglioso L’altra faccia del diavolo (The Devil Inside), horror diretto dallo sconosciuto William Brent Bell.

In Italia uscirà appena a marzo, ma il passaparola sta già sbrigando il suo dovere pubblicitario e informativo. Costato poco meno di un milione di dollari, ambientato a Bucarest e nella Roma Vaticana, L’altra faccia del diavolo è il prototipo di una nuova sfida targata Paramount – di cui ricorre quest’anno il centenario della fondazione – che consiste nel puntare su film a costo quasi zero, finanziandone la realizzazione o comprandoli già pronti per spedirli subito in sala e rendere immediatamente attivo il bilancio dell’investimento. Al fine di dare continuità al progetto, la Paramount ha generato un’apposita etichetta battezzata Insurge Pictures.

Idea economicamente vincente, specie in virtù del fatto che gli irrisori costi in gioco renderanno facilmente fruttuosi anche film incapaci di fare prodezze al botteghino. Sembra – e in effetti è – talmente semplice che viene da chiedersi perché nessuna major ci abbia mai pensato prima d’ora, essendo i rischi economici ridotti al minimo e le possibilità di colpaccio piuttosto elevate, potendo contare su sistemi distributivi e pubblicitari a dir poco massicci. Ma al di là della questione intrioti, quanto potrebbe realmente giovare al Cinema un’operazione così?

Fermo restando che ad oggi è chiaramente prematuro azzardare giudizi definitivi, il progetto Insurge va intanto promosso sulla fiducia. Nella realtà cinematografica odierna, fatta di scarsi investimenti nei giovani talenti e costretta a convivere con l’impossibilità di fronteggiare lo strapotere major, vedere che un colosso come la Paramount abbia scelto di investire addirittura nel micro-budget rincuora e apre a ottimistici scenari futuri. Dopo i buoni responsi box office ottenuti da The Devil Inside, appare in effetti realistico ipotizzare che pure altre grandi dell’industria hollywoodiana (e non solo) seguano presto l’esempio. Ne potrebbe derivare una sorta di rete produttivo-distributiva a suo modo autonoma eppure connessa al mainstream, in grado di soddisfare equamente sogni monetari e artistici di produttori e registi.

Un fotogramma di "Clerks" (Kevin Smith, 1994)

L’incognita dell’intera operazione risiede però proprio nell’aspetto più caro agli appassionati: la qualità. Specie se il modello di riferimento continuerà ad essere un bluff mediatico come Paranormal Activity, di cui L’altra faccia del diavolo sembra ricalcare banalità e stereotipi senza troppi sforzi creativi. Il rischio è evidente: che i soldi “risparmiati” nelle varie micro-produzioni vengano parzialmente reinvestiti in pubblicità ingannevole e campagne virali web, spacciando per nuovi fantomatici “casi” cinematografici delle mediocri riprese amatoriali o poco più. Non sarebbe la prima volta. Ma di questo bisognerà riparlare fra qualche tempo, dopo aver assistito al primo drappello di esperimenti marchiati Insurge. Se ne prevedono dieci per il prossimo anno: ognuno avrà 100.000 dollari a disposizione.

La predominanza horror all’interno dell’universo low & micro budget non deve stupire. Trattasi di un genere croce e delizia: avaro di grandi capolavori, straripante di accozzaglie inguardabili, ma allo stesso tempo colmo di gioiellini, frutto di intuizioni brillanti e tecnica sopraffina. Materia perfetta per testare la presenza di vera creatività e smascherare superbie pseudo-autoriali. E soprattutto, è l’unico genere cinematografico puro sempre in voga presso il grande pubblico e contemporaneamente alla portata di giovani filmmakers dal cervello pieno e le tasche vuote.

La Storia del Cinema pullula di casi celebri al riguardo: gran parte dei capisaldi horrorifici sono accomunati proprio dai bassissimi costi di realizzazione. Il più classico fra quelli moderni è La casa, diretto da un ventiduenne Sam Raimi e ben presto divenuto cult. Ma ci sono anche Venerdì 13, Halloween di John Carpenter e La notte dei morti viventi di George A. Romero. Va citato pure il mockumentary The Blair Witch Project, assai meno fondamentale nella storia del genere ma altrettanto redditizio e venerato.

Al di fuori dell’horror, fra i trionfi di botteghino a costo quasi zero spiccano il cult erotico La vera gola profonda, Rocky (costato un milione di dollari, ne incassò 225), Clerks e l’australiano Interceptor con Mel Gibson. Ebbero ottime plusvalenze anche El Mariachi di Robert Rodriguez e il documentario Super Size Me. In tempi recentissimi ha fatto parlare di sé il francese Donoma, a detta di molti il film meno costoso di sempre: 150 euro, peraltro utilizzati per una scena poi tagliata in fase di montaggio. Il budget zero assoluto è ormai dietro l’angolo.

 Mathias Falcone

Foto via: the-numbers.com e popcultureshock.com

Qualche dubbio in più viene lasciato scintillare, ahimè, da un’altra produzione italiana, ovvero Sleeping around (regia di Marco Carniti, con Anna Galiena, Dario Grandinetti, Danilo Nigrelli, Marco Foschi), pellicola drammatica (comunque da vedere, fosse solo perché nostra connazionale) incentrata su un’ambientazione metropolitana odierna (ma vista con occhi futuristici) nella quale un’importante agenzia di comunicazione internazionale, tramite conferenza stampa, introduce una straordinaria innovazione tecnologica di importazione cinese con l’obiettivo di modificare definitivamente il concetto stesso di pubblicità: attraverso una lente, cioè, sarà possibile proiettare, con l’ausilio di un potentissimo satellite, marchi pubblicitari direttamente sulla superficie della luna piena. Da questo assunto, dunque, parte la storia di diversi protagonisti le cui sorti saranno drammaturgimanente legate da un unico filo conduttore. Dov’è il problema, anche qui? Forse nella nostra doverosa costrizione di sperare che il fattore “lunare” sia solo un McGuffin per meglio sviluppare qualcosa di ben più concettuale.

Spostando la nostra attenzione ad un livello mainstream interplanetario, invece, Underworld – Il risveglio, in 3D (si potrebbe ormai anche evitare di puntualizzare nel titolo l’ormai consueta ed innovativa tecnologia…così, tanto per non sfigurare cme se fosse uno scatolone di detersivo in polvere per lavatrici), per la regia del duo Mans Marlind / Bjorn Stein (con Kate Beckinsale, Stephen Rea, Michael Ealy), riparte da dieci anni dopo l’eccidio che il genere umano ha messo in atto contro i vampiri e lycan (ormai anche troppo di moda) per consentire a Selene di risvegliarsi dalla lunga ibernazione con la quale era stata fatta prigioniera dall’azienda biotecnologica Antigen. Tornata all vita, dunque, Selene scopre di avere una figlia. Nata dalla relazione della madre con l’amatissimo Michael, Eve è dunque la primissima donna ibrida di sangue sia vampiro che lycan, il che le conferisce dei poteri eccezionali ancora formalmente da scoprire. Proprio grazie a queste sue nuove qualità, però, anche i nemici si sono potenziati, le due dnne si troveranno fianco a fianco per combattere quello che forse è rappresentato come il peggior antagonista dell’intera saga, un lycan superpotenziato in quanto geneticamente modificato. Più per gli appassionati che per i “comuni mortali”.

Fa specie, invece, vedere il bravo Emile Hirsch (il celebre protagonista dell’ormai quasi cult Into the wild di Sean Penn) prendere parte ad una pellicola forse troppo poco digeribile per un attore di simile qualità (confidiamo, dunque, nel prossimo lavoro di Sergio Castellitto e Margaret Mazzantini che lo vedrà protagonista assieme a Penelope Cruz). Le adolescenziali invasioni aliene di L’ora nera forse poco convincono nel loro basarsi sulla storia di Sean e Ben, due giovani programmatori atterrati a Mosca con l’intenzione di vendere un’innovativa applicazione per telefoni cellulari a dei magnati russi. I due, però, vengono presto a sapere che un collega svedese ha rubato l’oro l’idea concludendo un ottimo a fare. Per consolarsi, dunque, i due decidono di passare la serata in uno dei locali più glamour della capitale, all’interno del quale conoscono due turiste americane. Proprio mentre stanno per approcciare, però (quando si dice la sfiga), la città viene paralizzata da un enorme black out: dal cielo cominciano a scendere strani fasci di luce che, una volta giunti a terra, iniziano a disintegrare ogni cosa seminando in tutta la città panico e distruzione.

Salendo un tantino di qualità, invece, The help (regia di Tate Taylor, con Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard) incentra la propria narrazione su tre donne straordinarie del profondo sud statunitense. Anno 1962. La ventiduenne Skeeter ha appena fatto ritorno a casa dopo la laurea da le Miss, fatto che però non accontenta la madre che, invece, la vorrebbe vedere sposata. A questo si aggiunge il fatto che la tanto amata confidente / cameriera di Skeeter, Costantine, la donna che l’ha praticamente allevata, è sparita e non si riesce più a ritrovare. In parallelo, scorre anche la storia di un’altra donna, la domestica di colore Aibileen, una donna saggia e regale che sta per allevare il suo diciassettesimo bambino bianco ma con un profondo e radicale cambiamento interiore dovuto alla perdita del proprio figlio.

Ritornando in ambito italiano, infine, una pellicola molto interessante è invece Sette opere di misericordia dei pluripremiati gemelli Gianluca e Massimiliano De Serio (con il geniale Roberto Herlitzka, un ritrovato Ignazio Oliva, Olimpia Melinte, Stefano Cassetti), opera prima (dopo una serie di documentari e cortometraggi di ottimo valore intrinseco) ambientata a Torino, città che ospita Luminita, una giovane clandestina romena che riesce a sopravvivere grazie a borseggi per i quali deve versare la rispettiva percentuale ai suoi padroni. La ragazza, però, ha già in mente un piano per sfuggire per sfuggire al loro controllo e procurarsi dei documenti falsi. Così inizia la propria operazione solitaria scegliendo una prima vittima a caso, Antonio, un uomo anziano e malato che vive in una situazione di quasi degrado e che è costretto a farsi ricoverare periodicamente in ospedale. La ragazza lo incontrerà e comincerà a seguirne le vicissitudini.

Buona visione.

Stefano Gallone

Martin Scorsese

Pronostici rispettati. L’edizione numero 69 dei Golden Globe Awards ha insignito personalità e film ipotizzati alla vigilia senza offrire grosse sorprese nelle categorie principali. Di seguito, l’elenco completo dei vincitori.

Film drammatico: Paradiso amaro (The Descendants), di Alexander Payne

Film commedia o musicale: The Artist, di Michel Hazanavicius

Regia: Martin Scorsese, Hugo Cabret

Attrice in un film drammatico: Meryl Streep, The Iron Lady

Attore in un film drammatico: George Clooney, Paradiso amaro

Attrice in un film commedia o musicale: Michelle Williams, My Week With Marilyn

Attore in un film commedia o musicale: Jean Dujardin, The Artist

Attore non protagonista: Christopher Plummer, Beginners

Attrice non protagonista: Octavia Spencer, The Help

Film straniero: Una separazione, di Asghar Farhadi (Iran)

Sceneggiatura: Woody Allen, Midnight in Paris

Colonna sonora: Ludovic Bource, The Artist

Film d’animazione: Le avventure di Tintin, di Steven Spielberg

Canzone originale: “Masterpierce”, W.E. - Madonna

Cecil B. DeMille Award: Morgan Freeman

I riflettori si spostano ora sui più celebri Oscar, le cui nominations verranno annunciate il 24 gennaio. E’ previsto un duello all’ultimo voto nelle categorie miglior film, regia e attore protagonista, mentre si considera quasi scontato il trionfo di Meryl Streep: per l’attrice – che già detiene il record di candidature – sarebbe la terza statuetta personale, a quasi vent’anni di distanza da quella ottenuta per La scelta di Sophie. La parola ai bookmakers, i responsi alla cerimonia di premiazione. Appuntamento al 26 febbraio.

 Mathias Falcone

Richiamando il solo nome, probabilmente, la mente dell’interlocutore non scatterà immediatamente per richiamare a sé il relativo volto, elemento che invece, se sottoposto ad interrogazione visiva, suscita inevitabilmente un certo intuito, stimolazione di certo incentivata dal suo aver preso parte a in numerosissimi film di spessore come, ad esempio, Anche libero va bene di Kim Rossi Stuart, Non ti muovere di Sergio Castellitto, L’ora di religione di Marco Bellocchio o Nessuno mi può giudicare di Massimo Bruno.

Molto folto anche il suo curriculum televisivo, testimonianza di un costante impegno (sempre denso di carisma, risolutezza e spontaneità) anche in fiction di successo come Padre Pio – tra Cielo e Terra, Don Matteo, Boris, Il capo dei capi o I liceali.

L’ultimo lavoro di de Silva è ugualmente un misto tra commedia e impegno civile, anche se la tematica e lo stile sono molto diversi da quelli della pellicola di Benigni. L’era Legale di Enrico Caria vede Pietro vestire i panni di uno strampalato investigatore privato che tenta, con gadget da 007 e simpatia nostrana, di dare una mano all’altrettanto improbabile sindaco di Napoli, Nicolino Amore, interpretato da Patrizio Rispo.

Abbiamo approfittato dell’uscita di questa pellicola per fare quattro chiacchiere proprio con Pietro de Silva.

L’era Legale è un film che sicuramente farà discutere e pensare molto. Un film atipico, una pellicola che affronta tematiche estremamente serie senza per questo essere per forza seriosa. Com’è nato il suo coinvolgimento in questo progetto?

«Avevo già collaborato come attore insieme a Enrico Caria diversi anni fa nel film Blek Giek. Lui mi richiese un paio di anni orsono la partecipazione a questo progetto, io ho aderito con grande entusiasmo, sia per la tematica di grande spessore, sia per il metodo di lavoro del regista che collima perfettamente con il mio; abbiamo la stessa visione sia rispetto alle tematiche proposte che al metodo di realizzazione, fatto di grande complicità, ironia e sopratutto entusiasmo».

La caratterizzazione del suo personaggio: quanto era presente nella sceneggiatura e quanto ha aggiunto di suo?

«Tutto era già scritto ma Caria è per tipologia registica insita nel suo DNA,sempre disponibile a cambiamenti ed invenzioni ex novo maturate nel clima gioioso del set. Ama gli attori propositivi ed in me ha trovato un amico che si presta a proporre spunti sempre diversi per arricchire sia la storia che il personaggio».

L’era legale, grazie a una sapiente opera di montaggio, mescola vero e finzione. Non crede che questa mescolanza possa rischiare di confondere lo spettatore?

«No, perché il presupposto è dichiarato in partenza e anche lo spettatore meno smaliziato, si presta fin dalle prime sequenze a questa commistione realtà-finzione, che poi rappresenta il punto di forza dell’intera operazione».

Nel film viene rappresentata una Napoli molto diversa da quella odierna. Secondo lei, un simile cambiamento è possibile? Se si, ne vede già l’inizio?

«Con l’avvento di De Magistris già si sente una salutare ventata di rinnovamento. Inutile dire che il retaggio di precedenti amministrazioni colluse in parte con la malavita, il degrado delle istituzioni preposte alla salvaguardia del territorio e lo strapotere di organizzazioni criminali che paralizzano e ostacolano costantemente il tentativi di apportare miglioramenti, rappresentano un eredità devastante contro la quale comunque bisogna avere a che fare.

Sono fiducioso e vedo per Napoli e per i Napoletani un nuovo rinascimento, graduale e costante, dovuto soprattutto alla grande energia e forza di volontà della parte sana del paese…o almeno lo spero. Qualche spiraglio è già’ all’orizzonte. Evidentemente finché non ci si sbarazza definitivamente della casta di chi ha permesso lo scempio della città nel corso dei decenni precedenti, tutto ciò resta una mera illusione».

                                                                                                                                                                                              Davide Schiano di Coscia

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Grace Kelly

Sulla scia dei buoni riscontri internazionali raccolti con Le idi di marzo, George Clooney ha imbracciato un progetto nuovo di zecca che intende adattare, dirigere e interpretare. Si intitolerà Monuments Man. Tratto dall’omonimo testo di Robert M. Edsel, il racconto è ambientato durante la Seconda guerra mondiale e narra le vicende di una squadra di esperti d’arte statunitensi inviati a recuperare opere trafugate dai nazisti. La stesura del copione vedrà il probabile apporto di Grant Heslov (L’uomo che fissa le capre), storico collega “di penna” di Clooney.

A proposito di recenti successi, anche il regista parigino di The Artist Michel Hazanavicius sta preparando il prossimo passo della sua lanciatissima carriera: intende cimentarsi con un remake di Odissea tragica, classico del 1948 firmato Fred Zinnemann. Uno dei ruoli principali è stato ipotecato da Bérénice Bejo (The Artist). Sempre in ambito cineasti francesi, Olivier Dahan (La Vie en Rose) dirigerà un biopic su Grace Kelly da tempo in cantiere. Titolo provvisorio: Grace of Monaco.

Nell’interminabile lista progetti, idee, esperimenti e intenzioni di Steven Soderbergh compare da tempo il thriller psicofarmacologico The Bitter Pill. Da qualche giorno il film ha cominciato a prendere forma e nel farlo ha cambiato titolo: si chiamerà The Side Effects. Scritturati Jude Law, Blake Lively (The Town) e Channing Tatum (The Eagle).

James Franco vestirà i panni del fotografo Robert Mapplethorpe in un biopic a lui dedicato. Alla regia ci sarà la documentarista Ondi Timoner, due volte vincitrice del Gran Premio della Giuria al Sundance Film Festival.

Kenneth Branagh

Dirigere il quarto Pirati dei Caraibi è stato un vero toccasana professionale – oltre che economico – per Rob Marshall. Dopo l’ottimo rapporto instaurato con Johnny Depp, assieme al quale collaborerà nuovamente per un remake della commedia gialla L’uomo ombra, il regista bisserà il sodalizio anche con la Disney per un adattamento del musical anni ’80 Into the Woods. Non si tratta dell’unica reunion annunciata di recente: sedici anni dopo Hamlet, pure Kate Winslet e Kenneth Branagh torneranno sul set insieme – lei protagonista, lui regista – per The Guernsay Literary and Potato Peel Pie Society, tratto dal romanzo epistolare di Mary Ann Shaffer e Annie Barrows e ambientato nel secondo dopoguerra. L’attrice interpreterà una giornalista alle prese con un’inchiesta inerente attività antinaziste segrete.

Kiefer Sutherland ha confermato le voci che vedevano il film della serie tv 24 ai blocchi di partenza. Il primo ciak verrà battuto in primavera, verso inizio maggio. La cronologia riparte a pochi mesi di distanza dal termine dell’ultimo episodio e non si svolge in tempo reale: ingloba una giornata intera. Riguardo possibili (probabili?) partecipazioni degli altri volti storici della serie e ulteriori dettagli sulla trama, al momento vige il top secret.

Mathias Falcone